quinta-feira, 6 de novembro de 2025
O Selvagem
segunda-feira, 3 de novembro de 2025
Hollywood Boulevard - Marlon Brando - Parte 2
Nada que poderia se comparar com os filmes anteriores do ator, verdadeiras obras primas como "Espíritos Indômitos", "Uma Rua Chamada Pecado", "Viva Zapata!" e principalmente "Júlio César" que havia exigido muito dele em termos de atuação. Afinal de contas Brando havia suado a camisa para se sair bem em seus primeiros filmes, em especial o último, uma complicada adaptação para o cinema da famosa peça escrita por William Shakespeare, sob direção do austero Joseph L. Mankiewicz. Assim interpretar Johnny era quase como um passeio no parque. Além do mais Brando adorava motos e o universo que as cercava, então foi mesmo a união de algo que gostava de fazer em sua vida pessoal com a possibilidade de dar um tempo nos filmes mais sérios e desafiadores.
Para sua surpresa porém o filme virou um dos maiores cult movies da história. Inicialmente Brando não gostou da película. Como ele próprio recordou em suas memórias a primeira vez que assistiu a "O Selvagem", logo após sua estreia nos cinemas, não gostou mesmo do que viu. Achou o filme violento e sem conteúdo. Curiosamente a fita acabou virando o estopim de uma série de revoluções comportamentais ocorridas na juventude americana nos anos 1950, desembocando na revolução cultural que iria estourar nos anos 1960. Para Brando foi tudo uma grande surpresa. Ele não tinha consciência na época que havia todo um sentimento reprimido por parte dos jovens e que seu filme seria usado para aprofundar todos esses anseios. Johnny, na visão de Brando, era apenas mais um personagem a interpretar. A juventude da época porém viu de outro modo. Aquele motoqueiro, vestido de couro preto da cabeça aos pés, era a personificação da liberdade. O roteiro dava a ele uma conotação ruim, algo que não poderia ser usado como modelo, mas como um aviso contra a delinquência juvenil. Para reforçar isso o estúdio colocou um texto avisando sobre os males de se seguir o exemplo dos personagens. Brando percebeu que o tiro sairia pela culatra. A juventude em geral ignorou a mensagem moralista quadrada e obsoleta e abraçou o personagem como um ícone, um mito, um exemplo a seguir. Para Brando não poderia ser melhor e ele foi elevado à altura de símbolo máximo entre os jovens da época.
Realmente, do ponto de vista puramente cinematográfico "O Selvagem" não pode ser comparado aos demais clássicos que Brando rodou por essa época em sua carreira. Já do ponto de vista meramente cultural e sociológico é de fato um dos mais marcantes momentos de sua carreira no cinema. Isso porque o filme não pode ser visto apenas sob a ótica do que se vê na tela, e sim muito mais além disso, pois teve enorme influência dentro da sociedade, principalmente entre os jovens, que viram ali um modelo de liberdade incrível. Numa época em que havia grande repressão e os controles morais eram extremos, ver Johnny atravessando a América de moto, sem dar satisfações a ninguém, e vivendo com um grupo de rebeldes como ele, era de fato um impacto para o jovem americano típico dos anos 1950. Depois que Brando surgiu com aquela imagem ícone, nasceu toda uma cultura jovem no país, até porque a juventude de um modo em geral era completamente ignorada dentro da sociedade até então, sendo considerada apenas uma transição entre a infância e a vida adulta. Depois de Brando vieram James Dean - o maior símbolo de juventude que o cinema jamais produziu - o Rock ´n´ Roll, Elvis Presley e toda a iconografia da cultura jovem que conhecemos hoje em dia.
Para Brando o filme passou logo, mas os efeitos dele se tornaram duradouros. Assim que terminou as filmagens da fita ele foi procurado novamente por Elia Kazan. Ele o convidou para participar do filme "On the Waterfront" (no Brasil, "Sindicato de Ladrões"). Assim que leu o roteiro Brando entendeu do que se tratava. Era uma grande metáfora em forma de película, que justificava de certa forma o comportamento do próprio Kazan durante o Macartismo, onde ele havia dedurado vários colegas de profissão. Depois disso a biografia do cineasta havia sido manchada para sempre. Ele tencionava com o filme resgatar parte de seu prestígio dentro da comunidade cinematográfica, ao mesmo tempo em que justificava seu ato e pedia desculpas pelo que fez. No começo Brando relutou em fazer o filme. Desde sempre ele se considerava um liberal e o que Kazan havia feito era realmente algo desprezível. A vontade porém de realizar mais uma obra prima foi maior do que seus escrúpulos pessoais. Assim, ainda vestido de Johnny, ele se encontrou nos corredores da MGM e assinou o contrato com Kazan. Mal sabia que estaria prestes a realizar um dos maiores filmes de toda a sua carreira.
Pablo Aluísio.
quarta-feira, 29 de outubro de 2025
Moscou Contra 007
Fazendo-se passar por uma autoridade do serviço secreto russo uma agente da Spectre convence uma espiã russa a roubar o objeto do consulado soviético em Istambul. Ao mesmo tempo engana o serviço secreto inglês que manda Bond numa missão especial na milenar cidade para também colocar as mãos na decodificadora. A agente soviética se faz passar por traidora e promete entregar a cobiçada máquina nas mãos do agente inglês. Só que no final quem planeja mesmo tomar posse dela é a própria Spectre que deseja ainda em uma só tacada eliminar o famoso agente britânico como ato de vingança pela morte do Dr. No. Por essa razão também é recomendável que o espectador assista ao filme anterior, para que todas as peças fiquem bem encaixadas.
Para os fãs de James Bond o filme é um prato cheio. Tem bom roteiro, excelente cenas de ação e uma bondgirl belíssima – a atriz Daniela Bianchi interpretando a agente russa Tatiana Romanova. Sean Connery também está empenhado em trabalhar bem seu papel, sempre concentrado e envolvido, algo que se perderia no passar dos anos pois Connery logo deixaria de ter o interesse em interpretar 007, indo atrás de outros desafios em sua carreira. Durante o filme o espectador ainda é presenteado com ótimas cenas filmadas dentro da famosa Basílica de Santa Sofia em Istambul, monumento erguido pelo imperador romano Justiniano em honra à glória do império Bizantino.
Há ainda belas cenas rodadas em Veneza e no leste europeu. Na trama o escritor Ian Fleming presta também uma singela e pequena homenagem à autora Agatha Christie ao ter parte da trama passada dentro do famoso Expresso do Oriente. Em suma, belo filme da franquia do mais famoso agente inglês do cinema. Um exemplo perfeito de tudo o que não pode faltar em uma película com 007: ação, espionagem, lindas mulheres e cenários de cartão postal. “Moscou contra 007” é de fato um James Bond com pedigree.
Moscou Contra 007 (From Russia with Love, Inglaterra, 1963) Direção: Terence Young / Roteiro: Richard Maibaum, Johanna Harwood, baseados no livro de Ian Fleming / Elenco: Sean Connery, Daniela Bianchi, Lotte Lenya / Sinopse: O espião inglês James Bond (Sean Connery) se vê envolvido numa complicada rede de espionagem envolvendo agentes russos e a Spectre, onde o objetivo final é colocar as mãos em uma cobiçada máquina de decodificação de códigos do serviço secreto soviético.
Pablo Aluísio.
segunda-feira, 27 de outubro de 2025
As Cartas de Grace Kelly - Parte 3
Assim que terminou o colegial, Grace decidiu que queria ser atriz. Conversando com seu tio esse lhe aconselhou a ir morar em Nova Iorque onde havia as melhores escolas de teatro, além de um mercado promissor para jovens atores e atrizes. Havia a Broadway, a Off-Broadway e inúmeros teatros independentes espalhados pela cidade. Além disso Grace poderia estudar com os melhores professores de arte dramática do país (e do mundo). Assim, com apenas 19 anos de idade, ela arrumou as malas e foi embora. Seus pais ficaram desconcertados com sua decisão, mas resolveram apoiar na última hora. O tio George deu todos os conselhos para Grace. Ela deveria estudar para ser atriz, mas também deveria procurar por algum trabalho para se sustentar na cidade. Enquanto os papéis não aparecessem, seria bom procurar algo para sobreviver.
Embora fosse filha de uma rica e tradicional família da Pennsylvania, Grace topou o desafio de tentar sobreviver em Nova Iorque com seus próprios esforços. Ela passou a dividir um pequeno apartamento com outras jovens garotas e começou a procurar por trabalho na cidade. Com 1.75m de altura, corpo esbelto, loira e beleza natural, ela começou a visitar agências de modelo. Não demorou muito e seu jeito aristocrático de ser logo chamou a atenção de estilistas que a contrataram. Grace começou a trabalhar como modelo em desfiles e sessões fotográficas. O salário era muito bom e os horários de trabalho eram flexíveis, o que abria margem para ela frequentar o curso de teatro a cinco quadras de seu apartamento.
Anos depois Grace relembraria que em certo momento poderia ter decidido a se tornar apenas modelo em Nova Iorque. Ela conseguia contratos facilmente e ganhava bem. Em algumas sessões para revistas de moda ela chegava a ganhar sete vezes mais do que uma atriz na Broadway. Ser modelo para ela porém era apenas um modo de ganhar a vida. O que ela desejava mesmo era se tornar atriz. Por isso topou o desafio de também fazer inúmeros testes, quase sempre levando um "não" para casa. A sorte mudou quando conseguiu seu primeiro papel em uma peça chamada "O Pai". Ela seria encenada em um dos mais belos e bem frequentados teatros de Nova Iorque. Era um grande passo estar no elenco. Para sua felicidade a peça foi muito bem de crítica e público. Embora bem jovem ainda Grace recebeu uma linha de elogio na crítica que foi publicada no New York Times. Isso poderia fazer toda a diferença do mundo, pois poderia lhe trazer convites para atuar em outras peças teatrais. Dito e feito. Após nove semanas em cartaz Grace começou a ser procurada por produtores. Sua carreira de atriz, pelo jeito, estava começando a decolar.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 21 de outubro de 2025
Rock e Marilyn - Um Encontro Impossível
sexta-feira, 17 de outubro de 2025
Gregory Peck - Biografia
Biografia
Eldred Gregory Peck nasceu em 5 de abril de 1916, em La Jolla, Califórnia (EUA). Filho de um farmacêutico, estudou na Universidade da Califórnia em Berkeley, onde começou a se interessar pelo teatro. Após se formar, mudou-se para Nova York e estudou na prestigiada Neighborhood Playhouse. Sua postura elegante, voz grave e presença imponente chamaram atenção rapidamente, levando-o a estrear na Broadway antes de conquistar Hollywood.
Estréia no cinema – Primeiros filmes
Gregory Peck estreou no cinema em Dias de Glória (Days of Glory, 1944), interpretando um guerrilheiro russo durante a Segunda Guerra Mundial. No mesmo ano, ganhou destaque em As Chaves do Reino (The Keys of the Kingdom, 1944), papel que lhe rendeu sua primeira indicação ao Oscar e o transformou em uma das grandes promessas do cinema americano.
Auge e sucesso em Hollywood
Durante os anos 1940 e 1950, Gregory Peck consolidou-se como um dos maiores astros de Hollywood. Conhecido por seu talento, integridade e carisma, especializou-se em papéis de homens éticos, corajosos e justos — imagem que refletia também sua personalidade fora das telas. Trabalhou com grandes diretores como Alfred Hitchcock, William Wyler e Henry King, tornando-se um dos atores mais respeitados de sua geração.
Principais filmes da carreira
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As Chaves do Reino (The Keys of the Kingdom, 1944)
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Quando Fala o Coração (Spellbound, 1945)
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O Bom Pastor (The Yearling, 1946)
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O Sol É para Todos (To Kill a Mockingbird, 1962)
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O Segredo das Jóias (Gentleman’s Agreement, 1947)
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O Mar é Nosso Túmulo (Twelve O’Clock High, 1949)
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A Princesa e o Plebeu (Roman Holiday, 1953)
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Os Canhões de Navarone (The Guns of Navarone, 1961)
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O Ouro de Mackenna (Mackenna’s Gold, 1969)
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A Profecia (The Omen, 1976)
Últimos filmes
Nos anos 1970 e 1980, Peck reduziu o ritmo, mas continuou atuando em produções importantes, como A Profecia (The Omen, 1976) e Os Meninos do Brasil (The Boys from Brazil, 1978). Seu último papel no cinema foi em Old Gringo (1989), ao lado de Jane Fonda. Nos anos 1990, fez aparições em minisséries e programas de TV.
Filmes de grande sucesso estrelados por Gregory Peck
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O Sol É para Todos (To Kill a Mockingbird, 1962)
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A Princesa e o Plebeu (Roman Holiday, 1953)
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Os Canhões de Navarone (The Guns of Navarone, 1961)
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O Segredo das Jóias (Gentleman’s Agreement, 1947)
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O Mar é Nosso Túmulo (Twelve O’Clock High, 1949)
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Quando Fala o Coração (Spellbound, 1945)
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O Ouro de Mackenna (Mackenna’s Gold, 1969)
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A Profecia (The Omen, 1976)
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Os Meninos do Brasil (The Boys from Brazil, 1978)
Vida Pessoal
Gregory Peck casou-se duas vezes. Seu primeiro casamento foi com Greta Kukkonen, de 1942 a 1955, com quem teve três filhos. Em 1955, casou-se com a jornalista francesa Véronique Passani, com quem teve mais dois filhos e viveu até o fim da vida.
Peck era conhecido por seu engajamento em causas humanitárias e políticas. Defensor dos direitos civis e da justiça social, apoiou movimentos pela igualdade racial e campanhas humanitárias da ONU. Sua imagem pública de integridade refletia fortemente os valores que representava em seus papéis.
Morte
Gregory Peck faleceu em 12 de junho de 2003, em sua casa em Los Angeles, Califórnia, aos 87 anos, em decorrência de complicações broncopulmonares. Foi sepultado no Cemitério de Cathedral of Our Lady of the Angels. Sua morte foi amplamente noticiada, e o mundo do cinema prestou homenagens a um dos últimos grandes ícones da era clássica de Hollywood.
Prêmios e Reconhecimentos
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Oscar de Melhor Ator por O Sol É para Todos (1962)
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Oscar Honorário (1968) pela contribuição ao cinema e à arte dramática
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Globo de Ouro de Melhor Ator por O Sol É para Todos (1962) e A Profecia (1976)
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Medalha Presidencial da Liberdade (1969), uma das maiores honrarias dos EUA
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AFI Life Achievement Award (1989), prêmio pelo conjunto da carreira
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Estrela na Calçada da Fama de Hollywood
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Várias indicações ao BAFTA e homenagens em festivais internacionais
Legado
Gregory Peck é considerado um dos maiores atores da história do cinema americano. Sua atuação como Atticus Finch em O Sol É para Todos é constantemente eleita uma das mais admiráveis da sétima arte, símbolo de integridade moral e empatia.
Representou o arquétipo do homem honesto e ético — um herói realista e humano. Além disso, foi uma figura importante fora das telas, atuando como ativista político e humanitário.
Sua influência se estende por gerações: atores como Denzel Washington, George Clooney e Tom Hanks citaram Peck como referência. O próprio American Film Institute o colocou entre os 25 maiores astros do cinema de todos os tempos.
quinta-feira, 16 de outubro de 2025
...E O Vento Levou
A jovem Scarlett nutre uma paixão crônica e doentia por Ashley Wilkes. Porém o que ela não sabe é que Wilkes está de casamento marcado com a sua própria prima. Em meio a um verdadeiro redemoinho de paixões, mágoas e ressentimentos que coincidem com o início da guerra, surge o indefectível Rhett Buttler (Clark Gable), um espertalhão que diante do conflito, não toma partido para nenhum lado. Na verdade Rhett é um misto de mulherengo, cínico e mau-caráter que mantém sem muito esforço, correndo em suas veias, muito humor, além de doses generosas de testosterona.
O clássico tem cenas inesquecíveis como o grandioso incêndio que torra a cidade de Atlanta, facilitando a invasão dos Ianques do norte e levando os Confederados e escravocratas sulistas ao desespero. Destaque também para a trilha sonora de acordes celestiais assinada por Max Steiner. A música, derrete, como fogo de maçarico, os corações humanos mais duros. Mas a estrela do grande épico é a espevitada Scarlett O'Hara, papel que caiu no colo de uma inglesinha, nascida na Índia, chamada Vivian Leigh. A excepcional atriz - que doze anos mais tarde brilharia junto com Marlon Brando no clássico "Uma Rua Chamada Pecado" (1951) - disputou de forma incansável a concorrida vaga para o papel de Scarlett O'Hara com gente não menos ilustre como: Katharine Hepburn, Bette Davis e Lana Turner. A disputa foi tão acirrada que Vivien só conseguiu a vaga quando as filmagens já haviam começado. Vivien foi uma escolha pessoal do todo poderoso produtor David Selznick e brilhou intensamente na pele de uma Scarlett O' Hara histriônica e mimada.
Outro destaque fica por conta de Clark Gable, que aqui vive seu personagem mais famoso (Rhett Butler). Na verdade a primeira escolha para viver Rhett recaiu sobre Errol Flynn que era um desejo pessoal do produtor David O' Selznick. Mas diante da negativa da Warner em liberar Flynn e de um pedido pessoal de Carole Lombard - que era esposa de Gable e amiga pessoal de Selznick - Clark , finalmente foi o escolhido. Reza a lenda que Clark relutou muito em aceitar o famoso papel, já que estava com 38 anos e não queria encarnar nas telas um sujeito malandro e conquistador de uma adolescente. Outra maravilha fica por conta da fotografia em Technicolor da dupla Ernest Haller e Ray Rennahan que além de representar uma revolução para a época, hipnotizou as plateias de todo o mundo. O clássico teve treze indicações ao Oscar, mas levou "apenas" dez. Um filme realmente extraordinário.
... E O Vento Levou (Gone with the Wind, EUA, 1939) Direção: Victor Fleming / Roteiro: Sidney Howard baseado na novela de Margaret Mitchell / Elenco: Clark Gable, Vivien Leigh, Olivia de Havilland, Thomas Mitchell, George Reeves / Sinopse: As paixões, lutas e glórias de uma família americana durante os terríveis anos da Guerra Civil.
Telmo Vilela Jr.
quarta-feira, 15 de outubro de 2025
Vivien Leigh - Biografia
Biografia
Vivien Leigh nasceu em 5 de novembro de 1913, em Darjeeling, na Índia Britânica, com o nome de Vivian Mary Hartley. Filha de pais ingleses, passou parte da infância entre a Índia e a Europa, estudando em internatos na Inglaterra e na França. Desde jovem demonstrou grande interesse pelas artes cênicas e decidiu seguir a carreira de atriz após estudar na Royal Academy of Dramatic Art (RADA), em Londres. Sua beleza delicada e talento dramático logo a destacaram nos palcos britânicos.
Estréia no cinema – Primeiros filmes
Vivien estreou no cinema em The Village Squire (1935), um pequeno papel. No mesmo ano, casou-se com o advogado Herbert Leigh Holman e adotou seu sobrenome artístico. Sua primeira atuação de destaque foi em Fire Over England (1937), onde contracenou com Laurence Olivier, com quem viveria um célebre romance.
Auge e sucesso em Hollywood
O auge de Vivien Leigh chegou em 1939, quando venceu uma disputa acirrada e foi escolhida para interpretar Scarlett O’Hara em ...E o Vento Levou (Gone with the Wind). Sua atuação tornou-se lendária e lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz, consagrando-a mundialmente.
Nos anos 1940 e 1950, alternou trabalhos entre Hollywood e o teatro britânico, frequentemente ao lado de Laurence Olivier. Em 1951, brilhou novamente em Uma Rua Chamada Pecado (A Streetcar Named Desire), pelo qual ganhou seu segundo Oscar de Melhor Atriz, consolidando-se como uma das maiores atrizes de sua geração.
Principais filmes da carreira
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...E o Vento Levou (Gone with the Wind, 1939)
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Uma Rua Chamada Pecado (A Streetcar Named Desire, 1951)
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Fogo sobre a Inglaterra (Fire Over England, 1937)
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Tempestades d’Alma (Waterloo Bridge, 1940)
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César e Cleópatra (Caesar and Cleopatra, 1945)
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Anna Karenina (Anna Karenina, 1948)
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O Caminho das Estrelas (Ship of Fools, 1965)
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O Fim de uma Aventura (That Hamilton Woman, 1941)
Últimos filmes
Nos anos 1960, apesar de sua saúde debilitada, Vivien continuou atuando. Seu último filme foi O Caminho das Estrelas (Ship of Fools, 1965), que lhe trouxe elogios da crítica e demonstrou que seu talento permanecia intacto.
Filmes de grande sucesso estrelados por Vivien Leigh
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...E o Vento Levou (Gone with the Wind, 1939)
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Uma Rua Chamada Pecado (A Streetcar Named Desire, 1951)
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Tempestades d’Alma (Waterloo Bridge, 1940)
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O Fim de uma Aventura (That Hamilton Woman, 1941)
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César e Cleópatra (Caesar and Cleopatra, 1945)
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Anna Karenina (Anna Karenina, 1948)
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O Caminho das Estrelas (Ship of Fools, 1965)
Vida Pessoal
Vivien Leigh teve uma vida pessoal marcada por paixões intensas e problemas de saúde. Casou-se pela primeira vez em 1932 com Herbert Leigh Holman, com quem teve uma filha, Suzanne. Durante as filmagens de Fire Over England (1937), apaixonou-se por Laurence Olivier, com quem viveu um romance público e turbulento, casando-se em 1940.
Vivien sofria de transtorno bipolar (à época chamado de “instabilidade nervosa”), o que afetou profundamente sua vida pessoal e profissional. Sua saúde física também se deteriorou por causa de repetidos episódios de tuberculose. Após o divórcio de Olivier, manteve um relacionamento com o ator Jack Merivale, que a acompanhou até o fim da vida.
Morte
Vivien Leigh faleceu em 8 de julho de 1967, aos 53 anos, em Londres, devido a complicações de uma tuberculose crônica. Sua morte causou grande comoção no mundo do teatro e do cinema. No dia seguinte, os teatros do West End londrino apagaram suas luzes em sua homenagem.
Prêmios e Reconhecimentos
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Oscar de Melhor Atriz por ...E o Vento Levou (1939)
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Oscar de Melhor Atriz por Uma Rua Chamada Pecado (1951)
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BAFTA de Melhor Atriz Britânica por Uma Rua Chamada Pecado (1952)
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Prêmio Tony por sua atuação teatral em Tovarich (1963)
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Nomeada uma das maiores estrelas do cinema clássico pelo American Film Institute (AFI)
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Estrela na Calçada da Fama de Hollywood
Legado
Vivien Leigh é considerada uma das maiores atrizes da história do cinema e do teatro. Sua capacidade de expressar vulnerabilidade e força simultaneamente marcou uma geração. Sua interpretação como Scarlett O’Hara continua sendo uma das mais icônicas do cinema mundial.
Leigh também é lembrada como símbolo de elegância, talento e tragédia — uma artista brilhante cuja vida foi marcada por intensas batalhas pessoais. Sua carreira influenciou atrizes posteriores como Elizabeth Taylor, Meryl Streep e Cate Blanchett. Mesmo décadas após sua morte, seu nome permanece sinônimo de arte, beleza e intensidade dramática.
terça-feira, 14 de outubro de 2025
As Aventuras de Robin Hood
segunda-feira, 13 de outubro de 2025
Errol Flynn - Biografia
Biografia
Errol Leslie Thomson Flynn nasceu em 20 de junho de 1909, em Hobart, Tasmânia, Austrália. Filho de um professor universitário e de uma mãe com espírito aventureiro, cresceu entre o mar e a natureza, desenvolvendo um gosto precoce pela aventura e pelo risco. Antes de se tornar ator, teve uma vida agitada: foi marinheiro, boxeador amador e até caçador de pérolas. Essa vivência aventureira acabaria moldando sua imagem cinematográfica.
Estréia no cinema – Primeiros filmes
Flynn começou sua carreira no cinema de maneira quase acidental. Após atuar em peças de teatro na Inglaterra, foi descoberto pela Warner Bros., que o levou para Hollywood em 1934. Seu primeiro grande papel foi em O Capitão Blood (Captain Blood, 1935), ao lado de Olivia de Havilland. O filme foi um enorme sucesso e transformou Flynn em astro instantâneo.
Auge e sucesso em Hollywood
Entre meados da década de 1930 e o início dos anos 1940, Errol Flynn se tornou o símbolo máximo do herói romântico e do aventureiro galante. Com sua beleza, carisma e talento para cenas de ação, foi o grande astro dos filmes de capa e espada. Tornou-se um dos nomes mais populares do estúdio Warner Bros., especialmente em parceria com Olivia de Havilland, com quem formou um dos casais mais icônicos do cinema clássico.
Principais filmes da carreira
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O Capitão Blood (Captain Blood, 1935)
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As Aventuras de Robin Hood (The Adventures of Robin Hood, 1938)
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Cargas do Destino (They Died with Their Boots On, 1941)
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A Estrada de Santa Fé (Santa Fe Trail, 1940)
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A Carga da Brigada Ligeira (The Charge of the Light Brigade, 1936)
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O Gavião do Mar (The Sea Hawk, 1940)
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Intriga Internacional (Edge of Darkness, 1943)
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O Príncipe e o Pirata (Against All Flags, 1952)
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O Sol Também se Levanta (The Sun Also Rises, 1957)
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Camaradas em Armas (Objective, Burma!, 1945)
Últimos filmes
Nos anos 1950, o brilho de Flynn começou a diminuir devido a problemas pessoais e à mudança no gosto do público. Ainda assim, participou de bons filmes, como O Sol Também se Levanta (The Sun Also Rises, 1957) e Um Retrato de Genevieve (The Roots of Heaven, 1958). Seu último trabalho foi em Cuban Rebel Girls (1959), no qual também narrou a história.
Filmes de grande sucesso estrelados por Errol Flynn
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O Capitão Blood (Captain Blood, 1935)
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A Carga da Brigada Ligeira (The Charge of the Light Brigade, 1936)
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As Aventuras de Robin Hood (The Adventures of Robin Hood, 1938)
-
O Gavião do Mar (The Sea Hawk, 1940)
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A Estrada de Santa Fé (Santa Fe Trail, 1940)
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Camaradas em Armas (Objective, Burma!, 1945)
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Cargas do Destino (They Died with Their Boots On, 1941)
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O Sol Também se Levanta (The Sun Also Rises, 1957)
Vida Pessoal
Errol Flynn viveu de forma intensa e controversa. Casou-se três vezes: com a atriz Lili Damita (com quem teve um filho, Sean Flynn), com Nora Eddington e depois com Patrice Wymore, sua companheira até o fim da vida. Era conhecido por seu estilo de vida extravagante, repleto de festas, romances e escândalos. Em 1942, foi julgado por estupro, mas acabou absolvido — episódio que marcou profundamente sua imagem pública. Fora das telas, era amante da navegação, da literatura e das viagens, mas também teve problemas sérios com álcool e drogas.
Morte do ator
Errol Flynn faleceu em 14 de outubro de 1959, em Vancouver, Canadá, aos 50 anos, vítima de um ataque cardíaco causado por complicações de uma cirrose hepática e problemas cardíacos. Sua morte precoce encerrou uma vida marcada por glória, excessos e lendas.
Prêmios e Reconhecimentos
Apesar de nunca ter sido indicado ao Oscar, Flynn foi amplamente reconhecido por seu carisma e importância cultural:
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Recebeu homenagens póstumas em diversos festivais de cinema.
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Em 1960, ganhou uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood (na categoria Cinema).
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Em 1985, a revista American Film Institute o incluiu entre os maiores ícones do cinema de aventura.
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É constantemente lembrado em listas de “maiores astros da Era de Ouro de Hollywood”.
Legado
Errol Flynn permanece como o maior símbolo do herói aventureiro do cinema clássico. Sua interpretação em As Aventuras de Robin Hood é considerada definitiva e influenciou inúmeros atores e produções posteriores. Representava o ideal romântico do galã destemido, espirituoso e elegante.
Mesmo décadas após sua morte, seu nome é sinônimo de charme, bravura e rebeldia — um verdadeiro mito da tela grande. O próprio termo “swashbuckler” (herói de capa e espada) ficou indissociável de sua figura.
domingo, 12 de outubro de 2025
Os Desaparecidos
sábado, 11 de outubro de 2025
Bette Davis
🎬 Bette Davis – Biografia Completa
1. História e Início de Carreira
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Nome completo: Ruth Elizabeth Davis
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Nascimento: 5 de abril de 1908, em Lowell, Massachusetts, EUA
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Falecimento: 6 de outubro de 1989, em Neuilly-sur-Seine, França
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Profissão: Atriz, produtora e ícone do cinema clássico
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Atuação: 1929–1989
Bette Davis começou no teatro antes de migrar para o cinema no final da década de 1920. Destacou-se por interpretar personagens femininas fortes, complexas e muitas vezes antipáticas — o que a diferenciava das estrelas glamorosas de Hollywood de sua época.
Foi uma das primeiras atrizes a lutar por liberdade artística em seu contrato com os estúdios, tornando-se símbolo da independência feminina no cinema.
2. Vida Pessoal
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Casou-se quatro vezes:
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Harmon Nelson (1932–1938) – seu primeiro marido, músico.
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Arthur Farnsworth (1940–1943) – morreu em um acidente doméstico.
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William Grant Sherry (1945–1950) – tiveram uma filha, B.D. Hyman.
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Gary Merrill (1950–1960) – adotaram dois filhos.
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Teve uma relação conturbada com a filha B.D. Hyman, que mais tarde publicou um livro criticando a mãe (My Mother’s Keeper, 1985).
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Era conhecida pelo temperamento forte, perfeccionismo e exigência com diretores e colegas.
3. Principais Filmes
| Ano | Título Original | Título no Brasil | Destaque |
|---|---|---|---|
| 1934 | Of Human Bondage | Cativeiro do Desejo | Primeira grande atuação dramática. |
| 1935 | Dangerous | Perigosa | Ganhou seu 1º Oscar de Melhor Atriz. |
| 1938 | Jezebel | Jezebel | 2º Oscar de Melhor Atriz. |
| 1940 | The Letter | A Carta | Um de seus papéis mais intensos. |
| 1941 | The Little Foxes | Pérfida | Clássico com interpretação magistral. |
| 1950 | All About Eve | A Malvada | Um dos maiores filmes de todos os tempos; indicada ao Oscar. |
| 1962 | What Ever Happened to Baby Jane? | O Que Terá Acontecido a Baby Jane? | Papel icônico; rivalidade com Joan Crawford. |
| 1978 | Death on the Nile | Morte no Nilo | Sucesso no cinema britânico. |
| 1987 | The Whales of August | As Baleias de Agosto | Último grande papel. |
🟡 Total: mais de 100 filmes ao longo de 60 anos de carreira.
🟡 Indicações ao Oscar: 10 vezes (ganhou 2).
🟡 Prêmio honorário da Academia: 1977, pelo conjunto da obra.
4. Cronologia – Linha do Tempo
| Ano | Evento |
|---|---|
| 1908 | Nasce em Lowell, Massachusetts. |
| 1926–1929 | Início da carreira teatral em Nova York. |
| 1930 | Assina contrato com a Warner Bros. e estreia no cinema. |
| 1934 | Fica famosa com Of Human Bondage. |
| 1935 | Vence o primeiro Oscar por Dangerous. |
| 1936 | Entra em conflito com a Warner e processa o estúdio — perde, mas conquista mais liberdade criativa. |
| 1938 | Ganha o segundo Oscar por Jezebel. |
| 1940s | Torna-se uma das atrizes mais bem pagas de Hollywood. |
| 1950 | Reaparece em grande estilo com All About Eve. |
| 1962 | Protagoniza What Ever Happened to Baby Jane?, grande sucesso de crítica e bilheteria. |
| 1977 | Recebe o Oscar Honorário pelo conjunto da carreira. |
| 1983 | Sofre um AVC e passa por uma mastectomia devido a câncer de mama. |
| 1987 | Retorna ao cinema em The Whales of August. |
| 1989 | Falece em Neuilly-sur-Seine, França, aos 81 anos. |
5. Morte
Bette Davis morreu em 6 de outubro de 1989, em decorrência de câncer de mama e complicações após um AVC. Ela estava em Paris para participar de um festival de cinema e foi sepultada no Forest Lawn Memorial Park, em Los Angeles.
Sua lápide traz uma frase famosa que reflete sua personalidade forte:
“She did it the hard way.” (Ela fez do jeito mais difícil.)
6. Legado e Importância Histórica
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Atriz símbolo da força feminina no cinema: interpretou personagens complexas, determinadas e sem medo de desafiar padrões.
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Pioneira: primeira mulher a presidir a Academy of Motion Picture Arts and Sciences (a Academia do Oscar).
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Independente: lutou contra o sistema dos estúdios, abrindo espaço para que artistas tivessem mais controle sobre suas carreiras.
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Ícone cultural: sua imagem (especialmente o olhar intenso) inspirou canções, como Bette Davis Eyes (Kim Carnes, 1981), vencedora do Grammy.
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🎬 Influência duradoura: inspira atrizes até hoje, como Meryl Streep, Glenn Close e Jessica Chastain.
domingo, 5 de outubro de 2025
O Filho do Sheik
Título Original: The Son of the Sheik
Ano de Produção: 1926
País: Estados Unidos
Estúdio: Feature Productions
Direção: George Fitzmaurice
Roteiro: Edith Maude Hull, Frances Marion
Elenco: Rudolph Valentino, Vilma Bánky, George Fawcett
Sinopse:
O filho do poderoso sheik se apaixona por uma dançarina muito sensual e bela. Seu romance porém não será um mar de rosas pois contraria os interesses de várias pessoas, inclusive de parentes e pessoas influentes de dentro de sua própria família. Nada disso abalará seu coração pois Ahmed (Rodolfo Valentino) está decidido a lutar pelo grande amor de sua vida.
Comentários:
Rudolph Valentino, ou como é conhecido no Brasil, Rodolfo Valentino, foi um dos primeiros grandes ídolos do cinema americano. Seu estilo exótico, fruto de sua nacionalidade italiana, fazia com que as mulheres americanas das décadas de 1910 e 1920 suspirassem sempre que ele aparecia na tela. Era a época do cinema mudo, onde os atores e atrizes usavam forte maquiagem (para que suas expressões faciais fossem captadas pelas primitivas câmeras cinematográficas). Valentino virou um ícone porque teve uma vida trágica, morreu muito jovem, causando comoção mundial. Seu enterro foi um dos maiores da época e ninguém conseguia entender como aquele galã tão pintoso e bonito havia morrido daquele jeito. Sua morte prematura, ainda nesse ano, o elevaria à categoria de ídolo imortal da sétima arte. Esse filme aqui foi seu último, uma tentativa de repetir o sucesso de seu grande êxito de bilheteria, "O Sheik" de 1921. Para o público de hoje tudo obviamente vai soar bem estranho. Os filmes do cinema mudo eram extremos, as tramas sempre exageradas e geralmente com momentos trágicos que hoje em dia vão soar quase risíveis. De qualquer maneira é o tipo de película que deve ser conhecida, nem que seja para ver Valentino em cena, afinal de contas ele foi o primeiro grande mito da nascente indústria cinematográfica dos Estados Unidos. E isso há cem anos, imagine você! Seu nome sempre será lembrado na história do cinema.
Pablo Aluísio.
sábado, 4 de outubro de 2025
Rodolfo Valentino
sexta-feira, 3 de outubro de 2025
Rodolfo Valentino - Parte II
Biografia
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Nasceu com o nome Rodolfo Alfonso Raffaello Piero Filiberto Guglielmi di Valentina d’Antonguolla em 6 de maio de 1895, em Castellaneta, na região da Apúlia, Itália. (Wikipédia)
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Sua mãe era Francesa (Marie Berthe Gabrielle Barbin) e o pai, Giovanni Antonio Giuseppe Fidele Guglielmi, veterinário, faleceu relativamente cedo, vítima de malária. (Wikipédia)
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Emigrou para os Estados Unidos quando jovem (por volta de 1913). Nos primeiros anos trabalhou em diversos ofícios — jardineiro, lavador de pratos, dançarino de salão, figurante — até conseguir papéis maiores no cinema mudo em Hollywood. (Brasil Escola)
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Seu estilo físico (beleza, porte, olhar marcado) e seu magnetismo pessoal ajudaram muito na construção de sua imagem de galã, “amante latino” no cinema, numa época em que o cinema era mudo, exigindo muito do expressivo visual e corporal. (Educação UOL)
Principais Filmes
Alguns dos filmes mais importantes na carreira de Valentino, que ajudaram a solidificar sua fama:
| Filme | Ano | Importância / Destaques |
|---|---|---|
| The Four Horsemen of the Apocalypse (“Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse”) – 1921 | 1921 | Foi um dos filmes que lhe deram projeção como estrela; uma cena de tango nesse filme ficou bastante famosa. (Brasil Escola) |
| The Sheik (“O Sheik”) | 1921 | Talvez seu papel mais emblemático, reforçou sua imagem de amante romântico – tornou-se parte do estereótipo com o qual Valentino será sempre associado. (Brasil Escola) |
| Blood and Sand (“Sangue e Areia”) | 1922 | Outro grande sucesso, reforçando sua capacidade dramática e seu apelo popular. (Educação UOL) |
| The Eagle (“A Águia”) | 1925 | Valentino produziu este filme, mostra algo do controle que já exercia em sua carreira e sua vontade de papéis com mais substância. (Educação UOL) |
| The Son of the Sheik (“O Filho do Sheik”) | 1926 | Último filme de Valentino; lançado depois de sua morte. Também importante por repetir o sucesso do primeiro Sheik. (Wikipedia) |
A Morte: Detalhes e Repercussão
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Valentino faleceu em 23 de agosto de 1926, em Nova Iorque, com apenas 31 anos. (Brasil Escola)
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Causa: complicações relacionadas a uma úlcera gástrica que teria se perfurado, resultando em peritonite, juntamente com inflamação do apêndice. Houve cirurgia, mas não se recuperou. (Wikipedia)
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Repercussão imediata: sua morte causou grande comoção. Fãs ficaram em estado de choque; houve histeria em massa. Multidões acompanharam o velório, o funeral. Algumas fontes falam de suicídios de admiradores. (Opera Mundi)
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Estima-se que mais de 100 mil pessoas seguiram o caixão pelas ruas durante o funeral. (Opera Mundi)
Legado
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Valentino foi um dos primeiros sex symbols do cinema — talvez o primeiro grande ícone masculino desse tipo no cinema americano e mundial. Sua imagem moldou expectativas de beleza masculina, romantismo e sedução. (Educação UOL)
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Ele ajudou a criar e popularizar o estereótipo do “Latin Lover” em Hollywood — o homem sensual, exótico, misterioso, diferente do típico galã norte-americano. (Educação UOL)
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Também foi importante como modelo de astro cinematográfico cuja fama extrapolava os filmes: moda, admiradores, cultura pop emergente, cobertura da imprensa, fenômenos de fã-clubes. (Wikipédia)
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Seus filmes continuam sendo estudados como marcos do cinema mudo, tanto pela estética quanto pelo modo como construíram uma mitologia em torno da celebridade. (historiasdecinema.com)
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Seu falecimento precoce contribuiu para mitificar sua figura: a morte jovem, inesperada, o faz parte da memória como alguém que morreu no auge, algo que alimenta fascínio e lenda. (Opera Mundi)
quinta-feira, 2 de outubro de 2025
Rodolfo Valentino - Parte III
Cronologia da Vida e Trajetória
Infância e juventude (1895 – início 1910)
Nasceu em 6 de maio de 1895 em Castellaneta, região da Apúlia, no sul da Itália, com o nome completo Rodolfo Alfonso Raffaello Pierre Filibert Guglielmi di Valentina d’Antonguolla. (Wikipedia)
Seu pai, Giovanni, era veterinário e morreu de malária quando Rodolfo tinha cerca de 11 anos. (Encyclopedia Britannica)
Sua mãe, Marie Berthe Barbin (de origem francesa), exerceu grande influência em sua criação. (Wikipédia)
Na juventude, teve dificuldades escolares; chegou a estudar ciências agrícolas. (Encyclopedia Britannica)
Em 1912, teria passado um período em Paris, mas voltou à Itália e, em 1913, emigrou para os Estados Unidos, instalando-se em Nova York. (Encyclopedia Britannica)
Primeiros anos nos EUA (1913 – ~1917)
Chegou a trabalhar como jardineiro e como lavador de pratos para sobreviver nos Estados Unidos. (Encyclopedia Britannica)
Também trabalhou como taxi dancer — isto é, dançarino de salão contratado para dançar com mulheres nos clubes por uma quantia paga por minuto ou por dança. (Encyclopedia Britannica)
Envolveu-se num episódio polêmico: testemunhou em um processo de divórcio de Blanca de Saulles contra seu marido John de Saulles, acusando-o de adultério, o que gerou reações adversas posteriores. (Encyclopedia Britannica)
Por causa desse episódio (e sua repercussão), ele se viu em apuros com autoridades, inclusive preso sob acusações ligadas a “vice” (imorais, culpabilidade social), embora as acusações tenham sido retiradas posteriormente. (Encyclopedia Britannica)
Em 1917, buscando recomeçar, ele se mudou para a Califórnia (Hollywood) para tentar a carreira cinematográfica. (Encyclopedia Britannica)
Ascensão no cinema mudo (1918 – início dos anos 1920)
Em Hollywood, usou o nome artístico Rudolph Valentino (uma versão “americanizada” de seu nome). (Wikipedia)
Inicialmente participou de papéis secundários, vilões, cenas menores — ainda não era estrela. (Encyclopedia Britannica)
Uma pessoa-chave em sua trajetória foi June Mathis, roteirista e figura influente em Hollywood. Ela apostou em Valentino para The Four Horsemen of the Apocalypse (1921), para o papel de Julio, um dos papéis decisivos que lançaram sua fama. (Encyclopedia Britannica)
Em The Four Horsemen of the Apocalypse, há uma famosa cena de tango que acentuou seu apelo romântico e exótico para o público. (Encyclopedia Britannica)
Ainda em 1921, estreou outro grande sucesso: The Sheik, em que interpreta um sheik árabe apaixonado por uma mulher ocidental — um papel que logo se associou à sua identidade artística. (Encyclopedia Britannica)
Em meados dos anos 1920, Valentino já era visto como um astro, ídolo entre o público feminino e alvo de críticas e polêmicas devido à sua imagem e estilo que fugia ao padrão rígido de masculinidade da época. (Encyclopedia Britannica)
Vida pessoal, casamentos e escândalos
Em 1919, casou-se com a atriz Jean Acker. Esse casamento teve contornos dramáticos: na noite de núpcias, Acker trancou-se no quarto, impedindo Valentino de entrar. O casamento nunca foi consumado de fato. (Wikipédia)
O casamento com Acker foi ultrapassado no papel legalmente só em 1921, quando finalmente se divorciaram. (Encyclopedia Britannica)
Posteriormente conheceu Natacha Rambova (nome de nascimento Winifred Shaughnessy), que trabalhava como figurinista e tinha ligações com o meio artístico de Hollywood. (Wikipédia)
Em 13 de maio de 1922, Valentino e Natacha se casaram no México — mas esse casamento teve controvérsias de bigamia porque seu divórcio de Jean Acker não havia sido oficialmente finalizado conforme exigências legais. (Wikipédia)
Devido às pressões legais, o casamento foi anulado, mas eles se casaram novamente em 1923. (Encyclopedia Britannica)
A relação entre Valentino e Rambova foi turbulenta. Ela era ambiciosa, controladora em termos de imagem, interferia em decisões artísticas e era bastante influente. Com o tempo, surgiram conflitos entre eles, inclusive com estúdios que não a permitiam participar das filmagens. (Encyclopedia Britannica)
O casamento com Rambova terminou em divórcio por volta de 1925. (Wikipédia)
Nos anos finais de sua vida, Valentino manteve relacionamentos com várias celebridades da época, como Pola Negri e outros nomes do meio artístico. (Encyclopedia Britannica)
Filmes e trajetória artística
Valentino fez muitos filmes durante sua carreira curta. Sua filmografia oficial reúne dezenas de títulos, dos quais alguns se tornaram clássicos do cinema mudo. (Wikipedia)
Destacam-se: The Four Horsemen of the Apocalypse (1921), The Sheik (1921), Blood and Sand (1922), The Eagle (1925), The Son of the Sheik (1926). (Wikipedia)
Alguns dos filmes menos lembrados, mas que fazem parte de sua produção: Monsieur Beaucaire (1924), A Sainted Devil, The Young Rajah, entre outros. (Encyclopedia Britannica)
Em The Son of the Sheik (lançado em 1926), Valentino reprisa o papel ligado ao universo do “Sheik” — esse foi seu último filme, lançado após sua morte. (Encyclopedia Britannica)
Doença, morte e despedida (1926)
Na segunda quinzena de agosto de 1926, Valentino adoeceu gravemente. Ele sofreu uma perfuração de úlcera estomacal, que evoluiu para peritonite. (IMDb)
Foi submetido a cirurgia, mas a infecção se alastrou. Ele faleceu em 23 de agosto de 1926, em Nova Iorque, aos 31 anos. (Encyclopedia Britannica)
Um dos registros diz que ele desmaiou no hotel em que estava, no dia 15 de agosto, já com dores intensas. (IMDb)
Sua morte causou comoção generalizada. Centenas de milhares de fãs foram às ruas para acompanhar o funeral, houve relatos de mulheres desmaiando, suicídios tentados, reações emotivas extremas. (Encyclopedia Britannica)
No funeral, estima-se que cerca de 80 mil pessoas acompanharam o cortejo em Nova Iorque. (IMDb)
O corpo foi levado em trem funerário até Los Angeles, e houve uma nova celebração de despedida lá. (IMDb)
quarta-feira, 1 de outubro de 2025
Filmografia de Charles Chaplin - Parte 1
segunda-feira, 29 de setembro de 2025
O Homem que Sabia Demais
A história é até interessante, quando um casal de turistas no Marrocos (Norte da África) se envolve em uma trama de intriga internacional que nem eles sabem direito como surgiu ou quem estaria por trás de tudo. James Stewart segura bem as pontas. Ele foi um ator recorrente em clássicos do diretor, em especial "Um Corpo que Cai" e "Janela Indiscreta", mas aqui, em um roteiro mais convencional e dentro dos padrões moralistas da época, não se destaca tanto. No final das contas as lembranças que ficam desse filme é exatamente da cantoria de Doris Day. O que para um filme que deveria ser de suspense, não é lá grande coisa. Tudo muito pueril para um filme que deveria causar medo e apreensão no espectador.
O Homem que Sabia Demais (The Man Who Knew Too Much, Estados Unidos, 1954) Direção: Alfred Hitchcock / Roteiro: John Michael Hayes / Elenco: James Stewart, Doris Day, Brenda de Banzie / Sinopse: Casal de turistas dos Estados Unidos é atacado em suas férias no Marrocos. E sem nem entender direito as razões, se envolve em uma intriga internacional envolvendo países inimigos, em plena guerra fria.
Pablo Aluísio.
segunda-feira, 22 de setembro de 2025
O Invencível
Para muitos especialistas na biografia de Kirk Douglas esse foi um dos filmes definitivos de sua carreira, pois o alçou para o estrelado. Não é para menos pois Kirk está completamente à vontade no papel do inescrupuloso Midge, uma pessoa que fica embriagada com seu próprio êxito nos ringues. O filme tem um clima noir dos mais marcantes, com belo uso da fotografia preto e branco, obviamente inspirado no cinema alemão da época. As cenas de lutas são extremamente bem editadas, o que valeu o Oscar de melhor montagem para o filme naquele ano. Até porque uma luta de boxe no cinema exigia emoção e nada melhor do que uma boa edição para realçar ainda mais esse aspecto.
A atriz Marilyn Maxwell (grande amiga pessoal de outro astro da época, Rock Hudson) está perfeita no papel de Grace. Curiosamente o filme teria problemas anos depois no auge da chamada "Caça às Bruxas" pois o roteiro foi considerado o símbolo perfeito do sentimento subversivo que havia sido acusado o cinema americano daqueles anos. O roteirista Carl Foreman acabou sendo acusado de ser comunista e entrou para a lista negra. Bobagem paranoica, tipicamente da mentalidade débil mental do Macarthismo. Deixe tudo isso de lado, "O Invencível" é um perfeito retrato das mudanças de um homem que não conseguiu mais separar seu sucesso profissional de sua vida pessoal. Não se trata de uma ode à ideologia socialista. Assim fica a recomendação para os fãs do cinema noir da década de 1940, pois "Champion" é sem dúvida uma grande obra cinematográfica daquele período histórico do cinema americano.
O Invencível (Champion, Estados Unidos, 1949) Direção: Mark Robson / Roteiro: Carl Foreman, Ring Lardner / Elenco: Kirk Douglas, Marilyn Maxwell, Arthur Kennedy / Sinopse: Boxeador (Douglas) começa a colecionar vitórias nos ringues ao mesmo tempo em que começa a esquecer todos aqueles que o ajudaram a subir na carreira. O destino porém lhe reservará uma grande lição de vida. Filme vencedor do Oscar nas categorias de melhor edição (Harry Gerstad). Também indicado nas categorias de melhor ator (Kirk Douglas), melhor ator coadjuvante (Arthur Kennedy), melhor roteiro (Carl Foreman), melhor direção de fotografia em preto e branco (Franz Planer) e melhor música (Dimitri Tiomkin). Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria de melhor direção de fotografia em preto e branco (Franz Planer).
Pablo Aluísio.
segunda-feira, 15 de setembro de 2025
As Cartas de Grace Kelly - Parte 2
Grace Kelly nasceu em uma família tradicional da Pennsylvania. Seus antepassados eram alemães que foram para os Estados Unidos em busca de oportunidades e se deram muito bem, se tornando profissionais bem sucedidos. A mãe de Grace era uma mulher muito elegante, fina e sofisticada que falava várias línguas. Ela era disciplinada, estudiosa, desportista e se formou em uma prestigiada universidade. Algum tempo depois se tornou professora nessa mesma instituição. O pai de Grace também era um homem bem sucedido no ramo de negócios. Toda a sua família era extremamente bem estruturada.
Grace era a filha do meio. Ela tinha duas irmãs mais velhas e um irmão mais jovem, o caçula. Por ser a irmã do meio ela não sofreu todas as pressões que as garotas mais velhas sofreram, mas tampouco foi tão mimada quanto o caçula da família. A mãe de Grace desejava que ela fosse para uma prestigiada universidade para estudar medicina. Para isso a matriculou em uma excelente escola católica dirigida por freiras onde apenas moças da alta sociedade estudavam. O ensino era realmente maravilhoso e assim Grace Kelly teve uma educação primorosa.
A mãe de Grace queria que sua família tivesse uma educação prussiana, tal como ela havia sido criada em sua infância e juventude. Isso significa disciplina, boa educação e bons modos. A família Kelly assim era uma das mais requintadas da Philadelphia, muito bem conceituada dentro daquela sociedade. Todos as irmãs de Grace se tornaram pessoas influentes, bem sucedidas. O futuro parecia traçado por sua mãe, mas ela esqueceu de perguntar para Grace o que a filha queria fazer de sua vida. E Grace queria ser atriz, desde sua adolescência. Ela não queria ser uma médica, para passar o resto de sua vida em um hospital. Ela nem gostava de ambientes hospitalares!
O curioso é que havia artistas na tradicionalíssima família Kelly. A tia de Grace tinha tentando se tornar atriz em sua juventude. Ela até começou a dar certo em sua carreira, mas a pressão familiar falou mais alto e ela acabou largando seus sonhos. Largou a profissão de atriz, que era mal vista dentro do clã, e se casou com um rico homem de negócios. Acabou a vida frustrada, afundando as mágoas na bebida. Sobre ela Grace relembraria: "Pobre titia... Tão talentosa, mas havia nascido na época errada! Havia tanto preconceito contra artistas naqueles tempos!". A maior influência na vida de Grace porém vinha de um tio chamado Georgie. Ele não apenas sonhou em ser ator como se tornou um ótimo profissional de teatro e cinema, mesmo com todas as críticas e as constantes desaprovações dos demais familiares. Era considerado a ovelha negra da família Kelly, um sujeito com fama de ser uma pessoa exótica, sonhadora... Praticamente tudo o que Grace sonhava secretamente se tornar no futuro.
Pablo Aluísio.






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