Marlon Brando (1954 - 1956)

Marlon Brando (1954 - 1956)

Aqui está três reviews de filmes de Marlon Brando lançados entre os anos de 1954 e 1956. Após um começo de carreira brilhante em Hollywood, no ano de 1950, Brando começou a enfrentar certos problemas com os produtores dos grandes estúdios. Além disso sua conturbada vida pessoal começou a chamar mais atenção da imprensa que seus próprios filmes. De qualquer maneira aqui estão três filmes lançados nessa fase da carreira de Marlon Brando. 

Desirée – O Amor de Napoleão 

O filme Desirée – O Amor de Napoleão (Désirée) foi lançado em 4 de novembro de 1954, dirigido por Henry Koster e estrelado por Marlon Brando, Jean Simmons, Merle Oberon, Michael Rennie, Cameron Mitchell e Elizabeth Sellars. Baseado no romance histórico Désirée, de Annemarie Selinko, o filme acompanha a vida de Désirée Clary, jovem francesa que vive um intenso romance com o então desconhecido oficial de artilharia Napoleon Bonaparte. Quando Napoleão decide romper o relacionamento para se casar com Joséphine de Beauharnais, visando fortalecer sua posição política, Désirée segue um caminho diferente. Anos depois, ela se casa com o marechal Jean-Baptiste Bernadotte, que viria a tornar-se rei da Suécia. Mesmo separados, os destinos de Désirée e Napoleão continuam ligados pelos grandes acontecimentos que transformaram a Europa no início do século XIX. O filme mistura romance, drama histórico e intrigas políticas, tendo como pano de fundo as Guerras Napoleônicas e a ascensão e queda do imperador francês.

Quando foi lançado, Desirée recebeu uma recepção crítica majoritariamente positiva. O The New York Times elogiou a produção por sua elegância visual e destacou que Marlon Brando oferecia “um Napoleão surpreendentemente humano e contido”. O Los Angeles Times ressaltou a química entre Brando e Jean Simmons, além da qualidade dos figurinos e da direção de arte. A revista Variety classificou o filme como “um romance histórico refinado e produzido com grande esmero”, observando que a Fox havia realizado uma produção de alto nível. Muitos críticos elogiaram Jean Simmons por interpretar Désirée com sensibilidade e inteligência, transformando-a na verdadeira força dramática da narrativa. Alguns especialistas, entretanto, observaram que Brando adotava um estilo de interpretação muito moderno para um personagem histórico do início do século XIX, o que dividiu opiniões. Ainda assim, a produção foi amplamente reconhecida como um drama histórico de qualidade. A recepção geral foi claramente favorável.

O reconhecimento artístico refletiu-se nas premiações. Desirée recebeu duas indicações ao Oscar, nas categorias de Melhor Direção de Arte em Cores e Melhor Figurino em Cores, sendo elogiado pela reconstituição da França napoleônica e dos palácios europeus. Embora não tenha conquistado estatuetas, o filme foi considerado uma das produções históricas mais elegantes de 1954. Publicações como The New Yorker destacaram o cuidado da direção de Henry Koster em privilegiar o desenvolvimento emocional dos personagens em vez de transformar a história em um simples espetáculo militar. Ao longo das décadas, diversos historiadores observaram que o filme toma algumas liberdades em relação aos fatos históricos, especialmente na dramatização do relacionamento entre Désirée e Napoleão. Ainda assim, a obra permaneceu respeitada como uma adaptação cinematográfica competente do romance de Annemarie Selinko. Sua reputação crítica manteve-se estável ao longo do tempo.

Do ponto de vista comercial, Desirée foi um sucesso expressivo para a 20th Century Fox. Produzido com um orçamento elevado e fotografado em CinemaScope, o filme atraiu grande público interessado tanto na figura histórica de Napoleão quanto na presença de Marlon Brando, que vivia um dos momentos mais importantes de sua carreira após On the Waterfront. As bilheterias foram bastante satisfatórias nos Estados Unidos e também em diversos países europeus, onde a temática napoleônica despertava especial interesse. O público elogiou os cenários grandiosos, os figurinos luxuosos e o romance central da narrativa. Exibições posteriores na televisão ajudaram a manter viva sua popularidade durante as décadas seguintes. Assim, o filme consolidou-se como um dos dramas históricos de maior sucesso comercial dos anos 1950.

Atualmente, Desirée continua sendo considerado uma das melhores cinebiografias românticas sobre Napoleão Bonaparte. Embora produções posteriores tenham buscado retratos historicamente mais detalhados do imperador, o filme permanece admirado por sua elegância visual, pela excelente interpretação de Jean Simmons e pela curiosa composição de Marlon Brando como Napoleão. Críticos modernos destacam que o longa privilegia a dimensão humana e sentimental dos personagens históricos, diferenciando-se dos grandes épicos militares sobre o período napoleônico. A fotografia em CinemaScope, os figurinos e a direção de arte continuam sendo aspectos muito elogiados. Para admiradores de romances históricos e do cinema clássico de Hollywood, Desirée permanece uma obra sofisticada e envolvente. Mais de setenta anos após sua estreia, continua sendo uma referência importante dentro do gênero.

Desirée – O Amor de Napoleão (Désirée, Estados Unidos, 1954) Direção: Henry Koster / Roteiro: Daniel Taradash, baseado no romance Désirée, de Annemarie Selinko / Elenco: Marlon Brando, Jean Simmons, Merle Oberon, Michael Rennie, Cameron Mitchell e Elizabeth Sellars / Sinopse: A jovem Désirée Clary vive um intenso romance com Napoleão Bonaparte, mas seus caminhos se separam quando ele escolhe o poder político. Anos depois, ela torna-se rainha da Suécia, enquanto acompanha de longe a ascensão e a queda do homem que marcou sua juventude.

Eles e Elas 

O filme Eles e Elas (Guys and Dolls) foi lançado em 3 de novembro de 1955, dirigido por Joseph L. Mankiewicz e estrelado por Marlon Brando, Jean Simmons, Frank Sinatra, Vivian Blaine, Stubby Kaye e Robert Keith. Baseado no famoso musical da Broadway criado por Jo Swerling e Abe Burrows, com músicas de Frank Loesser, o filme acompanha duas histórias de amor ambientadas no vibrante universo dos apostadores de Nova York. O carismático jogador Sky Masterson aceita uma aposta para conquistar Sarah Brown, uma dedicada missionária do Exército da Salvação. Paralelamente, o veterano apostador Nathan Detroit tenta finalmente se casar com sua noiva Adelaide, depois de mantê-la esperando durante quatorze anos. Repleto de números musicais memoráveis, humor refinado e romance, o filme preserva o espírito da montagem teatral, ao mesmo tempo em que amplia sua escala cinematográfica. Assim, Eles e Elas tornou-se um dos grandes musicais produzidos por Hollywood na década de 1950.

Quando foi lançado, Eles e Elas recebeu uma recepção crítica amplamente positiva. O The New York Times descreveu o filme como “um musical exuberante, espirituoso e magnificamente produzido”, elogiando a direção elegante de Joseph L. Mankiewicz. O Los Angeles Times destacou a química entre Marlon Brando e Jean Simmons, além da energia de Frank Sinatra em suas cenas musicais. A revista Variety classificou a produção como “uma adaptação luxuosa que preserva o charme do espetáculo original”. Muitos críticos ficaram inicialmente curiosos com a escolha de Marlon Brando, conhecido principalmente por papéis dramáticos, para interpretar um protagonista de musical. No entanto, sua atuação foi considerada surpreendentemente eficiente, especialmente nas cenas românticas e nas canções. A fotografia colorida, os figurinos e a direção de arte também receberam elogios. Dessa forma, a crítica reconheceu o filme como uma das principais adaptações musicais da década.

O reconhecimento artístico também apareceu durante a temporada de premiações. Eles e Elas recebeu quatro indicações ao Oscar, incluindo Melhor Fotografia em Cores, Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino em Cores e Melhor Trilha Sonora de Musical, embora não tenha conquistado nenhuma estatueta. Também foi indicado ao Globo de Ouro de Melhor Filme – Musical ou Comédia, enquanto Jean Simmons recebeu elogios por sua interpretação de Sarah Brown. Publicações como The New Yorker destacaram a habilidade de Mankiewicz em equilibrar humor, romance e espetáculo musical. Alguns críticos lamentaram apenas que diversas canções da versão teatral tivessem sido modificadas ou substituídas para a adaptação cinematográfica. Ainda assim, o consenso foi de que o filme preservava a essência da obra da Broadway. Ao longo das décadas, a reputação crítica permaneceu bastante elevada.

Do ponto de vista comercial, Eles e Elas foi um sucesso expressivo. Produzido pela Metro-Goldwyn-Mayer com um orçamento elevado para a época, o filme arrecadou cerca de US$ 13 milhões nas bilheterias mundiais, tornando-se um dos musicais de maior sucesso de 1955. A reunião de duas das maiores estrelas de Hollywood — Marlon Brando e Frank Sinatra — despertou enorme interesse do público. Os números musicais, especialmente "Luck Be a Lady" e "Sit Down, You're Rockin' the Boat", conquistaram grande popularidade. O longa também teve excelente desempenho internacional e permaneceu em cartaz durante muitos meses. Exibições posteriores na televisão e lançamentos em vídeo doméstico ampliaram ainda mais sua audiência. Assim, o filme consolidou-se como um importante sucesso comercial da MGM e reforçou a popularidade do musical cinematográfico nos anos 1950.

Atualmente, Eles e Elas é considerado um dos grandes clássicos dos musicais hollywoodianos. Críticos modernos continuam elogiando sua elegante direção, a qualidade de suas canções e o elenco de primeira linha. A atuação de Marlon Brando, antes vista com certa desconfiança, passou a ser reconhecida como uma interessante demonstração de sua versatilidade como ator. A presença de Frank Sinatra também permanece um dos maiores atrativos da produção. Embora alguns apreciadores do musical da Broadway prefiram a versão teatral, a adaptação cinematográfica é frequentemente incluída entre os melhores musicais já produzidos por Hollywood. Sua influência pode ser percebida em diversas produções posteriores do gênero. Quase sete décadas após sua estreia, Eles e Elas continua encantando novas gerações de espectadores com seu humor, romantismo e músicas inesquecíveis.

Eles e Elas (Guys and Dolls, Estados Unidos, 1955) Direção: Joseph L. Mankiewicz / Roteiro: Joseph L. Mankiewicz, baseado no musical Guys and Dolls, de Jo Swerling e Abe Burrows, inspirado em contos de Damon Runyon, com músicas de Frank Loesser / Elenco: Marlon Brando, Jean Simmons, Frank Sinatra, Vivian Blaine, Stubby Kaye e Robert Keith / Sinopse: Um apostador aceita o desafio de conquistar uma missionária, enquanto outro tenta finalmente convencer sua noiva a se casar, em uma divertida história de romance, música e apostas na Nova York dos anos 1950

Casa de Chá do Luar de Agosto 

O filme Casa de Chá do Luar de Agosto (The Teahouse of the August Moon) foi lançado em 29 de novembro de 1956, dirigido por Daniel Mann e estrelado por Marlon Brando, Glenn Ford, Machiko Kyō, Eddie Albert, Paul Ford e Harry Morgan. Baseado na peça teatral de John Patrick, vencedora do Prêmio Pulitzer, que por sua vez foi inspirada no romance de Vern Sneider, o filme se passa em Okinawa logo após a Segunda Guerra Mundial. A história acompanha o capitão Fisby, um oficial do Exército dos Estados Unidos encarregado de americanizar uma pequena aldeia japonesa. Para ajudá-lo, é designado Sakini, um intérprete local espirituoso e extremamente astuto. Em vez de seguir rigorosamente as ordens da ocupação militar, Fisby passa a compreender e respeitar os costumes dos moradores, incentivando a construção de uma tradicional casa de chá em vez de projetos burocráticos impostos pelos superiores. A narrativa utiliza humor e sátira para discutir o choque entre culturas, mostrando como o diálogo e o respeito podem superar preconceitos. O personagem Sakini, interpretado por Marlon Brando, tornou-se um dos papéis mais incomuns de sua carreira.

Quando foi lançado, Casa de Chá do Luar de Agosto recebeu uma recepção crítica positiva, embora dividida em alguns aspectos. O The New York Times elogiou o humor inteligente do roteiro e destacou a mensagem humanista da obra, descrevendo-a como “uma comédia encantadora e surpreendentemente sensível”. O Los Angeles Times ressaltou a qualidade da adaptação da peça teatral e a boa atuação de Glenn Ford. A revista Variety considerou o filme “uma sátira sofisticada sobre os excessos da burocracia militar”, elogiando também sua direção discreta. Entretanto, a interpretação de Marlon Brando gerou opiniões divergentes. Muitos críticos admiraram sua coragem em assumir um personagem completamente diferente dos papéis dramáticos pelos quais era conhecido, enquanto outros consideraram exagerados o sotaque e a caracterização do ator. Ainda assim, a produção foi amplamente elogiada por seu humor elegante e por sua crítica social.

Na temporada de premiações, Casa de Chá do Luar de Agosto recebeu três indicações ao Globo de Ouro, incluindo Melhor Filme – Musical ou Comédia, Melhor Ator – Musical ou Comédia para Glenn Ford e Melhor Ator Coadjuvante para Eddie Albert. Embora não tenha sido indicado ao Oscar, o filme manteve o prestígio da peça original, que havia conquistado enorme sucesso na Broadway. Publicações como The New Yorker elogiaram especialmente o equilíbrio entre comédia e reflexão política, observando que o filme conseguia abordar temas delicados sem perder seu tom leve. Ao longo dos anos, porém, alguns estudiosos passaram a questionar a escolha de Marlon Brando — um ator americano — para interpretar um personagem okinawano, apontando que essa decisão reflete práticas comuns da Hollywood da época, mas que hoje são vistas de forma crítica. Apesar disso, a qualidade do roteiro e das atuações continua sendo reconhecida.

Do ponto de vista comercial, Casa de Chá do Luar de Agosto foi um bom sucesso para a Metro-Goldwyn-Mayer. O prestígio da peça teatral e a popularidade de Marlon Brando e Glenn Ford atraíram um público expressivo aos cinemas. Embora não tenha alcançado as bilheterias dos grandes épicos da década, o filme recuperou seu investimento e teve excelente desempenho especialmente nos Estados Unidos. A crítica favorável e o boca a boca contribuíram para sua permanência em cartaz durante vários meses. Posteriormente, a obra encontrou nova audiência por meio da televisão e do mercado de vídeo doméstico. Seu humor acessível e sua mensagem de tolerância ajudaram a manter sua popularidade ao longo das décadas. Assim, o filme consolidou-se como uma das comédias mais lembradas da carreira de Brando.

Atualmente, Casa de Chá do Luar de Agosto continua sendo visto como uma produção inteligente e humanista, embora também desperte debates por aspectos relacionados à representação cultural. Críticos modernos elogiam sua defesa do respeito entre povos diferentes, sua crítica ao autoritarismo burocrático e a delicadeza com que trata o choque de culturas no pós-guerra. A interpretação de Marlon Brando permanece controversa: alguns a consideram uma demonstração de sua extraordinária versatilidade, enquanto outros a veem como um exemplo das limitações de representatividade do cinema hollywoodiano dos anos 1950. Ainda assim, o filme é reconhecido por sua qualidade narrativa, pelos diálogos espirituosos e pela excelente atuação de Glenn Ford. Mais de seis décadas após sua estreia, Casa de Chá do Luar de Agosto permanece uma obra importante tanto para a história da comédia quanto para a reflexão sobre o encontro entre diferentes culturas.

Casa de Chá do Luar de Agosto (The Teahouse of the August Moon, Estados Unidos, 1956) Direção: Daniel Mann / Roteiro: John Patrick, baseado em sua peça The Teahouse of the August Moon, inspirada no romance homônimo de Vern Sneider / Elenco: Marlon Brando, Glenn Ford, Machiko Kyō, Eddie Albert, Paul Ford e Harry Morgan / Sinopse: Um oficial americano enviado para administrar uma aldeia em Okinawa acaba aprendendo a valorizar as tradições locais graças à influência de um esperto intérprete, descobrindo que a compreensão entre culturas pode ser mais eficaz do que a imposição de regras.

Erick Steve e Pablo Aluísio. 

Casa de Chá do Luar de Agosto

Casa de Chá do Luar de Agosto

Esse filme é bem curioso. Primeiro é uma comédia leve e divertida estrelada por dois atores, Marlon Brando e Glenn Ford, que nunca foram tecnicamente comediantes. Segundo por trazer uma das caracterizações mais esquisitas da história do cinema: Brando interpretando um japonês chamado Sakini. Confesso que foi até complicado se acostumar com a pesada maquiagem do ator no filme, além de sua atuação, um tanto quanto estereotipada. De qualquer forma conforme o filme avança essa estranheza vai cedendo lugar à pura diversão, pois se o filme não chega a ser hilariante pelo menos tem cenas realmente divertidas e bem escritas. Glenn Ford está muito à vontade no papel, fazendo sem problemas várias cenas que beiram o cinema pastelão. Ele e Marlon inclusive tiveram alguns atritos de ego nas filmagens mas isso não passou ao filme pois tudo soa despretensiosamente leve e bom astral.

De uma maneira em geral o filme foi bem melhor do que eu esperava. Brando fala tão mal do filme em sua autobiografia que pensei que seria uma bomba completa. Não é. O diretor Daniel Mann procura ser bem sutil, até porque a cultura japonesa que mostra no filme já é conhecida por sua sutileza. O roteiro obviamente explora o choque cultural existente entre os moradores de uma pequena vila japonesa em Okinawa e os militares que a ocupam logo após a II Guerra. Os americanos tentam impor sua visão de progresso, com o plano de construir uma escola que ensine democracia no local enquanto os japoneses sonham com a construção de uma casa de chá onde possam se confraternizar e ver o pôr do sol. Desse confronto todo o argumento é construído, com momentos ora divertidos, ora banais, mas nunca chatos. Enfim, o filme nada mais é do que um bom passatempo, leve e ligeiro, e se for encarado dessa forma pode ser uma grata surpresa ao espectador.

Casa de Chá do Luar de Agosto (The Teahouse of the August Moon, EUA, 1958) Direção: David Mann / Roteiro: John Patrick baseado no livro de Vern J. Sneider / Elenco: Marlon Brando, Glenn Ford, Machiko Kyô, Eddie Albert / Sinopse: Após a II Guerra Mundial militares americanos planejam construir uma escola numa isolada vila japonesa em Okinawa, mas terão que convencer a população a local que prefere que seja construída uma casa de chá para que todos possam assistir ao por do sol juntos, em harmonia com a natureza.

Pablo Aluísio.

Eles e Elas

Eles e Elas 

Marlon Brando era um dos maiores atores de sua época. Porém não sabia cantar. Frank Sinatra era o rei da música, chamado de The Voice (a Voz) pelos críticos musicais. Como ator porém muitas vezes deixava a desejar. Assim teríamos um filme perfeito unindo esses dois talentos. Pelos menos foi assim que pensaram os executivos da Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Só que as coisas definitivamente não saíram bem como os produtores desejavam. Esse musical chamado "Eles e Elas" acabou se tornando um dos filmes mais singulares das carreiras de Brando e Sinatra. A trilha sonora foi gravada usando as diversas tentativas de Brando em cantar bem. Entre as inúmeras desafinadas os produtores conseguiram pincelar pequenos momentos. Depois editaram tudo e o espectador acabou mesmo acreditando que Brando era um cantor, mesmo que meramente mediano.

Já Frank Sinatra não gostou nada da experiência. Ele era um ator pragmático, que queria resolver tudo em apenas um ou dois takes. Porém ao contracenar com Marlon Brando precisou ter paciência em dobro para lidar com os métodos do Actor Studio. Isso acabou criando uma antipatia mútua entre Brando e Sinatra no set de filmagens. No final das gravações eles estavam praticamente sem se falar. Para Brando o ator Frank Sinatra não passava de um cantor tentando atuar sem passar muita vergonha. Ele achava Sinatra bem ruim. Para Sinatra, Brando era superestimado pela crítica. Ele também tinha achado as performances vocais de Marlon um verdadeiro desastre. Como nenhum deles estava disposto a abrir mão de seus egos monumentais a tensão imperou no estúdio. De uma maneira ou outra o público gostou do filme e ele foi até indicado ao Oscar, apesar da crítica não ter apreciado muito. Quem diria que algo assim poderia dar tanto certo no final?

Eles e Elas (Guys and Dolls, Estados Unidos, 1955) Direção: Joseph L. Mankiewicz / Roteiro: Jo Swerling, baseada no peça escrita por Abe Burrows / Elenco: Marlon Brando, Frank Sinatra, Jean Simmons, Vivian Blaine / Sinopse: Uma bela garota acaba servindo de pretexto para uma aposta nada ética. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Fotografia (Harry Stradling Sr), Melhor Direção de Arte (Oliver Smith, Joseph C. Wright), Melhor Figurino (Irene Sharaff) e Melhor Música (Jay Blackton, Cyril J. Mockridge). Filme vencedor do Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Musical ou Comédia e Melhor Atriz (Jean Simmons).

Pablo Aluísio. 

Désirée - O Amor de Napoleão

Désirée - O Amor de Napoleão

Napoleão Bonaparte (Marlon Brando) é um general francês que em sucessivas batalhas acaba conquistando vastas terras e países. Feroz no campo de batalha, ele se rende ao amor de Désirée Clary (Jean Simmons), uma linda jovem que encanta o grande conquistador.  Marlon Brando fez esse filme com literalmente uma espada sobre sua cabeça. Acontece que ele abandonou o set de "O Egipcio" depois de discutir com o produtor e sair falando aos quatro ventos que o filme "era uma tremenda porcaria com péssimo roteiro, um dos piores que já tinha visto na vida". O estúdio então o processou em algumas centenas milhares de dólares. Na audiência inaugural perante o juiz Marlon acabou entrando no seguinte acordo: ele filmaria Desirée do mesmo estúdio e se livraria do processo em que estava envolvido.

Apesar de ter feito o filme por acordo judicial Brando resolveu causar o maior número de problemas possíveis no set de Desirée. Errava as cenas de propósito e fazia sotaques inadequados ao imperador francês, como um inglês arcaico ou um caipira do sul dos EUA; Claro que tudo resultou em muita dor de cabeça para a produção, sempre refilmando as cenas em que Brando propositalmente destruía. O auge de sua rebeldia foi ter levado uma mangueira de bombeiro para o luxuoso set e molhar todo o cenário, estragando inclusive as luxuosas roupas da produção. Ele estava se vingando do processo que sofreu. Apesar das confusões o filme foi terminado e se tornou um grande sucesso da carreira de Brando que depois disse em tom irônico: "O público americano não é dos mais inteligentes que existem do mundo".

Desirée - O Amor de Napoleão (Désirée, Estados Unidos, 1954) Direção: Henry Koster / Roteiro: Annemarie Selinko, Daniel Taradash / Elenco: Marlon Brando, Jean Simmons,  Merle Oberon, Michael Rennie, Cameron Mitchell / Sinopse: Napoleão Bonaparte (Marlon Brando) é um general francês que em sucessivas batalhas acaba conquistando vastas terras e países. Feroz no campo de batalha, ele se rende ao amor de Désirée Clary (Jean Simmons), uma linda jovem que encanta o grande conquistador.

Pablo Aluísio.

Waterloo - A Batalha de Napoleão

Waterloo - A Batalha de Napoleão

Depois de praticamente conquistar toda a Europa com seu formidável exército o imperador Napoleão Bonaparte (Rod Steiger) se vê encurralado em sua própria capital, Paris. Com os ingleses e prussianos chegando ele acaba renunciando ao seu poder imperial. Preso, é enviado para a distante ilha de Elba. Após conspirar para fugir de sua prisão consegue finalmente chegar no continente com apenas mil homens. Em pouco tempo cai novamente nas graças do povo de seu país e consegue reassumir o trono. Agora Napoleão deseja vingança contra todos os seus inimigos, algo que se dará de forma definitiva na batalha de Waterloo onde enfrentará mais uma vez o hábil general britânico Duque de Wellington (Christopher Plummer) que se encontra pronto para destruir de uma vez por todas com as ambições militares do imperador francês.

Em minha opinião essa produção segue sendo, ainda nos dias de hoje, o melhor filme já realizado sobre os últimos dias do Imperador Napoleão Bonaparte (1769 - 1821). Produzido por Dino de Laurentiis é um daqueles filmes grandiosos, com milhares de extras, figurinos deslumbrantes e cenas do campo de batalha praticamente impecáveis. O roteiro é muito bem escrito e tenta mostrar em detalhes os dois lados desse conflito que decidiu os rumos da Europa de forma definitiva. O Imperador Napoleão é interpretado por Rod Steiger. Que grande ator! Ele tem aqui um dos grandes trabalhos de atuação de sua carreira. Seu Napoleão é um sujeito envelhecido, doente e completamente alucinado em se agarrar nos últimos fiapos de suas glórias passadas. Após retornar da ilha prisão de Elba ele consegue voltar ao poder, mas agora está cercado de inimigos por todos os lados, em especial os ingleses e os prussianos. Egomaníaco e convencido de sua própria lenda, o velho Napoleão decide ousar, indo diretamente para o ataque contra os exércitos inimigos, para surpresa de todos os seus generais. Nada de ficar na defensiva.

Embora tenha há muito tempo perdido no front a possibilidade de conquistar toda a Europa (ainda mais depois da desastrosa campanha na Rússia), o envelhecido general resolve dar a cartada final de sua vida ao encontrar no campo lamacento de Waterloo o poderoso exército comandado pelo comandante inglês Wellington (Christopher Plummer). O que se segue é uma das batalhas mais sangrentas da história, algo que só se repetiria em solo europeu com a eclosão da II Guerra Mundial mais de um século depois. O filme se apoia basicamente em dois atos. No primeiro conta o contexto histórico que antecedeu a grande batalha (a prisão e fuga de Elba e o retorno triunfante de Napoleão pelas mãos do povo ao poder).

No segundo ato (que dura mais do que 60 minutos de filme) a própria batalha é desvendada em detalhes, mostrando as estratégias usadas pelas duas forças inimigas. Para quem gosta de história militar é certamente um prato cheio, tudo muito bem realizado, com centenas de milhares de figurantes em cena (todos pertencentes ao exército russo que colaborou na época com as filmagens). Um dos momentos mais significativos do filme acontece justamente após a carnificina. Montado em seu cavalo, Wellington fita o campo cheio de soldados mortos, alguns bem jovens, ainda na flor da idade. O cenário é de completa desolação. Então ele diz uma de suas frases mais famosas, que entrou inclusive para a história: "Não existe nada mais desolador em um campo de batalha do que a vitória, exceto, é claro, a própria derrota".

Waterloo - A Batalha de Napoleão (Waterloo, Inglaterra, Rússia, Itália, 1970) Estúdio: Dino de Laurentiis Cinematografica / Direção: Sergey Bondarchuk / Roteiro: Sergey Bondarchuk, H.A.L. Craig / Elenco: Rod Steiger, Christopher Plummer, Orson Welles / Sinopse: O filme recria a famosa batalha de Waterloo onde finalmente o Imperador Napoleão Bonaparte foi vencido pelos exércitos da Inglaterra. Filme vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte. Também indicado na categoria de Melhor Fotografia.

Pablo Aluísio.

A Ponte de Waterloo

A Ponte de Waterloo

Clássico do cinema com a inesquecível atriz Vivien Leigh. A história se passa durante a segunda guerra mundial quando um oficial inglês, interpretado pelo ator Robert Taylor, relembra quando era apenas um jovem soldado durante a Primeira Guerra Mundial. Naquela época conhecera uma jovem garota, que sonhava um dia se tornar uma grande bailarina. Seus sonhos porém acabam com a explosão da guerra que varreria toda a Europa. Ela se chamava Myra (Vivien Leigh). Tentando sobreviver nas ruas de Londres, abalada pela morte de seu grande amor nos campos de batalha e precisando sobreviver de todas as formas, ela acaba tendo que abrir mão de tudo, inclusive de sua dignidade pessoal. Poucos sabem, mas a estrela Vivien Leigh (1913 - 1967) participou de poucos filmes ao longo de sua carreira. Foram apenas 20 produções entre 1935 e 1965. A atriz inglesa não se dava muito bem com o sistema industrial de fazer cinema em Hollywood e por causa de sua saúde ficava longos anos sem realizar nenhum filme. Também era extremamente seletiva na escolha dos roteiros de que iria participar. Depois de "E O Vento Levou" de 1939 choveram ofertas dos principais estúdios de Hollywood, mas Leigh sabiamente rejeitou a grande maioria deles.

Esse "A Ponte de Waterloo" foi lançado logo após "Três Semanas de Loucura" que sucedeu a "E O Vento Levou". Ao contrário do anterior, que apostava em um texto mais leve e até bem humorado, "Waterloo Bridge" era um dramalhão daqueles bem trágicos, com história bem pesada, mostrando os dramas de uma jovem garota (Leigh), cheia de sonhos e planos a realizar na vida, mas que tinha de desistir de todos eles para lutar pela sobrevivência. O cenário não poderia ser pior, a Europa durante a sangrenta Primeira Guerra Mundial. As cidades destruídas, com a população civil passando por necessidades básicas.

A fome, por exemplo, se tornara uma companheira constante. Vivien Leigh se entrega completamente ao personagem, dando o melhor de si, como sempre aliás. Talvez seu maior problema tenha sido o fato de dividir o filme com Robert Taylor que era apenas um galã sem muito talento dramático. O desnível deles se torna muito evidente ao longo do filme, com Leigh empenhada e muito talentosa e Taylor cheio de poses e olhares canastrões (chega a ser risível sua canastrice em cena!). Talvez por isso o filme não tenha tido a repercussão merecida. De qualquer maneira vale apenas pelo talento da eterna Vivien Leigh, um dos maiores talentos da história do cinema americano em sua fase mais clássica.

A Ponte de Waterloo (Waterloo Bridge, Estados Unidos, 1940) Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Direção: Mervyn LeRoy / Roteiro: S.N. Behrman, Hans Rameau / Elenco: Vivien Leigh, Robert Taylor, Lucile Watson / Sinopse: Durante a Guerra Mundial, um casal tenta concretizar seu amor em mundo destruído pelo maior conflito armada de toda a história. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor direção de fotografia (Joseph Ruttenberg) e melhor música (Herbert Stothart).

Pablo Aluísio.

A Bolha Assassina

Título no Brasil: A Bolha Assassina

Título Original: The Blob

Ano de Lançamento: 1958

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Pictures 

Direção: Irvin S. Yeaworth Jr.

Roteiro: Theodore Simonson e Kate Phillips

Elenco: Steve McQueen, Aneta Corsaut, Earl Rowe, Olin Howland, Stephen Chase, George Karas.

Sinopse:

Em uma pequena cidade da Pensilvânia, um meteoro cai durante a noite trazendo consigo uma estranha substância gelatinosa de origem extraterrestre. Quando um idoso toca o objeto, a massa viscosa adere à sua mão e começa a crescer rapidamente. O jovem Steve Andrews testemunha os acontecimentos e tenta alertar as autoridades locais, mas ninguém acredita em sua história. Enquanto isso, a criatura continua consumindo pessoas e aumentando de tamanho a cada nova vítima. Logo a cidade inteira se vê ameaçada por uma entidade aparentemente indestrutível, cuja única motivação é devorar tudo o que encontra pela frente.

Comentários:

The Blob foi inicialmente recebido como um típico filme de ficção científica de baixo orçamento produzido durante a era dourada do cinema de monstros dos anos 1950. A crítica da época não demonstrou grande entusiasmo, considerando-o um entretenimento juvenil voltado principalmente para adolescentes. O jornal The New York Times classificou a produção como uma obra modesta, embora reconhecesse sua eficiência em criar suspense com recursos limitados. Muitos críticos também destacaram a atuação de um jovem Steve McQueen, então com 28 anos, interpretando um adolescente. Embora sua idade fosse frequentemente motivo de comentários bem-humorados nas resenhas, vários observadores notaram o carisma natural que mais tarde o transformaria em uma das maiores estrelas de Hollywood. A simplicidade da premissa — uma massa gelatinosa que cresce ao consumir seres humanos — foi vista por alguns críticos como absurda, mas outros elogiaram justamente a criatividade da ideia.

Com o passar das décadas, The Blob conquistou o status de clássico cult e tornou-se um dos filmes mais queridos entre os fãs da ficção científica e do terror dos anos 1950. A revista Time observou em retrospectivas que o longa representa perfeitamente os medos da Guerra Fria, período em que o cinema americano frequentemente transformava ansiedades sociais em monstros extraterrestres e ameaças invisíveis. Muitos estudiosos interpretam a criatura como uma metáfora para diversos temores da época, incluindo o comunismo, a energia nuclear e a paranoia coletiva. O site RogerEbert.com destacou que o filme permanece surpreendentemente divertido graças ao seu ritmo rápido e aos efeitos práticos engenhosos. Em comunidades de fãs, a sequência em que a criatura invade um cinema lotado é frequentemente citada como uma das cenas mais memoráveis do terror clássico. Hoje, The Blob é considerado uma das produções mais influentes do gênero, tendo inspirado inúmeras imitações, uma sequência em 1972 e uma refilmagem muito elogiada em 1988. Além disso, continua sendo lembrado como o primeiro grande papel de Steve McQueen no cinema, tornando-se uma peça importante da história da cultura popular americana.

Erick Steve. 

Império de Gangster

Título no Brasil: Império de Gangster

Título Original: Never Love a Stranger

Ano de Lançamento: 1958

País: Estados Unidos

Estúdio: Allied Artists Pictures

Direção: Robert Stevens

Roteiro: Richard Day e Harold Robbins, baseado no romance de Harold Robbins

Elenco: John Drew Barrymore, Steve McQueen, Lita Milan, Robert Bray, Salem Ludwig, R. G. Armstrong.

Sinopse:

A história acompanha Frankie Kane, um órfão criado em uma instituição católica de Nova York. Durante sua juventude, ele desenvolve uma forte amizade com Martin Cabell, um jovem judeu que sonha em se tornar advogado. Quando Frankie descobre que também possui ascendência judaica e será transferido para outra instituição, ele foge e acaba entrando no mundo do crime organizado. Anos depois, transformado em um influente gangster, reencontra Martin, agora promotor público, e Julie, o grande amor de sua juventude. A amizade dos dois homens passa a ser colocada à prova quando eles se encontram em lados opostos da lei.

Comentários:

Never Love a Stranger é lembrado principalmente por representar a primeira participação importante de Steve McQueen em um longa-metragem. Embora o protagonista seja interpretado por John Drew Barrymore, muitos críticos e historiadores do cinema voltaram sua atenção para McQueen, que poucos anos depois se tornaria uma das maiores estrelas de Hollywood. Na época do lançamento, o filme recebeu críticas mistas. Algumas publicações elogiaram a ambição de adaptar o romance de Harold Robbins e abordar questões de identidade religiosa, preconceito e criminalidade urbana. Entretanto, diversos críticos consideraram que o roteiro simplificava excessivamente os temas do livro e recorria a clichês dos filmes de gangsters produzidos nas décadas anteriores. O trabalho do veterano diretor de fotografia Lee Garmes foi frequentemente elogiado por conferir ao longa uma atmosfera típica do cinema noir tardio.

Em análises retrospectivas, a reputação do filme continua dividida. Muitos críticos modernos enxergam a obra como um melodrama policial irregular, mas interessante como documento histórico de uma época de transição em Hollywood. O site Rotten Tomatoes registra uma recepção modesta entre espectadores, embora alguns elogiem a narrativa de ascensão e queda do protagonista e a presença de um jovem Steve McQueen. O crítico e historiador de cinema Richard Chatten observou que o filme possuía uma premissa promissora, mas sofria com diálogos excessivamente convencionais e uma execução inconsistente. Outros comentaristas destacaram que John Drew Barrymore demonstra carisma e talento dramático, deixando a impressão de que poderia ter alcançado uma carreira muito maior do que a que efetivamente teve. Apesar de suas limitações, Never Love a Stranger continua despertando interesse entre fãs do cinema policial dos anos 1950 e admiradores da carreira de Steve McQueen, sendo frequentemente citado como uma curiosidade valiosa do início de sua trajetória cinematográfica.

Erick Steve. 

Filmografia Steve McQueen

Filmografia Steve McQueen

Marcado Pela Sarjeta

Império de Gangster

A Bolha Assassina

Facínoras Mascarados

Quando Explodem as Paixões

O Grande Roubo de St. Louis

Sete Homens e um Destino

A Máquina do Amor

O Inferno é Para os Heróis

O Amante da Morte

Fugindo do Inferno

Quanto Vale um Homem

O Preço de um Prazer

O Gênio do Mal

A Mesa do Diabo

Nevada Smith

O Canhoneiro de Yang-Tsé

Crown, O Magnífico

Bullitt

Os Rebeldes

As 24 Horas de Le Mans

Dez Segundos de Perigo

Os Implacáveis

Papillon

Inferno na Torre

O Inimigo do Povo

Tom Horn, O Cowboy

Caçador Implacável

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Paul Newman

Paul Newman foi uma das maiores estrelas de Hollywood e uma das personalidades mais admiradas do cinema mundial. Nascido em 26 de janeiro de 1925, na cidade de Shaker Heights, Ohio, destacou-se não apenas por seus famosos olhos azuis, mas também pelo enorme talento dramático e pelo carisma que exibia diante das câmeras. Filho de um comerciante e de uma dona de casa com grande interesse pelas artes, desenvolveu desde cedo o gosto pela atuação. Durante a Segunda Guerra Mundial serviu na Marinha dos Estados Unidos, experiência que marcou sua juventude. Após o conflito, estudou teatro e aperfeiçoou sua formação artística em instituições renomadas. Sua combinação de talento, beleza e inteligência rapidamente chamou a atenção dos produtores de Hollywood. Ao longo de mais de cinco décadas de carreira, tornou-se um dos atores mais respeitados e influentes da história do cinema.

Os primeiros anos em Hollywood não foram fáceis. Newman enfrentou comparações constantes com Marlon Brando, que na época revolucionava a atuação cinematográfica. Contudo, ele logo encontrou sua própria identidade artística. Seu primeiro grande sucesso veio com Somebody Up There Likes Me, no qual interpretou o boxeador Rocky Graziano. O desempenho foi amplamente elogiado pela crítica e revelou um ator capaz de transmitir intensidade emocional e autenticidade. Nos anos seguintes, consolidou sua reputação com atuações em dramas, romances e filmes de aventura. Sua presença magnética na tela fazia com que se destacasse em qualquer produção. Rapidamente, tornou-se um dos atores mais requisitados de Hollywood e um dos favoritos do público internacional.

A década de 1960 marcou o auge de sua popularidade. Nesse período estrelou clássicos como The Hustler, Hud, Cool Hand Luke e Butch Cassidy and the Sundance Kid. Sua parceria com Robert Redford tornou-se uma das mais famosas da história do cinema. Juntos, protagonizaram sucessos que permanecem populares até hoje. Newman possuía a rara capacidade de interpretar personagens complexos, muitas vezes rebeldes ou moralmente ambíguos, sem perder a empatia do público. Essa combinação de charme e profundidade psicológica fez dele um dos maiores astros de sua geração. Seus trabalhos nesse período continuam figurando entre os mais admirados da cinematografia americana.

Além de ator, Paul Newman também foi diretor e produtor de sucesso. Recebeu inúmeras indicações ao Oscar ao longo da carreira e finalmente conquistou a estatueta de Melhor Ator por sua atuação em The Color of Money, dirigido por Martin Scorsese. Anos antes, já havia recebido um Oscar honorário em reconhecimento à sua extraordinária contribuição para o cinema. Mesmo em idade avançada, continuou entregando interpretações memoráveis em filmes como Road to Perdition. Sua dedicação à profissão e sua capacidade de se reinventar artisticamente garantiram uma carreira longa e admirada tanto pelo público quanto pela crítica especializada.

A vida pessoal de Newman foi marcada por uma rara estabilidade para os padrões de Hollywood. Em 1958, casou-se com Joanne Woodward, formando um dos casais mais duradouros e respeitados da indústria cinematográfica. O relacionamento durou cinquenta anos, até a morte do ator. Além do sucesso artístico, Newman ficou conhecido por seu trabalho filantrópico. Em 1982, criou a empresa de alimentos Newman's Own, destinando integralmente os lucros para instituições beneficentes. Ao longo das décadas, centenas de milhões de dólares foram doados para causas sociais, educacionais e médicas. Esse compromisso com a filantropia ampliou ainda mais o respeito que o público tinha por ele.

Paul Newman faleceu em 26 de setembro de 2008, aos 83 anos, vítima de câncer de pulmão. Sua morte foi lamentada por admiradores, colegas de profissão e líderes de diversos países. Mais do que um grande ator, ele deixou um legado de integridade, talento e generosidade. Seus filmes continuam sendo exibidos e estudados por novas gerações de espectadores e cineastas. Sua imagem permanece associada à era de ouro de Hollywood, mas sua influência ultrapassa qualquer período específico da história do cinema. Paul Newman é lembrado não apenas como uma estrela de primeira grandeza, mas como um artista completo e um ser humano exemplar, cuja contribuição para a cultura e para a sociedade permanece viva muitos anos após sua partida.