Waterloo - A Batalha de Napoleão

Waterloo - A Batalha de Napoleão

Depois de praticamente conquistar toda a Europa com seu formidável exército o imperador Napoleão Bonaparte (Rod Steiger) se vê encurralado em sua própria capital, Paris. Com os ingleses e prussianos chegando ele acaba renunciando ao seu poder imperial. Preso, é enviado para a distante ilha de Elba. Após conspirar para fugir de sua prisão consegue finalmente chegar no continente com apenas mil homens. Em pouco tempo cai novamente nas graças do povo de seu país e consegue reassumir o trono. Agora Napoleão deseja vingança contra todos os seus inimigos, algo que se dará de forma definitiva na batalha de Waterloo onde enfrentará mais uma vez o hábil general britânico Duque de Wellington (Christopher Plummer) que se encontra pronto para destruir de uma vez por todas com as ambições militares do imperador francês.

Em minha opinião essa produção segue sendo, ainda nos dias de hoje, o melhor filme já realizado sobre os últimos dias do Imperador Napoleão Bonaparte (1769 - 1821). Produzido por Dino de Laurentiis é um daqueles filmes grandiosos, com milhares de extras, figurinos deslumbrantes e cenas do campo de batalha praticamente impecáveis. O roteiro é muito bem escrito e tenta mostrar em detalhes os dois lados desse conflito que decidiu os rumos da Europa de forma definitiva. O Imperador Napoleão é interpretado por Rod Steiger. Que grande ator! Ele tem aqui um dos grandes trabalhos de atuação de sua carreira. Seu Napoleão é um sujeito envelhecido, doente e completamente alucinado em se agarrar nos últimos fiapos de suas glórias passadas. Após retornar da ilha prisão de Elba ele consegue voltar ao poder, mas agora está cercado de inimigos por todos os lados, em especial os ingleses e os prussianos. Egomaníaco e convencido de sua própria lenda, o velho Napoleão decide ousar, indo diretamente para o ataque contra os exércitos inimigos, para surpresa de todos os seus generais. Nada de ficar na defensiva.

Embora tenha há muito tempo perdido no front a possibilidade de conquistar toda a Europa (ainda mais depois da desastrosa campanha na Rússia), o envelhecido general resolve dar a cartada final de sua vida ao encontrar no campo lamacento de Waterloo o poderoso exército comandado pelo comandante inglês Wellington (Christopher Plummer). O que se segue é uma das batalhas mais sangrentas da história, algo que só se repetiria em solo europeu com a eclosão da II Guerra Mundial mais de um século depois. O filme se apoia basicamente em dois atos. No primeiro conta o contexto histórico que antecedeu a grande batalha (a prisão e fuga de Elba e o retorno triunfante de Napoleão pelas mãos do povo ao poder).

No segundo ato (que dura mais do que 60 minutos de filme) a própria batalha é desvendada em detalhes, mostrando as estratégias usadas pelas duas forças inimigas. Para quem gosta de história militar é certamente um prato cheio, tudo muito bem realizado, com centenas de milhares de figurantes em cena (todos pertencentes ao exército russo que colaborou na época com as filmagens). Um dos momentos mais significativos do filme acontece justamente após a carnificina. Montado em seu cavalo, Wellington fita o campo cheio de soldados mortos, alguns bem jovens, ainda na flor da idade. O cenário é de completa desolação. Então ele diz uma de suas frases mais famosas, que entrou inclusive para a história: "Não existe nada mais desolador em um campo de batalha do que a vitória, exceto, é claro, a própria derrota".

Waterloo - A Batalha de Napoleão (Waterloo, Inglaterra, Rússia, Itália, 1970) Estúdio: Dino de Laurentiis Cinematografica / Direção: Sergey Bondarchuk / Roteiro: Sergey Bondarchuk, H.A.L. Craig / Elenco: Rod Steiger, Christopher Plummer, Orson Welles / Sinopse: O filme recria a famosa batalha de Waterloo onde finalmente o Imperador Napoleão Bonaparte foi vencido pelos exércitos da Inglaterra. Filme vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte. Também indicado na categoria de Melhor Fotografia.

Pablo Aluísio.

A Ponte de Waterloo

A Ponte de Waterloo

Clássico do cinema com a inesquecível atriz Vivien Leigh. A história se passa durante a segunda guerra mundial quando um oficial inglês, interpretado pelo ator Robert Taylor, relembra quando era apenas um jovem soldado durante a Primeira Guerra Mundial. Naquela época conhecera uma jovem garota, que sonhava um dia se tornar uma grande bailarina. Seus sonhos porém acabam com a explosão da guerra que varreria toda a Europa. Ela se chamava Myra (Vivien Leigh). Tentando sobreviver nas ruas de Londres, abalada pela morte de seu grande amor nos campos de batalha e precisando sobreviver de todas as formas, ela acaba tendo que abrir mão de tudo, inclusive de sua dignidade pessoal. Poucos sabem, mas a estrela Vivien Leigh (1913 - 1967) participou de poucos filmes ao longo de sua carreira. Foram apenas 20 produções entre 1935 e 1965. A atriz inglesa não se dava muito bem com o sistema industrial de fazer cinema em Hollywood e por causa de sua saúde ficava longos anos sem realizar nenhum filme. Também era extremamente seletiva na escolha dos roteiros de que iria participar. Depois de "E O Vento Levou" de 1939 choveram ofertas dos principais estúdios de Hollywood, mas Leigh sabiamente rejeitou a grande maioria deles.

Esse "A Ponte de Waterloo" foi lançado logo após "Três Semanas de Loucura" que sucedeu a "E O Vento Levou". Ao contrário do anterior, que apostava em um texto mais leve e até bem humorado, "Waterloo Bridge" era um dramalhão daqueles bem trágicos, com história bem pesada, mostrando os dramas de uma jovem garota (Leigh), cheia de sonhos e planos a realizar na vida, mas que tinha de desistir de todos eles para lutar pela sobrevivência. O cenário não poderia ser pior, a Europa durante a sangrenta Primeira Guerra Mundial. As cidades destruídas, com a população civil passando por necessidades básicas.

A fome, por exemplo, se tornara uma companheira constante. Vivien Leigh se entrega completamente ao personagem, dando o melhor de si, como sempre aliás. Talvez seu maior problema tenha sido o fato de dividir o filme com Robert Taylor que era apenas um galã sem muito talento dramático. O desnível deles se torna muito evidente ao longo do filme, com Leigh empenhada e muito talentosa e Taylor cheio de poses e olhares canastrões (chega a ser risível sua canastrice em cena!). Talvez por isso o filme não tenha tido a repercussão merecida. De qualquer maneira vale apenas pelo talento da eterna Vivien Leigh, um dos maiores talentos da história do cinema americano em sua fase mais clássica.

A Ponte de Waterloo (Waterloo Bridge, Estados Unidos, 1940) Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Direção: Mervyn LeRoy / Roteiro: S.N. Behrman, Hans Rameau / Elenco: Vivien Leigh, Robert Taylor, Lucile Watson / Sinopse: Durante a Guerra Mundial, um casal tenta concretizar seu amor em mundo destruído pelo maior conflito armada de toda a história. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor direção de fotografia (Joseph Ruttenberg) e melhor música (Herbert Stothart).

Pablo Aluísio.

A Bolha Assassina

Título no Brasil: A Bolha Assassina

Título Original: The Blob

Ano de Lançamento: 1958

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Pictures 

Direção: Irvin S. Yeaworth Jr.

Roteiro: Theodore Simonson e Kate Phillips

Elenco: Steve McQueen, Aneta Corsaut, Earl Rowe, Olin Howland, Stephen Chase, George Karas.

Sinopse:

Em uma pequena cidade da Pensilvânia, um meteoro cai durante a noite trazendo consigo uma estranha substância gelatinosa de origem extraterrestre. Quando um idoso toca o objeto, a massa viscosa adere à sua mão e começa a crescer rapidamente. O jovem Steve Andrews testemunha os acontecimentos e tenta alertar as autoridades locais, mas ninguém acredita em sua história. Enquanto isso, a criatura continua consumindo pessoas e aumentando de tamanho a cada nova vítima. Logo a cidade inteira se vê ameaçada por uma entidade aparentemente indestrutível, cuja única motivação é devorar tudo o que encontra pela frente.

Comentários:

The Blob foi inicialmente recebido como um típico filme de ficção científica de baixo orçamento produzido durante a era dourada do cinema de monstros dos anos 1950. A crítica da época não demonstrou grande entusiasmo, considerando-o um entretenimento juvenil voltado principalmente para adolescentes. O jornal The New York Times classificou a produção como uma obra modesta, embora reconhecesse sua eficiência em criar suspense com recursos limitados. Muitos críticos também destacaram a atuação de um jovem Steve McQueen, então com 28 anos, interpretando um adolescente. Embora sua idade fosse frequentemente motivo de comentários bem-humorados nas resenhas, vários observadores notaram o carisma natural que mais tarde o transformaria em uma das maiores estrelas de Hollywood. A simplicidade da premissa — uma massa gelatinosa que cresce ao consumir seres humanos — foi vista por alguns críticos como absurda, mas outros elogiaram justamente a criatividade da ideia.

Com o passar das décadas, The Blob conquistou o status de clássico cult e tornou-se um dos filmes mais queridos entre os fãs da ficção científica e do terror dos anos 1950. A revista Time observou em retrospectivas que o longa representa perfeitamente os medos da Guerra Fria, período em que o cinema americano frequentemente transformava ansiedades sociais em monstros extraterrestres e ameaças invisíveis. Muitos estudiosos interpretam a criatura como uma metáfora para diversos temores da época, incluindo o comunismo, a energia nuclear e a paranoia coletiva. O site RogerEbert.com destacou que o filme permanece surpreendentemente divertido graças ao seu ritmo rápido e aos efeitos práticos engenhosos. Em comunidades de fãs, a sequência em que a criatura invade um cinema lotado é frequentemente citada como uma das cenas mais memoráveis do terror clássico. Hoje, The Blob é considerado uma das produções mais influentes do gênero, tendo inspirado inúmeras imitações, uma sequência em 1972 e uma refilmagem muito elogiada em 1988. Além disso, continua sendo lembrado como o primeiro grande papel de Steve McQueen no cinema, tornando-se uma peça importante da história da cultura popular americana.

Erick Steve. 

Império de Gangster

Título no Brasil: Império de Gangster

Título Original: Never Love a Stranger

Ano de Lançamento: 1958

País: Estados Unidos

Estúdio: Allied Artists Pictures

Direção: Robert Stevens

Roteiro: Richard Day e Harold Robbins, baseado no romance de Harold Robbins

Elenco: John Drew Barrymore, Steve McQueen, Lita Milan, Robert Bray, Salem Ludwig, R. G. Armstrong.

Sinopse:

A história acompanha Frankie Kane, um órfão criado em uma instituição católica de Nova York. Durante sua juventude, ele desenvolve uma forte amizade com Martin Cabell, um jovem judeu que sonha em se tornar advogado. Quando Frankie descobre que também possui ascendência judaica e será transferido para outra instituição, ele foge e acaba entrando no mundo do crime organizado. Anos depois, transformado em um influente gangster, reencontra Martin, agora promotor público, e Julie, o grande amor de sua juventude. A amizade dos dois homens passa a ser colocada à prova quando eles se encontram em lados opostos da lei.

Comentários:

Never Love a Stranger é lembrado principalmente por representar a primeira participação importante de Steve McQueen em um longa-metragem. Embora o protagonista seja interpretado por John Drew Barrymore, muitos críticos e historiadores do cinema voltaram sua atenção para McQueen, que poucos anos depois se tornaria uma das maiores estrelas de Hollywood. Na época do lançamento, o filme recebeu críticas mistas. Algumas publicações elogiaram a ambição de adaptar o romance de Harold Robbins e abordar questões de identidade religiosa, preconceito e criminalidade urbana. Entretanto, diversos críticos consideraram que o roteiro simplificava excessivamente os temas do livro e recorria a clichês dos filmes de gangsters produzidos nas décadas anteriores. O trabalho do veterano diretor de fotografia Lee Garmes foi frequentemente elogiado por conferir ao longa uma atmosfera típica do cinema noir tardio.

Em análises retrospectivas, a reputação do filme continua dividida. Muitos críticos modernos enxergam a obra como um melodrama policial irregular, mas interessante como documento histórico de uma época de transição em Hollywood. O site Rotten Tomatoes registra uma recepção modesta entre espectadores, embora alguns elogiem a narrativa de ascensão e queda do protagonista e a presença de um jovem Steve McQueen. O crítico e historiador de cinema Richard Chatten observou que o filme possuía uma premissa promissora, mas sofria com diálogos excessivamente convencionais e uma execução inconsistente. Outros comentaristas destacaram que John Drew Barrymore demonstra carisma e talento dramático, deixando a impressão de que poderia ter alcançado uma carreira muito maior do que a que efetivamente teve. Apesar de suas limitações, Never Love a Stranger continua despertando interesse entre fãs do cinema policial dos anos 1950 e admiradores da carreira de Steve McQueen, sendo frequentemente citado como uma curiosidade valiosa do início de sua trajetória cinematográfica.

Erick Steve. 

Filmografia Steve McQueen

Filmografia Steve McQueen

Marcado Pela Sarjeta

Império de Gangster

A Bolha Assassina

Facínoras Mascarados

Quando Explodem as Paixões

O Grande Roubo de St. Louis

Sete Homens e um Destino

A Máquina do Amor

O Inferno é Para os Heróis

O Amante da Morte

Fugindo do Inferno

Quanto Vale um Homem

O Preço de um Prazer

O Gênio do Mal

A Mesa do Diabo

Nevada Smith

O Canhoneiro de Yang-Tsé

Crown, O Magnífico

Bullitt

Os Rebeldes

As 24 Horas de Le Mans

Dez Segundos de Perigo

Os Implacáveis

Papillon

Inferno na Torre

O Inimigo do Povo

Tom Horn, O Cowboy

Caçador Implacável

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Paul Newman

Paul Newman foi uma das maiores estrelas de Hollywood e uma das personalidades mais admiradas do cinema mundial. Nascido em 26 de janeiro de 1925, na cidade de Shaker Heights, Ohio, destacou-se não apenas por seus famosos olhos azuis, mas também pelo enorme talento dramático e pelo carisma que exibia diante das câmeras. Filho de um comerciante e de uma dona de casa com grande interesse pelas artes, desenvolveu desde cedo o gosto pela atuação. Durante a Segunda Guerra Mundial serviu na Marinha dos Estados Unidos, experiência que marcou sua juventude. Após o conflito, estudou teatro e aperfeiçoou sua formação artística em instituições renomadas. Sua combinação de talento, beleza e inteligência rapidamente chamou a atenção dos produtores de Hollywood. Ao longo de mais de cinco décadas de carreira, tornou-se um dos atores mais respeitados e influentes da história do cinema.

Os primeiros anos em Hollywood não foram fáceis. Newman enfrentou comparações constantes com Marlon Brando, que na época revolucionava a atuação cinematográfica. Contudo, ele logo encontrou sua própria identidade artística. Seu primeiro grande sucesso veio com Somebody Up There Likes Me, no qual interpretou o boxeador Rocky Graziano. O desempenho foi amplamente elogiado pela crítica e revelou um ator capaz de transmitir intensidade emocional e autenticidade. Nos anos seguintes, consolidou sua reputação com atuações em dramas, romances e filmes de aventura. Sua presença magnética na tela fazia com que se destacasse em qualquer produção. Rapidamente, tornou-se um dos atores mais requisitados de Hollywood e um dos favoritos do público internacional.

A década de 1960 marcou o auge de sua popularidade. Nesse período estrelou clássicos como The Hustler, Hud, Cool Hand Luke e Butch Cassidy and the Sundance Kid. Sua parceria com Robert Redford tornou-se uma das mais famosas da história do cinema. Juntos, protagonizaram sucessos que permanecem populares até hoje. Newman possuía a rara capacidade de interpretar personagens complexos, muitas vezes rebeldes ou moralmente ambíguos, sem perder a empatia do público. Essa combinação de charme e profundidade psicológica fez dele um dos maiores astros de sua geração. Seus trabalhos nesse período continuam figurando entre os mais admirados da cinematografia americana.

Além de ator, Paul Newman também foi diretor e produtor de sucesso. Recebeu inúmeras indicações ao Oscar ao longo da carreira e finalmente conquistou a estatueta de Melhor Ator por sua atuação em The Color of Money, dirigido por Martin Scorsese. Anos antes, já havia recebido um Oscar honorário em reconhecimento à sua extraordinária contribuição para o cinema. Mesmo em idade avançada, continuou entregando interpretações memoráveis em filmes como Road to Perdition. Sua dedicação à profissão e sua capacidade de se reinventar artisticamente garantiram uma carreira longa e admirada tanto pelo público quanto pela crítica especializada.

A vida pessoal de Newman foi marcada por uma rara estabilidade para os padrões de Hollywood. Em 1958, casou-se com Joanne Woodward, formando um dos casais mais duradouros e respeitados da indústria cinematográfica. O relacionamento durou cinquenta anos, até a morte do ator. Além do sucesso artístico, Newman ficou conhecido por seu trabalho filantrópico. Em 1982, criou a empresa de alimentos Newman's Own, destinando integralmente os lucros para instituições beneficentes. Ao longo das décadas, centenas de milhões de dólares foram doados para causas sociais, educacionais e médicas. Esse compromisso com a filantropia ampliou ainda mais o respeito que o público tinha por ele.

Paul Newman faleceu em 26 de setembro de 2008, aos 83 anos, vítima de câncer de pulmão. Sua morte foi lamentada por admiradores, colegas de profissão e líderes de diversos países. Mais do que um grande ator, ele deixou um legado de integridade, talento e generosidade. Seus filmes continuam sendo exibidos e estudados por novas gerações de espectadores e cineastas. Sua imagem permanece associada à era de ouro de Hollywood, mas sua influência ultrapassa qualquer período específico da história do cinema. Paul Newman é lembrado não apenas como uma estrela de primeira grandeza, mas como um artista completo e um ser humano exemplar, cuja contribuição para a cultura e para a sociedade permanece viva muitos anos após sua partida.

Um De Nós Morrerá

Um De Nós Morrerá

A história do famoso Billy The Kid (1859 - 1881) já foi contada inúmeras vezes ao longo dos anos pelo cinema americano. Geralmente o pistoleiro que surge nas telas é muito distante do que viveu no Novo México no século XIX. De fato a grande maioria dos filmes sobre Billy não tem qualquer tipo de ligação com os fatos reais. Acontece que Billy The Kid virou personagem de estórias fantasiosas que acabaram criando sua fama e mito. Isso já acontecia no século 19 e continuou ao longo das décadas. O personagem de ficção é um justiceiro, de esporas prateadas, defensor da honra, justiça e liberdade.

O Billy The Kid da história real ficava bem longe disso. Era realmente um assassino profissional ao qual são creditadas inúmeras mortes (algumas estimativas afirmam que matou mais de 20 pessoas). O que criou sua notoriedade foi a participação que teve na chamada guerra do Condado de Lincoln. Após ver seu patrão inglês ser morto por motivos comerciais, Billy e outros capangas formaram um bando chamado "Os Justiceiros", cujo principal objetivo era matar os assassinos de seu chefe. Nesse conflito, no qual morreram várias pessoas, Billy foi responsabilizado pela morte do Xerife de Lincoln. Condenado à forca conseguiu escapar, matando mais dois homens da lei na prisão onde se encontrava. Perseguido pelo Xerife Pat Garrett finalmente foi encontrado numa cidadezinha do Novo México, onde foi finalmente morto por Pat, que diziam ter laços de amizade com Billy.

O filme "Um De Nós Morrerá" conta essa história. Na época de seu lançamento os produtores anunciaram que seria o mais fiel retrato dos acontecimentos. A intenção era deixar o Billy The Kid da fantasia de lado para mostrar o verdadeiro homem por trás do mito. Em pouco mais de 90 minutos o roteiro se propõe a justamente isso. O problema é que o roteiro (baseado na obra do grande Gore Vidal) cortou passagens vitais para se entender Billy e a Guerra do Condado de Lincoln (que inclusive não é citada no filme). Assim em termos histórico o filme surge extremamente resumido, simplificado. A produção também contou com um orçamento muito restrito, que tirou da obra aquela grandiosidade que estamos acostumados a ver nos grandes filmes de western da década de 50.

O grande mérito de "Um de Nós Morrerá" surge porém na muito inspirada atuação do ator Paul Newman. Ele realmente surpreende ao mostrar um Billy The Kid nada glamouroso. Pelo contrário, o que vemos é um cowboy rústico, meio abobalhado e sem muita noção das coisas que faz (algo que bate certamente com o Billy real). Esse aliás deveria ter sido o primeiro faroeste de James Dean, que obviamente se encaixaria muito bem no papel do conturbado Billy. Quando morreu o estúdio pensou em arquivar o projeto mas com o surgimento de Paul Newman o filme renasceu das cinzas. "Um De Nós Morrerá" não é definitivo, nem muito menos completo, apresenta lacunas enormes da história do famoso criminoso, mas pelo menos adotou uma postura realista - algo que seria seguido em filmes posteriores. Não chega a ser um grande filme mas é um marco nesse sentido, certamente.

Um De Nós Morrerá (The Left Handed Gun, Estados Unidos, 1958) Direção: Arthur Penn / Roteiro: Leslie Stevens baseado na obra de Gore Vidal / Elenco: Paul Newman, Lita Milan, Hurd Hatfield, John Dehner, James Best, James Congdon, Denver Pyle. / Sinopse: Cinebiografia do famoso pistoleiro do velho oeste, Billy The Kid (Paul Newman). Após ver seu patrão morto por um grupo de assassinos contratados por um comerciante rival, Billy e seus colegas resolvem fazer justiça pelas próprias mãos.

Pablo Aluísio. 

Paul Newman - The Long, Hot Summer (1958)

Paul Newman - The Long, Hot Summer (1958)

O filme O Mercador de Almas (The Long, Hot Summer) foi lançado em 3 de abril de 1958, dirigido por Martin Ritt e estrelado por Paul Newman, Joanne Woodward, Orson Welles, Anthony Franciosa, Lee Remick e Angela Lansbury. Inspirado em contos e personagens criados por William Faulkner, o filme se passa em uma pequena cidade do sul dos Estados Unidos durante um verão sufocante. A história acompanha Ben Quick, um jovem ambicioso e carismático que chega à cidade carregando a reputação de incendiário. Sua presença chama a atenção do poderoso fazendeiro Will Varner, que vê nele um possível sucessor para administrar seus negócios e, talvez, um futuro marido para sua filha Clara. No entanto, Clara é uma mulher independente e resistente às tentativas do pai de controlar sua vida. Entre disputas familiares, ambições pessoais e tensões românticas, Ben tenta conquistar seu espaço em uma comunidade desconfiada. O calor intenso funciona como metáfora para os conflitos emocionais dos personagens. Assim, mistura drama, romance e estudo de personagens em uma narrativa marcante.

Quando foi lançado, recebeu uma recepção crítica amplamente positiva. O The New York Times destacou que o filme era “um drama vigoroso, repleto de personagens fortes e interpretações memoráveis”. Já o Los Angeles Times elogiou especialmente a atuação de Paul Newman, observando que o ator demonstrava “uma presença magnética que domina a tela”. A revista Variety descreveu o longa como “uma adaptação inteligente e envolvente do universo de William Faulkner”. Muitos críticos elogiaram a direção de Martin Ritt, que conseguiu capturar a atmosfera do sul americano sem cair em estereótipos simplistas. A química entre Paul Newman e Joanne Woodward também foi amplamente celebrada. O filme foi visto como uma produção madura e sofisticada, voltada para um público adulto. Dessa forma, a crítica reconheceu a obra como um dos dramas mais interessantes de 1958.

A repercussão crítica tornou-se ainda mais favorável após sua exibição em festivais internacionais. No Festival de Cannes de 1958, Paul Newman recebeu o prêmio de Melhor Ator, reconhecimento que ajudou a consolidar sua posição entre os maiores talentos de sua geração. Muitos críticos destacaram a intensidade emocional de sua interpretação de Ben Quick. Publicações como The New Yorker elogiaram o filme por sua combinação de romance, conflito social e análise psicológica dos personagens. A atuação de Orson Welles também recebeu atenção especial, graças à força e à autoridade que trouxe ao papel de Will Varner. Embora o filme não tenha sido um grande competidor no Oscar daquele ano, sua reputação crítica permaneceu elevada. Com o passar das décadas, estudiosos passaram a considerá-lo uma das melhores adaptações inspiradas na obra de Faulkner. Assim, sua importância artística continuou a crescer.

Do ponto de vista comercial foi um sucesso significativo. O filme beneficiou-se da crescente popularidade de Paul Newman, que havia conquistado reconhecimento com produções anteriores como Cat on a Hot Tin Roof. O público respondeu favoravelmente à combinação de romance, drama familiar e tensão emocional. As bilheterias foram sólidas tanto nos Estados Unidos quanto em diversos mercados internacionais. A presença de Joanne Woodward, uma atriz já muito respeitada, também ajudou a atrair espectadores. O longa permaneceu em cartaz por várias semanas e teve boa vida posterior na televisão. Muitos espectadores apreciaram especialmente o relacionamento turbulento entre Ben e Clara. Assim, o filme consolidou-se como um sucesso comercial e artístico. Seu desempenho ajudou a fortalecer ainda mais a carreira de seus protagonistas.

Atualmente é considerado um dos melhores dramas românticos produzidos em Hollywood durante os anos 1950. O filme é frequentemente lembrado pela química extraordinária entre Paul Newman e Joanne Woodward, que eram casados na vida real e se tornaram um dos casais mais famosos da história do cinema. Críticos modernos elogiam a direção segura de Martin Ritt, a força do roteiro e a qualidade das interpretações. A atuação de Newman continua sendo considerada uma das melhores de sua carreira inicial. O filme também é valorizado por sua representação das tensões sociais e familiares do sul americano. Novas gerações de cinéfilos continuam descobrindo a obra por meio de restaurações e exibições em canais especializados. Dessa forma, sua reputação permanece extremamente sólida. O Mercador de Almas continua sendo um clássico elegante e envolvente do cinema americano.

O Mercador de Almas (The Long, Hot Summer, Estados Unidos, 1958) Direção: Martin Ritt / Roteiro: Irving Ravetch e Harriet Frank Jr., baseado em contos e personagens das obras The Hamlet e outras histórias de William Faulkner / Elenco: Paul Newman, Joanne Woodward, Orson Welles, Anthony Franciosa, Lee Remick e Angela Lansbury / Sinopse: Um jovem ambicioso chega a uma pequena cidade do sul dos Estados Unidos e se envolve nos conflitos de uma poderosa família local, enquanto tenta conquistar a confiança do patriarca e o coração de sua filha.

Erick Steve. 

O Mercador de Almas

O Mercador de Almas

Em "O Mercador de Almas" temos várias características que fizeram o cinema americano se tornar o melhor do mundo durante a década de 1950 . O elenco é fenomenal. Além de Paul Newman em ótima forma (tanto do ponto de vista de talento como de presença) temos um personagem à prova de falhas interpretado pelo, ora vejam só, o mito do cinema Orson Welles. Nem precisa dizer que ele é realmente a alma de todo o filme. Gorducho, malvado, esbanjando rabugice em cada cena, Welles toma conta de tudo, literalmente. Com filmes como esse percebemos que além de grande cineasta ele também era um ator fantástico. Sua voz de trovão ecoa em cada cena, fazendo os atores que contracenaram com ele sumirem lentamente.

Em termos de roteiro e argumento o filme se parece bastante com outro clássico da filmografia de Newman, "Gata em Teto de Zinco Quente". Esse, assim como aquele, também é ambientado numa típica fazenda do Sul dos EUA. O enredo também gira em torno dos filhos de um rico fazendeiro, seus problemas familiares e as complicações cotidianas dessas famílias. Para completar o "Mercador de Almas" também é inspirado na obra de um grande autor, a novela "The Hamlet" de William Faulkner. A única diferença mais nítida é que "Gata em Teto de Zinco Quente" é bem mais teatral do que esse, mas fora isso são extremamente parecidos. De qualquer forma uma coisa é certa: Ambos os filmes são fundados em excelentes diálogos e interpretações inspiradas. Por essa época Paul Newman havia se tornado um dos grandes atores do cinema, mostrando de forma excepcional que passava muito longe do rótulo vazio de galã, muito pelo contrário, Newman estava sempre se arriscando em personagens com muita profundidade psicológica, complexos, muitas vezes anti-heróis, crápulas, sem o menor remorso moral. Nesse "Mercador de Almas" ele novamente encontra um papel à sua altura. Uma obra cinematográfica do mais alto nível que merece ser redescoberta.

O Mercador de Almas (The Long Hot Summer, Estados Unidos, 1958) Direção: Martin Ritt / Elenco: Paul Newman, Joanne Woodward, Anthony Franciosa, Orson Welles, Lee Remick / Sinopse: Ben Quick (Paul Newman) deixa uma cidade após suspeitarem, sem provas, que é um incendiário. Ele põe o pé na estrada e consegue carona com Eula Varner (Lee Remick) e Clara Varner (Joanne Woodward). Eula é casada com Jody Varner (Anthony Franciosa), cujo pai, Will Varner (Orson Welles), é "dono" de Frenchman's Bend, uma pequena cidade do Mississipi. Já Clara, a filha solteira de Will, trabalha como professora. Ben se estabelece lá e logo consegue uma ascensão meteórica, indo morar na casa do seu patrão, Will. Ele se torna um sério candidato para casar-se com Clara, pois Will não tolera a idéia que ela não lhe deixe herdeiros.

Pablo Aluísio.

Paul Newman - The Helen Morgan Story (1957)

Paul Newman - The Helen Morgan Story (1957)

O filme The Helen Morgan Story foi lançado em 10 de outubro de 1957, dirigido por Michael Curtiz e estrelado por Ann Blyth, Paul Newman, Richard Carlson, Gene Evans, Cara Williams e Alan King. O longa é uma cinebiografia da cantora e atriz Helen Morgan, uma das mais famosas intérpretes da Broadway durante as décadas de 1920 e 1930. A história acompanha sua ascensão meteórica ao estrelato nos clubes noturnos e nos palcos nova-iorquinos, destacando especialmente seu enorme sucesso na produção teatral Show Boat. Paralelamente ao reconhecimento artístico, o filme retrata sua vida pessoal turbulenta, marcada por relacionamentos difíceis, inseguranças emocionais e problemas crescentes com o alcoolismo. À medida que sua carreira atinge o auge, sua vida privada começa a se deteriorar. A narrativa procura mostrar o contraste entre a artista adorada pelo público e a mulher que enfrentava profundas dificuldades pessoais. O filme combina elementos de drama biográfico e musical. Assim, The Helen Morgan Story apresenta um retrato clássico da ascensão e queda de uma estrela do entretenimento.

Quando foi lançado, The Helen Morgan Story recebeu uma recepção crítica positiva, embora não entusiasmada. O The New York Times observou que o filme era “uma biografia convencional, mas conduzida com competência e sensibilidade”. Já o Los Angeles Times elogiou a interpretação de Ann Blyth, destacando sua elegância e capacidade de transmitir a vulnerabilidade da protagonista. A revista Variety descreveu o filme como “um drama bem produzido que consegue despertar interesse mesmo para espectadores pouco familiarizados com Helen Morgan”. Muitos críticos consideraram que a direção experiente de Michael Curtiz ajudava a dar ritmo e emoção à narrativa. Entretanto, alguns especialistas apontaram que o roteiro suavizava certos aspectos mais sombrios da vida real da cantora. Ainda assim, a produção foi reconhecida pela qualidade de sua reconstituição de época. Dessa forma, a recepção inicial foi favorável, ainda que sem o impacto de outras grandes cinebiografias da década.

O aspecto mais comentado pela crítica foi a participação de Paul Newman, que na época começava a consolidar sua posição como uma das grandes promessas de Hollywood. Embora o foco da história fosse Helen Morgan, muitos críticos destacaram a força dramática de Newman em suas cenas. Publicações como The New Yorker elogiaram a elegância visual da produção e a recriação dos ambientes da Broadway e dos clubes noturnos da Era do Jazz. O filme não recebeu indicações importantes ao Oscar, mas foi respeitado pela crítica especializada como uma produção de prestígio da Warner Bros.. Com o passar dos anos, estudiosos do cinema passaram a observar o filme como um exemplo típico das cinebiografias hollywoodianas dos anos 1950, período em que muitos aspectos controversos da vida de figuras públicas eram suavizados para atender aos padrões do Código Hays. Ainda assim, a obra manteve seu valor histórico e artístico. Sua reputação crítica permaneceu estável ao longo do tempo.

Do ponto de vista comercial, The Helen Morgan Story teve um desempenho respeitável, embora não extraordinário. O filme atraiu especialmente espectadores familiarizados com a carreira da verdadeira Helen Morgan e admiradores dos dramas musicais da época. A presença de Paul Newman ajudou a ampliar o interesse do público, enquanto Ann Blyth já era uma atriz bastante conhecida em Hollywood. O longa teve arrecadação suficiente para ser considerado um resultado satisfatório para o estúdio, mas não figurou entre os maiores sucessos de 1957. O público geralmente reagiu de forma positiva à história emocional e às sequências musicais. Exibições posteriores na televisão contribuíram para manter viva a memória da produção. Assim, o filme encontrou seu público e consolidou-se como uma cinebiografia respeitada. Seu desempenho comercial refletiu mais o interesse pelo gênero do que um fenômeno de bilheteria.

Atualmente, The Helen Morgan Story é lembrado principalmente por três motivos: por retratar uma figura importante da história da Broadway, por representar um dos trabalhos tardios do lendário diretor Michael Curtiz e por trazer um jovem Paul Newman em ascensão. Críticos modernos costumam reconhecer as qualidades da produção, embora observem que o filme segue muitas convenções típicas das biografias hollywoodianas dos anos 1950. A atuação de Ann Blyth continua sendo bastante elogiada, especialmente por transmitir a fragilidade emocional da protagonista. O longa também desperta interesse entre pesquisadores da história da música popular americana e do teatro musical. Embora não seja considerado um clássico de primeira linha, mantém uma reputação sólida entre admiradores do cinema biográfico clássico. Sua reconstrução da era dos grandes clubes noturnos continua atraente. Dessa forma, The Helen Morgan Story permanece uma obra respeitável e interessante dentro da filmografia de seu período.

Com Lágrimas na Voz (The Helen Morgan Story, Estados Unidos, 1957) Direção: Michael Curtiz / Roteiro: Oscar Saul, Dean Riesner e Stephen Longstreet, baseado na vida de Helen Morgan /

Elenco: Ann Blyth, Paul Newman, Richard Carlson, Gene Evans, Cara Williams e Alan King /

Sinopse: A trajetória da cantora Helen Morgan, desde sua ascensão ao estrelato na Broadway até os problemas pessoais e profissionais que ameaçaram destruir sua carreira e sua vida.

Erick Steve. 

Os Astros: Yul Brynner

Os Astros: Yul Brynner

Yul Brynner foi uma das figuras mais marcantes do cinema e do teatro do século XX. Dono de uma presença imponente, voz grave e aparência inconfundível, tornou-se um dos atores mais reconhecidos de sua geração. Nascido como Yuliy Borisovich Bryner em 11 de julho de 1920, na cidade de Vladivostok, na então Rússia, teve uma infância marcada por mudanças e dificuldades familiares. Após a separação dos pais, viveu em diferentes países, incluindo China e França, antes de se estabelecer nos Estados Unidos. Essa trajetória internacional contribuiu para a aura exótica e cosmopolita que o acompanharia ao longo de toda a carreira. Antes de se tornar ator, trabalhou como músico, cantor e até artista de circo. Sua vida foi tão fascinante quanto muitos dos personagens que interpretou nas telas.

O grande momento de sua carreira surgiu em 1951, quando foi escolhido para interpretar o rei do Sião no musical da Broadway The King and I. Para o papel, raspou a cabeça, uma decisão que acabaria se transformando em sua marca registrada para o resto da vida. O espetáculo tornou-se um enorme sucesso e Brynner conquistou elogios da crítica e do público. Sua interpretação era tão admirada que ele repetiu o papel milhares de vezes ao longo de mais de três décadas. Poucos atores na história ficaram tão identificados com um único personagem. O desempenho no palco abriu as portas para Hollywood e o transformou em uma estrela internacional. Sua figura elegante, autoritária e carismática tornou-se instantaneamente reconhecível em todo o mundo.

Em 1956, Brynner levou o personagem para o cinema no filme The King and I, uma adaptação que se tornaria um dos maiores musicais da história de Hollywood. Sua atuação lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator, consagrando definitivamente sua carreira. No mesmo ano, participou do épico bíblico The Ten Commandments, dirigido por Cecil B. DeMille, interpretando o faraó Ramsés II ao lado de Charlton Heston. A combinação desses dois sucessos consolidou sua posição entre os maiores astros da década de 1950. Sua aparência distinta e seu estilo de atuação intenso fizeram dele uma escolha frequente para personagens fortes, líderes militares, reis e figuras históricas. Naquele período, poucos atores possuíam uma presença tão poderosa diante das câmeras.

Durante os anos 1960, Yul Brynner participou de vários clássicos do cinema. Um dos mais famosos foi The Magnificent Seven, no qual interpretou Chris Adams, líder de um grupo de pistoleiros contratados para defender uma aldeia mexicana. O filme tornou-se um dos faroestes mais populares de todos os tempos e ajudou a eternizar sua imagem no gênero western. Também atuou em produções como Anastasia, The Brothers Karamazov e The Buccaneer. Décadas depois, conquistou uma nova geração de espectadores ao interpretar o assustador pistoleiro robô no filme de ficção científica Westworld. Sua capacidade de transitar entre diferentes gêneros demonstrava a versatilidade que marcou toda a sua carreira.

A vida pessoal de Brynner foi bastante movimentada. Casou-se quatro vezes e teve cinco filhos. Além da carreira artística, era fotógrafo talentoso e dedicou parte de seu tempo a projetos humanitários e culturais. Conhecido por seu charme e elegância, manteve amizades com importantes personalidades do cinema, da política e das artes. Sua origem multicultural e seu domínio de diversos idiomas contribuíram para sua imagem de cidadão do mundo. Apesar do enorme sucesso, preservava uma certa aura de mistério, alimentando histórias sobre suas origens e sua juventude. Essa combinação de talento, carisma e exotismo ajudou a transformá-lo em uma figura única na história do entretenimento.

Nos últimos anos de vida, Brynner enfrentou um câncer de pulmão causado pelo tabagismo. Mesmo doente, continuou trabalhando e retomando ocasionalmente seu papel mais famoso em The King and I. Faleceu em 10 de outubro de 1985, aos 65 anos, em Nova York. Pouco antes de sua morte, gravou uma campanha pública alertando sobre os perigos do cigarro, mensagem que foi amplamente divulgada após seu falecimento. Seu legado permanece vivo através de seus filmes, de suas apresentações teatrais e de sua influência sobre gerações de atores. Até hoje, Yul Brynner é lembrado como uma das personalidades mais carismáticas do cinema clássico, um artista cuja imagem continua imediatamente reconhecível décadas após sua morte.

Erick Steve. 

Lafite - O Corsário

Título no Brasil: Lafite - O Corsário

Título Original: The Buccaneer

Ano de Lançamento: 1958

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Pictures

Direção: Anthony Quinn

Produção: Cecil B. DeMille

Roteiro: Jesse L. Lasky Jr.

Elenco: Yul Brynner, Charlton Heston, Claire Bloom, Charles Boyer, Inger Stevens, E. G. Marshall

Sinopse:

Baseado em acontecimentos reais da Guerra de 1812, o filme narra a história de Jean Lafitte, o lendário corsário que operava no Golfo do México no início do século XIX. Embora fosse considerado um fora da lei pelas autoridades americanas, Lafitte acaba desempenhando um papel decisivo na defesa de Nova Orleans contra as forças britânicas. À medida que a invasão inimiga se aproxima, o pirata precisa decidir entre seus próprios interesses e a oportunidade de lutar ao lado dos Estados Unidos em um momento crucial da história do país. Paralelamente, desenvolvem-se conflitos políticos, militares e românticos que ampliam a escala épica da narrativa.

Comentários:

The Buccaneer foi uma refilmagem do clássico homônimo produzido por Cecil B. DeMille em 1938. Já bastante debilitado por problemas de saúde, DeMille supervisionou o projeto, mas entregou a direção a Anthony Quinn. Na época do lançamento, a crítica americana reconheceu a grandiosidade da produção, especialmente nas cenas de batalha e na recriação histórica da Nova Orleans do início do século XIX. O jornal The New York Times elogiou o espetáculo visual e destacou a presença carismática de Yul Brynner, observando que o ator dominava praticamente todas as cenas em que aparecia. A revista Variety ressaltou a qualidade dos cenários, figurinos e da fotografia em cores, embora tenha considerado que o roteiro sacrificava parte da precisão histórica em favor do entretenimento. Muitos críticos também elogiaram a participação de Charlton Heston como o general Andrew Jackson, figura que anos depois se tornaria o sétimo presidente dos Estados Unidos.

Com o passar do tempo, The Buccaneer passou a ser visto como um exemplo clássico dos grandes épicos históricos produzidos por Hollywood durante os anos 1950. O Los Angeles Times observou em retrospectivas que o filme representa o fim de uma era marcada por produções grandiosas, realizadas antes do declínio dos grandes estúdios tradicionais. Alguns críticos modernos apontam que a narrativa possui ritmo irregular e personagens secundários pouco desenvolvidos, mas destacam que a obra continua impressionante pela escala de produção e pela força visual. A revista Time já havia descrito o longa como uma aventura histórica exuberante, valorizando especialmente o trabalho de Brynner. Atualmente, o filme é lembrado sobretudo por sua importância dentro da filmografia de Yul Brynner e por representar uma das últimas produções associadas ao legado de Cecil B. DeMille. Para fãs de aventuras históricas e do cinema épico clássico, continua sendo uma obra respeitada e frequentemente revisitada por sua combinação de ação, romance e recriação histórica.

Erick Steve. 

Os Irmãos Karamazov

Título no Brasil: Os Irmãos Karamazov

Título Original: The Brothers Karamazov

Ano de Lançamento: 1958

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer

Direção: Richard Brooks

Roteiro: Richard Brooks, Julius J. Epstein, Philip G. Epstein

Elenco: Yul Brynner, Maria Schell, Claire Bloom, Lee J. Cobb, Richard Basehart, William Shatner

Sinopse:

Baseado no célebre romance de Fyodor Dostoevsky, o filme acompanha os turbulentos conflitos da família Karamazov na Rússia do século XIX. O patriarca Fiódor Karamazov é um homem egoísta, corrupto e moralmente decadente, cuja relação conturbada com seus filhos gera rivalidades cada vez mais perigosas. Dmitri, impulsivo e apaixonado; Ivan, intelectual e cético; e Alexei, profundamente religioso, representam diferentes visões sobre moralidade, fé e natureza humana. Quando um assassinato abala a família, antigas tensões vêm à tona, levando os personagens a confrontar culpa, justiça, amor e redenção em uma trama marcada por intensos dilemas filosóficos e emocionais.

Comentários:

A adaptação de Richard Brooks foi recebida com respeito pela crítica americana, embora muitos reconhecessem a enorme dificuldade de condensar um dos romances mais complexos da literatura mundial em pouco mais de duas horas de duração. O jornal The New York Times elogiou a ambição da produção e destacou o trabalho de Yul Brynner, observando que sua interpretação de Dmitri Karamazov conferia energia e intensidade dramática ao filme. A revista Variety considerou a obra uma adaptação digna e visualmente elegante, ressaltando a fotografia, os cenários e a qualidade do elenco. Muitos críticos também destacaram a atuação de Lee J. Cobb como o patriarca Karamazov, descrevendo seu personagem como uma figura repulsiva, mas fascinante. Apesar dos inevitáveis cortes no material original, a direção de Richard Brooks recebeu elogios por conseguir preservar parte da profundidade emocional e dos conflitos morais presentes no romance de Dostoiévski. O filme acabou recebendo diversas indicações a premiações importantes e consolidou-se como uma das adaptações literárias mais ambiciosas da década de 1950.

Com o passar dos anos, a reputação do filme cresceu entre estudiosos de cinema e admiradores da obra de Dostoiévski. O Los Angeles Times observou em retrospectivas que a produção representa um período em que Hollywood investia fortemente em adaptações de grandes clássicos literários, mesmo quando os desafios narrativos eram enormes. Alguns críticos modernos apontam que o filme simplifica discussões filosóficas centrais do romance, especialmente as relacionadas à fé, ao livre-arbítrio e à existência de Deus. Ainda assim, o consenso é que a obra preserva com competência o drama humano que tornou o livro famoso. A revista Time destacou a força emocional do elenco e a capacidade do roteiro de manter acessível uma história extremamente densa para o público geral. Hoje, Os Irmãos Karamazov é lembrado como uma das mais importantes adaptações hollywoodianas de Dostoiévski, servindo tanto como porta de entrada para novos leitores quanto como um respeitável esforço cinematográfico para traduzir uma das maiores obras da literatura universal para as telas.

Erick Steve. 

Anastacia - A Princesa Esquecida

Título no Brasil: Anastácia, a Princesa Esquecida

Título Original: Anastasia

Ano de Lançamento: 1956

País: Estados Unidos

Estúdio: 20th Century Fox

Direção: Anatole Litvak

Roteiro: Arthur Laurents

Elenco: Ingrid Bergman, Yul Brynner, Helen Hayes, Martita Hunt

Sinopse:

O filme Anastasia acompanha uma mulher amnésica encontrada em Paris anos após a queda da família imperial russa. Um ex-general russo, vivendo no exílio, acredita que ela possa ser apresentada ao mundo como a Grã-Duquesa Anastásia Nikolaevna, supostamente sobrevivente da execução da família Romanov durante a Revolução Russa. Inicialmente vista como parte de um plano para recuperar uma herança milionária, a jovem começa a convencer até mesmo os mais céticos de que talvez seja realmente a princesa desaparecida. À medida que o mistério se aprofunda, surgem dúvidas sobre sua verdadeira identidade e sobre os sentimentos das pessoas que a cercam.

Comentários:

Anastasia marcou o retorno triunfal de Ingrid Bergman a Hollywood após vários anos afastada do cinema americano. Sua interpretação foi recebida com entusiasmo pela crítica e lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz. O jornal The New York Times elogiou a atuação da atriz, destacando sua capacidade de transmitir fragilidade, dignidade e mistério ao mesmo tempo. A revista Variety descreveu sua performance como "uma das mais refinadas e emocionantes de sua carreira", observando que o filme dependia quase inteiramente de sua presença em cena. Também recebeu muitos elogios a atuação de Yul Brynner, que oferece uma interpretação elegante e contida, servindo como contraponto perfeito à intensidade emocional de Bergman. A direção de Anatole Litvak foi frequentemente apontada como um dos fatores que ajudaram a transformar uma história potencialmente melodramática em um drama sofisticado e envolvente.

Ao longo das décadas, Anastasia consolidou-se como uma das mais prestigiadas produções históricas dos anos 1950. Embora pesquisas posteriores tenham comprovado que a verdadeira Anastásia Romanov não sobreviveu ao massacre da família imperial, o filme continua sendo admirado por seu valor dramático e romântico, independentemente da precisão histórica. O Los Angeles Times destacou em retrospectivas que a obra representa uma era em que Hollywood combinava fatos históricos e ficção de maneira grandiosa e emocional. Críticos da revista Time também ressaltaram a elegância visual da produção, os figurinos luxuosos e a atmosfera melancólica que permeia toda a narrativa. Hoje, o filme é lembrado não apenas pela qualidade artística, mas também por ter proporcionado um dos retornos mais celebrados da história do cinema. Para muitos estudiosos, trata-se de um exemplo clássico do poder do estrelato hollywoodiano, sustentado por uma atuação memorável de Ingrid Bergman e por uma narrativa que mistura mistério, romance e nostalgia histórica de forma extremamente eficaz.

Erick Steve. 

O Rei e Eu

O Rei e Eu

O filme The King and I foi lançado em 29 de junho de 1956, dirigido por Walter Lang e estrelado por Yul Brynner, Deborah Kerr, Rita Moreno, Martin Benson, Terry Saunders e Carlos Rivas. Baseado no famoso musical da Broadway criado por Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II, o filme conta a história de Anna Leonowens, uma professora britânica viúva que viaja ao Sião do século XIX para educar os filhos do rei Mongkut. Ao chegar ao palácio, Anna encontra uma cultura profundamente diferente da sua e passa a enfrentar choques culturais constantes. O relacionamento entre Anna e o rei evolui de confrontos e desentendimentos para respeito mútuo e admiração. O filme mistura romance, drama histórico e números musicais grandiosos. A narrativa explora temas como tradição, modernização e diferenças culturais. O carisma de Yul Brynner no papel do rei tornou-se um dos elementos centrais da obra. A produção também impressiona pelos figurinos luxuosos e cenários elaborados. Assim, The King and I consolidou-se como um dos grandes musicais clássicos de Hollywood.

Quando foi lançado, The King and I recebeu uma recepção crítica extremamente positiva. O The New York Times elogiou o filme como “um musical majestoso, repleto de elegância e emoção”. Já o Los Angeles Times destacou a performance de Yul Brynner, afirmando que ele entregava “uma atuação magnética e inesquecível”. A revista Variety comentou que o longa era “um espetáculo luxuoso que honra plenamente o sucesso da Broadway”. Muitos críticos elogiaram a química entre Deborah Kerr e Yul Brynner, além da qualidade dos números musicais. A direção de Walter Lang também recebeu reconhecimento por equilibrar intimidade emocional e grandiosidade visual. A crítica destacou especialmente canções como “Getting to Know You” e “Shall We Dance?”. O filme foi amplamente considerado uma das grandes produções musicais da década de 1950. Assim, conquistou aclamação imediata da imprensa especializada.

A recepção crítica tornou-se ainda mais forte após a temporada de premiações. The King and I recebeu 9 indicações ao Oscar e venceu 5, incluindo Melhor Ator para Yul Brynner, além de prêmios por figurino, direção de arte e trilha sonora. Deborah Kerr também recebeu muitos elogios por sua atuação elegante e emocional. Publicações como The New Yorker destacaram que o filme era “uma combinação rara de inteligência, humor e espetáculo visual”. A interpretação de Brynner passou a ser considerada uma das mais icônicas da história dos musicais. Muitos críticos também elogiaram a adaptação cinematográfica por manter a essência teatral sem perder a força do cinema. Com o passar das décadas, o filme consolidou sua posição como um clássico absoluto do gênero musical. A trilha sonora tornou-se extremamente popular e influente. Assim, a reputação crítica do filme permaneceu sólida e admirada ao longo do tempo.

Do ponto de vista comercial, The King and I foi um enorme sucesso de bilheteria. O filme arrecadou cifras impressionantes para a época e tornou-se uma das maiores bilheterias de 1956. O público respondeu de forma entusiasmada ao romance, à música e ao visual grandioso da produção. A popularidade de Yul Brynner cresceu enormemente após o lançamento. O longa também teve excelente desempenho internacional, especialmente na Europa e na Ásia. Exibições prolongadas nos cinemas ajudaram a transformar o filme em um fenômeno cultural. Além disso, relançamentos posteriores e exibições televisivas mantiveram sua popularidade viva por décadas. O filme também impulsionou novas montagens teatrais do musical ao redor do mundo. Assim, seu impacto comercial foi enorme. The King and I tornou-se um dos musicais mais lucrativos e celebrados de sua época.

Atualmente, The King and I é considerado um dos maiores musicais clássicos da história do cinema. A atuação de Yul Brynner permanece lendária e profundamente associada ao personagem do rei Mongkut. O filme continua sendo admirado pela elegância de sua produção e pela força de suas canções. Críticos modernos reconhecem tanto suas qualidades artísticas quanto os debates contemporâneos sobre representação cultural e orientalismo presentes na obra. Ainda assim, a direção refinada, os figurinos e a química entre os protagonistas continuam sendo amplamente elogiados. O longa segue influenciando adaptações musicais e produções históricas até hoje. Novas gerações continuam descobrindo o filme através de restaurações e edições especiais. Dessa forma, sua importância histórica permanece incontestável. The King and I continua sendo uma referência fundamental do cinema musical clássico.

O Rei e Eu (The King and I, Estados Unidos, 1956) Direção: Walter Lang / Roteiro: Ernest Lehman, baseado no musical de Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II, inspirado nos livros de Anna Leonowens / Elenco: Yul Brynner, Deborah Kerr, Rita Moreno, Martin Benson, Terry Saunders e Carlos Rivas / Sinopse: Uma professora britânica viaja ao Sião para educar os filhos do rei Mongkut, desenvolvendo uma relação marcada por conflitos culturais, respeito mútuo e transformação pessoal.

Erick Steve. 

As Estrelas: Elizabeth Taylor

As Estrelas: Elizabeth Taylor

Elizabeth Taylor foi uma das maiores estrelas da história de Hollywood e tornou-se um símbolo mundial de glamour, talento e celebridade ao longo do século XX. Nascida em 1932, em Londres, na Inglaterra, ela era filha de americanos que viviam no exterior por motivos profissionais. Com o início da Segunda Guerra Mundial, sua família retornou aos Estados Unidos e se estabeleceu na Califórnia, onde a beleza impressionante da jovem Elizabeth rapidamente chamou atenção da indústria cinematográfica. Ainda criança, ela começou a atuar em pequenos papéis até conquistar fama internacional com filmes produzidos pela Metro-Goldwyn-Mayer. Seus olhos violetas, beleza clássica e enorme presença diante das câmeras fizeram dela uma das atrizes mais admiradas de sua geração. O sucesso veio muito cedo, especialmente após sua atuação em National Velvet, obra que a transformou em estrela infantil mundial. Durante os anos seguintes, Elizabeth Taylor passou da condição de atriz mirim para uma sofisticada protagonista do cinema adulto, conseguindo algo raro em Hollywood: manter o sucesso em diferentes fases da vida. Sua trajetória artística atravessou décadas de transformações no cinema americano. Além do talento dramático, ela tornou-se uma figura constantemente presente nas manchetes de jornais e revistas de celebridades.

Durante as décadas de 1950 e 1960, Elizabeth Taylor consolidou-se como uma das atrizes mais importantes do cinema mundial. Ela participou de diversos filmes clássicos e demonstrou enorme versatilidade em dramas, romances e produções históricas grandiosas. Obras como A Place in the Sun, Giant e Cat on a Hot Tin Roof ajudaram a fortalecer sua reputação como atriz dramática de primeira linha. Elizabeth trabalhou ao lado de alguns dos maiores nomes de Hollywood, incluindo James Dean, Paul Newman e Montgomery Clift. Sua amizade profunda com Montgomery Clift marcou sua vida pessoal, especialmente após o grave acidente automobilístico sofrido pelo ator em 1956, quando Elizabeth ajudou a salvar sua vida antes da chegada dos médicos. Em 1960, ela conquistou o primeiro Oscar da carreira por sua atuação em BUtterfield 8. Poucos anos depois, venceria novamente o prêmio com sua performance em Who's Afraid of Virginia Woolf?, considerado um dos maiores trabalhos de sua carreira. Sua capacidade de interpretar personagens intensos e emocionalmente complexos consolidou seu nome entre as maiores atrizes da história do cinema.

Um dos episódios mais famosos da vida de Elizabeth Taylor envolveu a superprodução Cleopatra, um dos filmes mais caros já produzidos até então. Durante as filmagens, Elizabeth interpretou a lendária rainha egípcia Cleópatra e tornou-se a primeira atriz da história a receber um salário milionário em Hollywood. Entretanto, o filme ficou ainda mais conhecido pelo romance explosivo entre Elizabeth Taylor e Richard Burton, seu parceiro de cena. O relacionamento dos dois causou enorme escândalo internacional, pois ambos eram casados na época. A paixão intensa entre Elizabeth e Burton transformou-se em uma das histórias de amor mais comentadas do século XX. O casal casou-se, separou-se, reconciliou-se e voltou a casar novamente anos depois, mantendo uma relação marcada por amor, conflitos, luxo e dramatismo constante. Juntos, participaram de diversos filmes e tornaram-se um dos casais mais famosos da história do entretenimento. Elizabeth Taylor também ficou conhecida por seu estilo sofisticado, suas joias milionárias e sua vida cercada de glamour. Seus casamentos — ao todo foram oito uniões — tornaram-se assunto frequente da imprensa internacional. A atriz passou a representar não apenas o cinema clássico de Hollywood, mas também o nascimento da cultura moderna das celebridades globais.

Apesar da fama e do luxo, Elizabeth Taylor enfrentou inúmeros problemas pessoais e de saúde ao longo da vida. Ela sofreu acidentes graves, problemas cardíacos, complicações respiratórias e diversas cirurgias. Em vários momentos, chegou a correr risco de morte. Além disso, enfrentou períodos difíceis relacionados ao uso de medicamentos e álcool, algo que a própria atriz discutiu publicamente em determinadas fases da carreira. Mesmo diante dessas dificuldades, Elizabeth demonstrava enorme força pessoal e conseguia retornar ao trabalho repetidas vezes. A partir dos anos 1980, ela passou a dedicar grande parte de sua vida ao ativismo humanitário, especialmente na luta contra a AIDS. Em um período em que muitos evitavam falar sobre a doença devido ao preconceito, Elizabeth Taylor tornou-se uma das primeiras grandes celebridades a defender publicamente pacientes e campanhas de conscientização. Ela ajudou a arrecadar milhões de dólares para pesquisas médicas e fundações de apoio a pessoas infectadas pelo HIV. Sua atuação humanitária foi amplamente reconhecida internacionalmente e ajudou a mudar a percepção pública sobre a doença. A atriz utilizou sua fama mundial para chamar atenção para causas sociais importantes. Esse trabalho acabou se tornando uma das partes mais admiradas de sua trajetória fora das telas.

Elizabeth Taylor faleceu em 2011, aos 79 anos, deixando um legado gigantesco para a história do cinema e da cultura popular mundial. Sua imagem permanece associada à era dourada de Hollywood, período em que os grandes estúdios transformavam atores em figuras quase míticas diante do público. Poucas artistas conseguiram unir beleza, talento dramático, carisma e vida pessoal tão intensamente acompanhada pela imprensa internacional. Elizabeth Taylor influenciou gerações de atrizes e continua sendo lembrada como uma das mulheres mais famosas do século XX. Seus filmes permanecem populares até hoje, especialmente entre admiradores do cinema clássico americano. Além de sua contribuição artística, sua coragem ao defender causas humanitárias garantiu reconhecimento muito além do universo cinematográfico. A atriz também ficou marcada por sua personalidade forte, independência e capacidade de sobreviver a inúmeros momentos difíceis ao longo da vida. Seus romances, casamentos e amizades continuam despertando fascínio entre historiadores, jornalistas e fãs de cinema. O nome de Elizabeth Taylor permanece eternamente ligado ao glamour clássico de Hollywood. Sua trajetória mistura talento artístico, escândalos, luxo, sofrimento e generosidade, consolidando-a como uma das figuras mais inesquecíveis da história do entretenimento mundial.

A Coragem de Lassie

Título no Brasil: A Coragem de Lassie

Título Original: Courage of Lassie

Ano de Lançamento: 1946

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer

Direção: Fred M. Wilcox

Roteiro: Robert Ardrey

Elenco: Elizabeth Taylor, Frank Morgan, Tom Drake, Selena Royle

Sinopse:

O filme Courage of Lassie conta a história de Bill, um cachorro da raça collie que é adotado por uma jovem chamada Kathie Merrick. Criado em um ambiente afetuoso e tranquilo, o animal desenvolve forte ligação com sua dona. Porém, durante a Segunda Guerra Mundial, Bill é enviado para servir ao exército como cão de guerra. Após viver experiências traumáticas nos campos de batalha, ele retorna profundamente abalado e agressivo, tornando-se incapaz de conviver normalmente com as pessoas. Kathie então luta para recuperar a confiança e o equilíbrio emocional do animal, tentando provar que ainda existe bondade dentro dele.

Comentários:

Courage of Lassie é um drama emocional que combina aventura, guerra e amizade entre humanos e animais. Embora utilize o famoso nome “Lassie”, a história não possui ligação direta com a continuidade dos filmes anteriores da personagem, funcionando como uma narrativa independente. Elizabeth Taylor, ainda muito jovem, demonstra mais uma vez seu talento e presença de tela em uma produção familiar típica da MGM dos anos 1940. O filme também chama atenção por abordar, de forma relativamente incomum para a época, os traumas psicológicos causados pela guerra — neste caso refletidos no comportamento do cão. Com forte apelo sentimental e bela fotografia em Technicolor, tornou-se uma lembrada produção clássica envolvendo a famosa collie do cinema.

Erick Steve. 

A Mocidade é Assim Mesmo

Título no Brasil: A Mocidade é Assim Mesmo

Título Original: National Velvet

Ano de Lançamento: 1944

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer

Direção: Clarence Brown

Roteiro: Helen Deutsch, Theodore Reeves

Elenco: Elizabeth Taylor, Mickey Rooney, Donald Crisp, Anne Revere, Angela Lansbury

Sinopse:

O filme National Velvet acompanha Velvet Brown, uma jovem apaixonada por cavalos que sonha em participar da tradicional corrida inglesa Grand National. Quando ela ganha um cavalo considerado indomável, acredita que encontrou a oportunidade de transformar seu sonho em realidade. Com a ajuda de um ex-jóquei vivido por Mickey Rooney, Velvet treina o animal secretamente para competir em uma das corridas mais difíceis e prestigiadas do mundo. A jornada da garota envolve perseverança, coragem e superação de barreiras sociais e pessoais.

Comentários:

National Velvet é um dos filmes mais famosos da juventude de Elizabeth Taylor, ajudando a transformá-la em uma das maiores estrelas de Hollywood. Sua atuação carismática e natural impressionou crítica e público, mesmo ela sendo ainda adolescente na época das filmagens. O filme mistura drama familiar, aventura e emoção esportiva, tornando-se um clássico do cinema voltado para toda a família. Também é lembrado pela belíssima fotografia em Technicolor e pelo forte apelo emocional da história. Ao longo das décadas, a obra consolidou-se como um dos grandes filmes sobre cavalos e sobre a realização de sonhos, mantendo enorme prestígio dentro da história do cinema americano.

Erick Steve. 

Evocação

Título no Brasil: Evocação
Título Original: The White Cliffs of Dover
Ano de Produção: 1944
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer
Direção: Clarence Brown
Roteiro: Claudine West
Elenco: Irene Dunne, Alan Marshal, Roddy McDowall, Elizabeth Taylor

Sinopse:
O filme narra a estória dramática da vida de Susan Ashwood (Irene Dunne), uma enfermeira americana em Londres que ajuda na recuperação e tratamento de centenas de feridos em combate. Seu trabalho se torna ainda mais importante quando seu próprio filho volta do campo de batalha, completamente destruído tanto do ponto de vista físico como psicológico. 

Comentários:
Outro filme da infância de Liz Taylor (ela tinha apenas 10 anos de idade quando a produção foi filmada). O roteiro foi baseado no poema de  Alice Duer Miller, o que já nos dá uma ideia de como o cinema era lírico naqueles tempos. Outro fato digno de nota em relação à pequena Elizabeth Taylor é que esse foi o primeiro filme com ela no elenco a concorrer ao Oscar, na categoria Melhor Fotografia em preto e branco (méritos do excelente diretor de fotografia, o respeitado e conhecido George J. Folsey, que merecia ter levado o prêmio para casa). Embora possa ser classificado como um drama de guerra com pitadas de  tragédia, esse filme tem como grande virtude resgatar um pouco do heroísmo das mulheres que serviram como enfermeiras durante a sangrenta segunda guerra mundial. Importante salientar que quando o filme foi lançado a guerra ainda persistia, o que no final das contas acabou se revelando uma bonita homenagem para todas essas heroínas anônimas que prestaram seus serviços no conflito mais devastador da história da humanidade.

Pablo Aluísio.

Jane Eyre

Título no Brasil: Jane Eyre
Título Original: Jane Eyre
Ano de Produção: 1943
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Robert Stevenson
Roteiro: Aldous Huxley
Elenco: Orson Welles, Joan Fontaine, Margaret O'Brien, Elizabeth Taylor

Sinopse:
Depois de uma infância dura, a órfã Jane Eyre é contratada por Edward Rochester, o dono e senhor de uma mansão misteriosa, para cuidar de sua filha. Não demora muito e ela logo se sente atraída pelo inteligente, vibrante e energético Mr. Rochester, um homem com o dobro de sua idade.

Comentários:
Mais uma bela versão para o clássico livro "Jane Eyre" de autoria da escritora inglesa Charlotte Brontë (1816 - 1855) que publicou seu romance pela primeira vez em 1847. Nesse filme temos algumas coisas relevantes para os amantes da sétima arte. A primeira delas é o fato de termos um elenco realmente excepcional, em especial o grande diretor Orson Welles no papel de Edward Rochester. Sua voz de trovão e maravilhosa presença cênica já vale o filme inteiro. Some-se a isso a bela atuação de Joan Fontaine como Jane Eyre e você terá seguramente um dos melhores elencos já reunidos para essa adaptação. Como brinde o cinéfilo ainda será presenteado pela atuação da pequena Elizabeth Taylor como Helen Burns. A atriz tinha apenas 11 anos quando realizou o filme, mas já mostrava todo seu talento em cena, não se intimidando com os monstros da sétima arte que contracenavam com ela. Algumas pessoas realmente já nascem como estrelas, independente da idade, que o diga a pequena Liz nesse "Jane Eyre".

Pablo Aluísio.

As Estrelas: Grace Kelly

As Estrelas: Grace Kelly

Grace Kelly foi uma das mulheres mais elegantes e admiradas do cinema clássico de Hollywood. Nascida em 1929, na cidade da Filadélfia, nos Estados Unidos, ela iniciou sua carreira artística ainda jovem, trabalhando em peças teatrais e produções para televisão antes de alcançar fama internacional no cinema. Dona de uma beleza sofisticada, postura refinada e talento dramático marcante, Grace rapidamente se tornou uma das maiores estrelas da década de 1950, conquistando o público e a crítica com atuações intensas e cheias de charme.

Sua carreira cinematográfica ganhou enorme destaque graças às colaborações com o lendário diretor Alfred Hitchcock. Grace Kelly estrelou clássicos como Janela Indiscreta, ao lado de James Stewart, Disque M para Matar e Ladrão de Casaca, com Cary Grant. Hitchcock considerava Grace a personificação da elegância e do mistério feminino, características que marcaram profundamente seus personagens. Além dos suspenses do diretor britânico, ela também brilhou em dramas românticos e produções sofisticadas que consolidaram sua imagem como ícone de glamour da Era de Ouro de Hollywood.

Em 1955, Grace Kelly recebeu o Oscar de Melhor Atriz por sua atuação em Amar é Sofrer (The Country Girl), surpreendendo parte da crítica, que esperava sua vitória por filmes mais glamourosos. Nesse trabalho, ela mostrou grande capacidade dramática ao interpretar uma personagem emocionalmente complexa, fugindo do estereótipo da mulher elegante que costumava representar. O prêmio consolidou definitivamente sua posição entre as maiores atrizes de sua geração.

A vida de Grace Kelly mudou completamente em 1956, quando se casou com Rainier III, tornando-se princesa de Mônaco. O casamento foi acompanhado pelo mundo inteiro e ficou conhecido como um dos contos de fadas mais famosos do século XX. Após a união, Grace abandonou sua carreira no cinema para dedicar-se às funções reais e à família. Sua transformação de estrela de Hollywood em princesa ajudou a aumentar ainda mais sua aura lendária e transformou Mônaco em um dos destinos mais glamourosos da Europa.

Grace Kelly faleceu tragicamente em 1982, após sofrer um acidente de carro nas estradas de Mônaco. Sua morte causou enorme comoção internacional e reforçou ainda mais seu status de mito do cinema e da realeza. Até hoje, ela é lembrada como símbolo máximo de elegância, sofisticação e beleza clássica. Sua influência permanece viva no cinema, na moda e na cultura popular, sendo frequentemente citada como uma das maiores estrelas femininas da história de Hollywood.

Mogambo

Mogambo

Esse é um clássico do gênero "Aventura na África". Uma produção com um elenco estelar da era de ouro do cinema clássico de Hollywood. No enredo um caçador americano no continente africano, Victor Marswell (Clark Gable), é contratado pelo pesquisador Donald Nordley (Donald Sinden) para comandar um safári nas montanhas remotas onde vivem gorilas selvagens. Donald quer registrar o comportamento desses animais em seu habitat natural, os filmando na natureza. Victor inicialmente não acha uma boa ideia pois poucos homens estiverem naquele lugar distante, porém acaba aceitando a generosa oferta. O que o cientista Donald nem desconfia é que sua própria esposa, Linda Nordley (Grace Kelly), está se apaixonado cada vez mais por Victor. Para concretizar seu romance porém ela terá que passar por cima de Eloise Y. Kelly (Ava Gardner), uma dançarina de night club, que também está perdidamente apaixonada por Victor.

John Ford deu um tempo em seus clássicos de western para se arriscar no gênero aventura nessa produção. O resultado foi esse "Mogambo", certamente um bom filme, mas que jamais pode ser comparado com obras primas como "Rastros de Ódio" ou "Rio Bravo". O enredo se passa numa África ainda colonial e praticamente inexplorada. É lá que vive o personagem de Clark Gable, um veterano caçador branco que captura animais exóticos para vendê-los a circos e zoológicos de todo o mundo. Sua rotina de trabalho acaba mudando completamente com a chegada de uma dançarina americana chamada Eloise (Ava Gardner) que realizou uma longa viagem dos Estados Unidos até a África pensando que iria encontrar um milionário indiano, mas acaba se dando mal ao saber que ele foi embora uma semana antes de sua chegada.

Imediatamente Eloise se apaixona por Victor, porém as coisas não saem como ela queria. Victor torce o nariz ao saber que ela era uma dançarina de boates. Pior do que isso, começa a tratar a garota com um certo desdém (a ponto de dizer a um de seus amigos que ela na verdade seria uma "mulher de todos os homens!"). Nada aliás poderia sair mais diferente de Eloise do que a também recém chegada Linda (Grace Kelly). Loira, linda, recatada e educada, com extrema finesse, ela sim se mostra a mulher que Victor gostaria de ter ao seu lado. Infelizmente para o velho caçador há um problema: Linda já é casada, justamente com o homem que o contratou para um safári rumo às montanhas, em busca de gorilas selvagens.

É verdade que o roteiro acaba se rendendo ao moralismo da época em seus momentos finais, mas nem isso estraga "Mogambo". Ford já havia demonstrado em seus faroestes que ele conseguia com muito brilho tanto dirigir um bom filme de entretenimento como também desenvolver psicologicamente bem todos os seus personagens. Não havia espaço para papéis rasos e sem sentido em seus filmes. Não é à toa que até hoje ele é considerado um mestre, um verdadeiro gênio da sétima arte. "Mogambo" tem um elenco maravilhoso, com três grandes estrelas da época, e um roteiro extremamente bem escrito. Dito isso também temos que reconhecer que o tempo também cobrou seu preço. O tempo, como diria o provérbio, é o senhor da razão. O que era normal há 60 anos hoje já não soa tão comum.

O filme mistura cenas rodadas em estúdio com filmagens reais realizadas por Ford e sua equipe de segunda unidade no continente africano. Não poucas vezes as duas filmagens são mescladas em edição. Nem sempre isso funciona. As imagens capturadas na África não possuem, por exemplo, a mesma qualidade das cenas que foram realizadas em estúdio com os atores. Por isso a diferença de uma para outra se torna muito perceptível ao espectador. Tecnicamente o filme envelheceu mal. Pode parecer que algo assim seria um excesso de zelo, porém é um fator que envelheceu dramaticamente, tornando o filme de Ford menor do que ele realmente era. De qualquer forma o que temos aqui é certamente um clássico do gênero aventura nas selvas. Com a genialidade de John Ford não era de se esperar nada muito diferente disso.

Mogambo (Mogambo, Estados Unidos, 1953) Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Direção: John Ford / Roteiro: John Lee Mahin, Wilson Collison / Elenco: Clark Gable, Grace Kelly, Ava Gardner, Donald Sinden / Sinopse: Pesquisador da vida selvagem contrata um caçador para levá-lo a uma montanha onde vivem gorilas selvagens. No meio da expedição sua esposa acaba se apaixonando pelo caçador. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Ava Gardner) e Melhor Atriz Coadjuvante (Grace Kelly). Vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Grace Kelly).

Pablo Aluísio.

Matar ou Morrer

Matar ou Morrer

Esse é um grande clássico da história do western americano por causa de seu roteiro atemporal, tratando de temas que ultrapassam e muito a simples esfera do gênero cinematográfico do qual pertence. O protagonista é um xerife, um homem honesto e íntegro que aos poucos vai percebendo que está completamente sozinho na sua luta de implantar lei e ordem. A cidade que defende, os moradores pelos quais zela por sua segurança e integridade física são os primeiros a abandoná-lo à própria sorte. Esse delicado tema de seu roteiro demonstra toda a fragilidade e falta de caráter do homem comum, ordinário. Com isso se ressalta a importância da figura do xerife Will Kane (Gary Cooper). Seu caráter e coragem são raros. Não se deve esperar esse tipo de atitude de pessoas pusilânimes. O homem corajoso muitas vezes fica totalmente sozinho na luta por seus valores e ideais.

Outro aspecto que tornou esse "Matar ou Morrer" tão celebrado ao longo de todos esses anos vem do tratamento psicológico do roteiro. Os personagens são mostrados em suas emoções internas, criando um clima de tensão e ansiedade que só aumenta ao longo do filme. O relógio na parede vira assim um instrumento narrativo dos mais aflitivos. E por fim, para coroar tantas qualidades cinematográficas importantes, ainda há um elenco espetacular em cena. Não apenas pela presença imponente de Gary Cooper, no auge de sua carreira, como também da doce beleza de Grace Kelly. Elementos que tornaram esse western um clássico absoluto em todos os aspectos.

Matar ou Morrer (High Noon, Estados Unidos, 1952) Direção: Fred Zinnemann / Roteiro: Carl Foreman, John W. Cunningham / Elenco: Gary Cooper, Grace Kelly, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges / Sinopse: Um xerife é abandonado pelos moradores da cidade onde trabalha após correr a notícia de que um grupo de bandidos está chegando para acertar as contas com ele. Mesmo assim, sozinho, o velho home da lei decide enfrentar a situação com coragem e determinação. Filme vencedor do Oscar nas categorias de melhor ator (Gary Cooper), melhor edição, melhor música original.

Pablo Aluísio.

Filmografia - Grace Kelly

Filmografia - Grace Kelly

Horas Intermináveis (1951) ★★★

Matar ou Morrer (1952) ★★★★ 

Mogambo (1953) ★★★

Disque M para Matar (1954) ★★★★ 

Janela Indiscreta (1954) ★★★★ 

Amar é Sofrer (1954) ★★★

Tentação Verde (1954)

As Pontes de Toko-Ri (1954) ★★★

Ladrão de Casaca (1955) ★★★★ 

O Cisne (1956) 

Alta Sociedade (1956) ★★★

Comentários:

Grace Kelly foi uma das atrizes mais populares de Hollywood. Só que, embora fosse tão famosa, fez tão poucos filmes! Muitos ficam realmente admirados com isso. Bom, alguns fatos explicam essa questão. Ela fez muitos programas para TV, muitos especiais para a televisão da época. Seu trabalho como atriz não se resumiu apenas ao cinema. E também não podemos esquecer que ela abandonou o cinema para se casar com o príncipe de Mônaco. Encerrando assim uma carreira mais do que o promissora, realmente memorável.

Avaliação / Cotações:

★★★★ Excelente

★★★ Bom

★★ Regular

★ Ruim

Pablo Aluísio.