Um Lugar ao Sol

Um Lugar ao Sol

George Eastman (Montgomery Clift) é o jovem sobrinho de um rico industrial do mercado de roupas femininas. Seu tio logo o emprega em uma das fábricas como empacotador. Lá conhece a operária Alice (Shelley Winters) e logo se enamora dela. Ao mesmo tempo em que corteja Alice acaba se envolvendo também com Angela Vickers (Elizabeth Taylor) uma rica garota da alta sociedade. O triângulo amoroso trará consequências trágicas para todos os envolvidos. "Um Lugar Ao Sol" é um dos grandes clássicos da carreira de Montgomery Clift e Elizabeth Taylor. O filme mescla muito bem romance, suspense e drama. Vivendo em dois mundos completamente distintos o personagem de Montgomery Clift, um pobre rapaz que anseia subir na vida algum dia, acaba perdendo o controle dos acontecimentos em sua vida emocional, o que o levará a pagar um alto preço por se envolver com duas garotas ao mesmo tempo. George Stevens foi um dos grandes diretores do cinema americano. Austero e detalhista ele filmava muitas tomadas diferentes, de ângulos diversos para só depois montar o filme ao seu bel prazer. Assistindo "Um Lugar ao Sol" é fácil perceber que ele estava literalmente obcecado pelo belo rosto juvenil de Elizabeth Taylor. O cineasta usa e abusa de vários closes do rosto de sua atriz, o que não é nada mal uma vez que Liz estava no auge de sua beleza. Com traços delicados e lindos olhos azuis (que infelizmente não foram captados pois o filme foi rodado em preto e branco) a estrela poucas vezes esteve tão bonita como aqui.

O roteiro foi baseado no livro "An American Tragedy" de Patrick Kearney. Embora ficcional a estória foi inspirada em fatos reais acontecidos em Chicago na década de 20. A situação toda é bastante sórdida e demonstra que não existem muitos limites para a maldade da alma humana, embora no filme o personagem Geroge Eastman seja de certa forma amenizado. É fácil compreender a razão. Não haveria como rodar toda uma produção como essa em cima de um mero assassino. Assim tudo foi cuidadosamente suavizado para não chocar muito o público americano dos anos 50. O resultado de tanto capricho veio depois nas bilheterias e nas ótimas críticas que o filme conseguiu. Shelley Winters e Montgomery Clift foram indicados ao Oscar. Embora não tenham sido premiados o filme em si conseguiu vencer em seis categorias (inclusive direção e roteiro), se consagrando naquele ano. Até o gênio Charles Chaplin se rendeu ao filme declarando que havia sido o "melhor filme que já tinha assistido em sua vida". Além disso os bastidores da produção deram origem a muitas histórias saborosas envolvendo Clift e Taylor, que se tornariam amigos até o fim de suas vidas. Depois disso não há muito mais o que escrever. Para os cinéfilos "Um Lugar ao Sol" é mais do que obrigatório. Um filme essencial.

Um Lugar ao Sol (A Place In The Sun, Estados Unidos, 1951) Direção: George Stevens / Roteiro: Harry Brown, Michael Wilson / Elenco: Montgomery Clift, Elizabeth Taylor, Shelley Winters, Anne Revere / Sinopse: George Eastman (Montgomery Clift) é o jovem sobrinho de um rico industrial do mercado de roupas femininas. Seu tio logo o emprega em uma das fábricas como empacotador. Lá conhece a operária Alice (Shelley Winters) e logo se enamora dela. Ao mesmo tempo em que corteja Alice acaba se envolvendo também com Angela Vickers (Elizabeth Taylor) uma rica garota da alta sociedade. O triângulo amoroso trará consequência trágicas para todos os envolvidos. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Direção, Melhor Roteiro, Melhor Fotografia (William C. Mellor), Melhor Figurino (Edith Head), Melhor Edição (William Hornbeck) e Melhor Música (Franz Waxman).

Pablo Aluísio.

Ilusão Perdida

Título no Brasil: Ilusão Perdida
Título Original: The Big Lift
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: George Seaton
Roteiro: George Seaton
Elenco: Montgomery Clift, Paul Douglas, Cornell Borchers
  
Sinopse:
Danny MacCullough (Montgomery Clift) é uma sargento da força aérea dos Estados Unidos que é enviado para Berlim, cinco anos após o fim da Segunda Guerra Mundial. Lá ele passa a fazer parte da tripulação de uma das centenas de aeronaves americanas cuja principal missão é enviar alimentos e provisões para o povo alemão, naquele momento histórico passando grandes dificuldades após seu país ter sido destruído pelo conflito. Em Berlim Danny acaba conhecendo a bela jovem e viúva alemã Frederica Burkhardt (Cornell Borchers) por quem se interessa. O problema é que o passado dela esconde segredos inconfessáveis. Filme indicado ao Globo de Ouro.

Comentários:
Para fãs de Montgomery Clift sem dúvida é um filme extremamente interessante. Aqui temos um jovem Monty, antes de virar um astro em "Um Lugar ao Sol" ao lado de Elizabeth Taylor, estrelando um filme que fica no meio termo entre o puro romance nostálgico e a pura propaganda patriota americana. Explico. O cenário é a Alemanha do pós-guerra. As cidades do país estão destruídas, pouca coisa ainda resta de pé. O antes todo orgulhoso povo alemão vive literalmente de sobras, vindas principalmente de programas humanitários das forças armadas americanas que distribuem gratuitamente comida para aquela nação ferida pela derrota no maior conflito armado da história. Hitler está morto e o nazismo sepultado, mas as feridas ainda parecem demorar a cicatrizar. Clift interpreta esse militar americano, um tipo até ingênuo, que acaba se interessando por uma jovem viúva da guerra. Apesar dos conselhos para ir com calma ele acaba entrando de cabeça em sua nova e avassaladora paixão. Para ele aquela garota representa todo o sofrimento daquele povo. Para não morrer de fome, por exemplo, Frederica (Borchers) precisa aceitar trabalhos pesados, na reconstrução da nação, como levantar pedras de prédios destruídos. 

Isso acaba sensibilizando o personagem de Montgomery Clift. O problema é que o passado é um farto pesado demais. principalmente em relação à essa sua paixão alemã. A garota vista sob esse ponto de vista não parece tão encantadora, ainda mais ao se descobrir que ela teria sido esposa de um fanático oficial da SS. O roteiro desse filme se revela nos minutos finais surpreendentemente realista. O desfecho que todos acabam esperando não vem. Ao invés disso surge um leve gostinho de ressentimento, mesclado com amargura. A impressão que tive foi que os americanos queriam ajudar os alemães, o problema é que a guerra havia sido amarga demais. Não havia como enxergar aquelas pessoas apenas como vítimas, mas também como cúmplices. A fotografia é desoladora, filmado apenas cinco anos depois do fim da guerra a produção acabou imortalizando aquele triste retrato de um povo em ruínas. As cidades destruídas e as pessoas vagando em busca de alguma comida. Um fim trágico para todo uma nação que resolveu seguir os sonhos insanos de um louco. Assim "Ilusão Perdida" pode até ser considerado sem grandes novidades para alguns, já para outros, mais atentos, é um bela lição de história, tão real na tela como se todos estivéssemos lá.

Pablo Aluísio.

Com Lágrimas na Voz

Título no Brasil: Com Lágrimas na Voz

Título Original: The Helen Morgan Story

Ano de Lançamento: 1957

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros

Direção: Michael Curtiz

Roteiro: Oscar Saul, Dean Riesner

Elenco: Ann Blyth, Paul Newman, Richard Carlson, Gene Evans, Alan King, Cara Williams

Sinopse:

O filme conta a história da cantora norte-americana Helen Morgan. De origem humilde e sofrida, ela vai aos poucos abrindo as portas para o sucesso com seu grande talento. Após muito esforço artístico finalmente chega à fama e à fortuna, apenas para perder tudo depois para o álcool e para suas péssimas escolhas pessoais.

Comentários:

No começo de sua carreira as comparações com James Dean incomodaram muito Paul Newman. Certo, eram dois atores da mesma geração, inclusive tiveram a mesma formação dramática no Actors Studio de Nova Iorque, mas no fundo, no fundo, tinham pouca coisa a ver. E Newman sabia que tentar ser o "novo James Dean" seria uma cilada. Assim colocou o ego de lado e foi atrás de bons roteiros. Queria ser bom ator e não apenas um astro jovem de Hollywood. E estava disposto a atuar em filmes com excelentes histórias, mesmo que para isso tivesse que atuar em um papel mais secundário. É o que vemos aqui. Um bom drama sobre a vida de uma artista que sucumbe ás armadilhas da fama e do sucesso. Com direção firme de Michael Curtiz e excelente atuação da atriz Ann Blyth, que foi injustamente esnobada pelo Oscar, esse é um drama envolvente e emocional, tudo na medida certa. Bons tempos eram esses em que o cinema contava histórias de dramas trágicos de pessoas amarguradas e infelizes por suas escolhas. Certamente a sétima arte era muito mais profunda e complexa nesse aspecto. Arte mesmo, de verdade. 

Pablo Aluísio.

Famintas de Amor

Título no Brasil: Famintas de Amor

Título Original: Until They Sail

Ano de Lançamento: 1957

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Direção: Robert Wise

Roteiro: Robert Anderson, James A. Michener

Elenco: Paul Newman, Joan Fontaine, Jean Simmons, Sandra Dee, Piper Laurie, Charles Drake

Sinopse:

Esse filme mostra o drama vivido por um grupo de mulheres que mora na Nova Zelândia após o começo da Segunda Guerra Mundial. Os homens da vila onde moram vão para a guerra e elas ficam sozinhas. Então quando um batalhão das forças armadas dos Estados Unidos chega na região começa uma série de relacionamentos entre elas e os militares estrangeiros. Algo não permitido pelo alto comando das forças militares. 

Comentários:

Bom filme romântico da década de 1950. O ator Paul Newman interpreta esse militar norte-americano que vai parar na distante Nova Zelândia durante a II Guerra Mundial. Ali ele conhece a realidade de três irmãs, todas solitárias, lutando pela vida. Claro que acaba se relacionando com uma delas, mas isso traz problemas. Havia certos regulamentos dentro das forças armadas dos Estados Unidos que impedia esse tipo de relacionamento amoroso entre os soldados e oficiais com a população local. De certa maneira o filme tem semelhanças com "Sayonara" de Marlon Brando, sendo esse passado no Japão. O elenco também é muito bom, com destaque para a jovem adolescente Sandra Dee interpretando a mais jovem das irmãs e do próprio Paul Newman, aqui interpretando um sujeito meio indeciso, inseguro. Ele não consegue decidir se vai mesmo entrar fundo naquele romance. Enfim, bom filme, deixo a minha recomendação. 

Pablo Aluísio.

Filmografia Paul Newman

Filmografia Paul Newman

O Cálice Sagrado

Deus é Meu Juiz

Marcado Pela Sarjeta

Famintas de Amor 

Com Lágrimas na Voz

O Mercador de Almas

Um de Nós Morrerá

Gata em Teto de Zinco Quente

A Delícia de um Dilema

O Moço da Filadélfia

Paixões Desenfradas

Exodus

Paris Vive à Noite

Desafio à Corrupção

Doce Pássaro da Juventude

As Aventuras de um Jovem 

O Indomado

Amor Daquele Jeito

Criminosos Não Merecem Prêmio

A Senhora e Seus Maridos

Quatro Confissões

Lady L

O Caçador de Aventuras

Cortina Rasgada

Hombre

Rebeldia Indomável

Que Delícia de Guerra

500 Milhas

Butch Cassidy

A Sala dos Espelhos

Uma Lição Para Nâo Esquecer

Meu Nome é Jim Kane

Roy Bean - O Homem da Lei

O Emissário de MacKintosh

Golpe de Mestre

Inferno na Torre

A Piscina Mortal

A Última Loucura de Mel Brooks

Oeste Selvagem

Vale Tudo 

Quinteto

O Dia em que o Mundo Acabou

Continua...

Obs: Em Negrito os filmes cujos reviews já foram publicados em nosso blog Cinema Clássico.

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

O Papai da Noiva

Título no Brasil: O Papai da Noiva

Título Original: Father of the Bride

Ano de Lançamento: 1950

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Direção: Vincente Minnelli

Roteiro: Frances Goodrich, Albert Hackett

Elenco: Spencer Tracy, Elizabeth Taylor, Joan Bennett, Don Taylor, Billie Burke, Leo G. Carroll

Sinopse:

Stanley Banks entra em crise quando descobre que sua jovem filha está prestes a se casar. Enquanto tenta lidar com a ideia de perdê-la para outro homem, ele também precisa encarar o caos emocional e financeiro dos preparativos do casamento. A situação foge totalmente do controle em uma série de momentos cômicos, mostrando a difícil, mas amorosa, transição de um pai ao ver sua filha crescer.

Comentários: 

Foi uma das maiores bilheterias daquele ano, consagrando a sina de estrela de uma ainda bem jovem Elizabeth Taylor que inclusive está perfeita para o papel. A atriz estava com apenas 18 anos, se casando com Conrad Hilton Jr. semanas antes da estreia do filme. Curiosamente, a MGM transformou seu casamento real em um grande evento publicitário. Assim um evento de sua vida pessoal foi devidamente usado para promover o filme o que gerou um grande interesse por parte do público da época. Esse filme também gerou um dos papéis mais famosos de Spencer Tracy. Ele ficou amplamente associado ao papel do pai nervoso e amoroso, considerado um dos mais marcantes de sua carreira. O filme também foi elogiado pela crítica, sendo indicado em três categorias do Oscar. Muitos anos depois a mesma história rendeu um remake chamado "O Pai da Noiva" com Steve Martin e Diane Keaton.

Pablo Aluísio. 

Hollywood Boulevard - Elizabeth Taylor - Texto II

O Romance de Elizabeth Taylor
Na Hollywood dos anos 60, o jovem George Hamilton estava no lugar certo na hora certa. "Os executivos do estúdio me disseram: Se encontre com todas as atrizes que você puder, mas certifique-se que elas estejam sob contrato conosco!". Era uma tática de promover atrizes e atores, para que seus encontros saíssem em jornais e revistas da moda. Dessa maneira os artistas ganhavam publicidade praticamente grátis. Assim relembra George Hamilton sobre seu primeiro encontro com Liz Taylor.

"Elizabeth Taylor fazia parte do elenco contratado da Fox, então pensei, por que não ir lá pedir um encontro com ela? O máximo que poderia acontecer de ruim era levar um fora!" - Era uma ousadia e tanto mas Hamilton arriscou. "Ela gostou da minha ousadia ao chamá-la para jantar fora. Assim que a conheci entendi que era um ser humano único! Ela era muito divertida, podia ficar acordada a noite toda jogando cartas se isso o fizesse feliz. Depois pela manhã decidia que queria viajar, pegávamos o primeiro avião e íamos para a Europa. Ela era maior que a vida!".

Como se sabe Liz Taylor colecionou relacionamento em Hollywood mas George Hamilton se destacou em sua lista de namorados por causa de suas opiniões firmes. "Era um relacionamento típico, onde um queria se impor ao outro, uma luta de poder! Mas eu não estava disposto a mudar minha atitude e isso a intrigava. Eu dizia a ela que não iria aceitar tão facilmente as suas decisões e ela me perguntava se eu a estava ameaçando, eu dizia que não, estava apenas fazendo uma promessa a ela!"

Para George Hamilton um homem jamais deve deixar uma mulher assumir o controle total em uma relação. "Não importa se é Elizabeth Taylor ou uma mulher comum, não famosa. A verdade é que as mulheres sempre vão testar você. Se você se deixar dominar será o fim. As mulheres de uma maneira em geral não gostam de ser submissas mas também não querem um sujeito fraco ao lado delas".

As coisas iam bem entre eles mas para a infelicidade de Hamilton, Liz Taylor acabaria se apaixonando perdidamente pelo ator Richard Burton com quem se casaria, se divorciaria e depois se casaria novamente. Com isso George Hamilton resolveu encerrar o relacionamento amoroso com ela, mas a amizade se firmou e durou até a morte de Liz. "De certa forma o fim do namoro significou o começo de uma grande amizade. Fui seu amigo até seus últimos dias. Tenho ótimas memórias pessoais ao seu lado. Um ano ao lado de Elizabeth Taylor poderia encher toda uma vida de grandes lembranças" - finalizou o ator.

Pablo Aluísio.

Filmografia Elizabeth Taylor

Filmografia Elizabeth Taylor

A Força do Coração

Jane Eyre

Evocação

A Mocidade é Assim Mesmo

A Coragem de Lassie

As Delícias da Vida

Nossa Vida com Papai

O Príncipe Encantado

Travessuras de Júlia

Quatro Destinos

Traidor

O Papai da Noiva

A Verdade Não se Diz

O Netinho do Papai

Um Lugar ao Sol

Quo Vadis

Esperto Contra Esperto

O Melhor é Casar

Ivanhoé, O Vingador do Rei

A Jovem Que Tinha Tudo

Rapsódia

No Caminho dos Elefantes

O Belo Brummel

A Última Vez que Vi Paris

Assim Caminha a Humanidade

A Árvore da Vida

Gata em Teto de Zinco Quente

De Repente, no Último Verão

Disque Butterfield 8

Cleópatra

Gente Muito Importante

Becket, o Favorito do Rei

Adeus às Ilusões

Quem Tem Medo de Virginia Woolf?

A Megera Domada

Os Pecados de Todos Nós

Doutor Faustus

Os Farsantes

O Homem Que Veio de Longe

Cerimônia Segreta

Ana dos Mil Dias

Jogo de Paixões

Obs: Filmografia até o ano de 1970. Em breve colocaremos todos os filmes. 

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Rio Vermelho

Rio Vermelho

Assistir a esse filme foi um enorme prazer para mim. Primeiro porque eu sou um fã incondicional do ator Montgomery Clift. Segundo porque eu acho este um dos mais belos westerns de todos os tempos e terceiro porque John Wayne e Howard Hawks estão no auge de suas carreiras. Esta é uma película realmente nota dez, em todos os aspectos e por isso se tornou um filme atemporal, inesquecível e clássico. Montgomery Clift era um caso à parte. Considerado um dos maiores atores jovens de seu tempo, ao lado de Marlon Brando e James Dean, Clift era um profissional à frente de sua época. Cria do teatro americano, local onde ele sentia-se realmente à vontade, ele relutou muito antes de ingressar no cinema. Temia perder sua identidade e ser engolido pelo Star System. Sempre foi um ator independente e conseguiu se impor à indústria, fez poucos filmes, mas todos escolhidos a dedo, e muitos destes títulos se tornaram clássicos absolutos da história. do cinema americano. Basta lembrar de "Um lugar ao sol" e "A um passo da Eternidade", por exemplo. Complexo e torturado por demônios internos, Clift acabou por tabela imprimindo uma densidade ímpar em suas atuações. O conflito interno do ator era automaticamente passado para seus papéis. Aqui ele se sobressai mesmo interpretando um personagem sem grande profundidade, em sua estreia nas telas, curiosamente em um western estrelado pelo maior nome do gênero, John Wayne. O contraste entre a determinação e rudeza de Wayne com a sensibilidade de Clift se torna um dos grandes trunfos do filme.

E o Duke? Bem, ele está novamente ótimo no papel de um velho rancheiro dono de milhares de cabeças de gado, que tem como único objetivo levá-las, em uma grande caravana, para o Estado do Missouri. Conforme o tempo passa e as dificuldades se tornam maiores o personagem de Wayne vai ficando cada vez mais obcecado, tornando insuportável a vida de seus homens. O clímax ocorre em uma feroz luta entre Wayne e Clift. Um duelo entre os velhos e os novos paradigmas do velho oeste. A cena entrou para a história do cinema americano. Em relação à inspirada direção um famoso crítico americano resumiu a opinião da época: "Tendo como pano de fundo as belas paisagens do meio oeste americano, o mestre Howard Hawks faz um dos melhores faroestes dos últimos tempos, não se limitando, no entanto, a falar apenas do expansionismo capitalista americano, povoando terras desertas em meados do século 19. Vai além: realizando um belo painel sobre as relações humanas, através dp choque de personalidades de Dunson (Wayne) e Garth (Montgomery Clift). Criados como pai e filho, protagonizam uma estória de amor e ódio absolutamente emocionante". O filme concorreu aos Oscar de melhor roteiro e Montagem. Uma injustiça não ter ganho nenhum, mas se a Academia não o premiou ele acabou recebendo outro tipo de reconhecimento, e este bem mais importante, o reconhecimento popular daqueles que o assistiram e jamais esqueceram ao longo de todos esses anos.

Rio Vermelho (Red River, EUA, 1948) Direção: Howard Hawks / Roteiro: Borden Chase e Charles Schnee, baseado na novela The Chisholm Trail de Borden Chase. / Elenco: John Wayne, Montgomery Clift, Joanne Dru, Walter Brennan / Sinopse: Thomas Dunson (John Wayne) é um velho rancheiro, dono de milhares de cabeças de gado, que tem como único objetivo levá-las, em uma grande caravana, para o Estado do Missouri. Conforme o tempo passa e as dificuldades se tornam maiores Thomas vai ficando cada vez mais obcecado, tornando insuportável a vida de seus homens, entrando em conflito com Matt Garth (Montgomery Clift), um cowboy que participa da caravana.

Pablo Aluísio.

Filmografia Montgomery Clift

Filmografia Montgomery Clift

Perdidos na Tormenta (1948)

Rio Vermelho (1948)

Tarde Demais (1949)

Ilusão Perdida (1950)

Um Lugar ao Sol (1951)

A Tortura do Silêncio (1953)

Quando a Mulher Erra (1953)

A Um Passo da Eternidade (1953)

A Árvore da Vida (1957)

Os Deuses Vencidos (1958)

Por um Pouco de Amor (1958)

De Repente, no Último Verão (1959)

Rio Violento (1960)

Os Desajustados (1961)

Julgamento em Nuremberg (1961)

Freud - Além da Alma (1962)

Talvez Seja Melhor Assim (1966)

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Nem o Céu Perdoa

Título no Brasil: Nem o Céu Perdoa

Título Original: One Way Street 

Ano de Lançamento: 1950 

País: Estados Unidos 

Estúdio: Universal-International Pictures 

Direção: Hugo Fregonese 

Roteiro: Lawrence Kimble 

Elenco: James Mason, Märta Torén, Rock Hudson, Dan Duryea, Basil Ruysdael, William Conrad, Rodolfo Acosta 

Sinopse:

Dr. Frank Matson (James Mason), um médico associado à máfia, rouba US$ 200.000 de um gângster e foge com a namorada dele, Laura Thorsen (Märta Torén). Eles se refugiam no México após um pouso de emergência de avião, onde Matson passa a usar suas habilidades médicas para ajudar a população local. Entretanto, o passado e os criminosos que deixaram para trás não desistem de persegui-los, forçando um confronto dramático em Los Angeles.

Comentários:

Mais um filme noir dos bons tempos, quando Hollywood sabia fazia grandes filmes nesse estilo. Parcialmente rodado no México, em regiões remotas, pobres e rurais, o filme se destacava por ser um pouco diferente dos demais que seguiam a linha noir mais de perto justamente por causa desses momentos "ensolarados". James Mason está ótimo em seu papel, mas no meu caso particular fiquei mais curioso em ver um jovem Rock Hudson ainda em um dos seus primeiros filmes no cinema. Ele interpreta um motorista de caminhão durão. Com físico de Tarzan, já fazia as mulheres suspirarem quando aparecia em cena, principalmente nesse personagem bem másculo e musculoso! Enfim, símbolos sexuais dos anos 50 à parte, considero esse um filme bem interessante. É um noir, acima de tudo, mas muda radicalmente quando o sol mexicano aparece para queimar todos aqueles personagens que viviam nas sombras! 

Pablo Aluísio. 

Filmografia Rock Hudson

Filmografia Rock Hudson

Sangue, Suor e Lágrimas (1948)

Sangue Acusador (1949)

Nem o Céu Perdoa (1950)

Larápios (1950)

Winchesters 73 (1950)

Peggy (1950)

O Gavião do Deserto (1950)

Extorsão (1950)

Coração Selvagem (1951)

Air Cadet (1951)

Só Resta a Lembrança (1951)

The Fat Man (1951)

O Demolidor (1951)

A Família do Barulho (1952)

E o Sangue Semeou a Terra (1952)

Sinfonia Prateada (1952)

Anjo Escarlate (1952)

Império do Pavor (1952)

Bando de Renegados (1952)

Seminole (1952)

Gigantes em Fúria (1953)

A Espada de Damasco (1953)

Irmãos Inimigos (1953)

Choque de Paixões (1953)

Rochedos da Morte (1953)

Herança Sagrada (1954)

Sublime Obsessão (1954)

Rifles Para Bengala (1954)

Sangue Rebelde (1955)

Seu Ùnico Desejo (1955)

Tudo que o Céu Permite (1955)

Nunca Deixei de te Amar (1955)

Palavras ao Vento (1956)

Assim Caminha a Humanidade (1956)

Hino de uma Consciência (1957)

Sangue Sobre a Terra (1957)

Almas Maculada (1957)

Adeus às Armas (1957)

Turbilhão de Paixões (1958)

O Vale das Paixões (1959)

Confidências à Meia-Noite (1959)

Obs: A Lista continua. Em breve novos títulos serão adicionados. Os títulos em negrito já tiveram review publicados em nosso blog. 

Pablo Aluísio. 

Hollywood Boulevard - Marilyn Monroe - Texto II

Uma das mais curiosas passagens da história de Marilyn Monroe envolveu a atriz e o nobre Rainier III, Príncipe de Mônaco. Na virada dos anos 1950 para 1960 o novo monarca de Mônaco estava preocupado. Se antes seu pequeno principado era muito badalado e cheio de celebridades, agora as coisas não andavam tão bem. Os cassinos e hotéis de sua cidade  estavam operando com baixa frequência. Rainier então entendeu que precisava colocar Mônaco novamente no mapa, transformar o lugar mais uma vez em um point dos ricos e famosos. Para isso precisava de publicidade, envolvendo Mônaco em um evento de enorme repercussão nos meios de comunicação. A solução então seria se casar com alguma estrela de cinema, de preferência famosa a glamourosa. Seus assessores pensaram inicialmente em Elizabeth Taylor, mas Rainier descartou por causa da instabilidade emocional da jovem atriz, afinal ela vivia se casando, se divorciando, para se casar novamente poucos meses depois. Tudo bem que era um casamento promocional acima de tudo, mas Rainier também almejava algo duradouro, que lhe trouxesse filhos e filhas para herdarem o seu trono.

Depois que Liz foi deixada de lado ele lembrou da atriz mais famosa da época, Marilyn Monroe! Estaria a loira disponível? Ela já havia se separado de Joe DiMaggio e se encontrava solteira, livre, leve e solta. De vez em quando saia em alguma revista notícias de seus namoricos, mas nada sério. Sem pensar duas vezes Rainier providenciou que dois de seus mais próximos assistentes voassem rumo a Nova Iorque para se encontrar com Marilyn Monroe pessoalmente. A missão era encontrar Marilyn e lhe fazer um gentil convite para que fosse até Mônaco, pois o príncipe era grande admirador seu. Quem sabe, eles poderiam sugerir sutilmente, que algo a mais poderia surgir desse encontro! Eles porém logo descobriram que isso não seria nada fácil. Era mais fácil encontrar o presidente dos Estados Unidos do que a famosa estrela de cinema. Marilyn, que era complicada até mesmo de ser encontrada nos sets de filmagens de seus próprios filmes, simplesmente desaparecia sem deixar rastros. Poucos conseguiam ver ou falar com ela. De uma forma ou outra, os enviados de Rainier conseguiram com muito esforço encontrar com a assistente pessoal da atriz nos corredores da Fox e com muita diplomacia e cautela explicaram o que desejavam. Será que Marilyn não estaria disposta a um encontro com o príncipe de Mônaco?

O curioso é que Marilyn sequer conhecia Mônaco, imagine Rainier. No dia seguinte ao acordar e se dirigir ao seu café da manhã - lá pelas três da tarde, como quase sempre fazia - Monroe foi informada do estranho convite! "Ele quer me conhecer? Para quê?" - indagou a loira com seus profundos olhos azuis e seu conhecido modo de agir de garotinha assustada! A assistente de Marilyn tentou explicar: "Pelo que eu entendi o príncipe deseja ter filhos com uma grande estrela americana" - Marilyn arregalou seus olhos com aquela revelação! Sim, era surreal. Marilyn não se conteve e logo caiu na gargalhada, rindo ainda mais depois quando viu a foto do pobre Rainier que poderia ser um príncipe, milionário até dizer chega, mas que não era nada rico em termos de beleza. Marilyn logo começou a brincar com sua aparência, suas orelhas de abano e cara de ratinho de milharal do meio oeste.

Não havia a menor possibilidade dela sequer encontrar com aquele nobre europeu algum dia. Ela não tinha interesse nenhum nisso. Tampouco queria se envolver em um romance arranjado, em um estranho encontro às escuras do outro lado do Atlântico. Aquilo tudo parecia muito bizarro para Marilyn. Não, de jeito nenhum ela iria conhecer o tal príncipe. O convite assim foi recusado e a história esquecida, a não ser como piada de salão, para Marilyn se divertir um pouco com aquele esquisito príncipe de Mônaco. Agora imagine sua enorme surpresa depois de alguns meses quando descobriu que uma outra estrela como ela aceitara o convite! Sim, Grace Kelly estava muito interessada em reinar em Mônaco. Não pensou muito e se comprometeu com o pouco atraente Rainier. Marilyn ficou muito surpresa com o fato, mas teve o gesto espirituoso de ligar para a colega parabenizando pelo casamento. Rindo, comentou: "Que bom que você encontrou um jeito de sair desse negócio de Hollywood!".

Pablo Aluísio.

Os Prados Verdes

Os Prados Verdes

Um filme do comecinho da carreira de Marilyn Monroe. Não vai ser fácil localizar a atriz em cena. Naquela época ela era apenas um rostinho bonito que a Fox usava como extra. E ela aparece, muito timidamente, na cena da dança. Apenas uma garota qualquer fazendo figuração nesse western com ecos de drama e romance. Não seria dessa vez que ela teria alguma chance, ainda mais sabendo que a loira estrela do filme era outra, a chatinha Peggy Cummins que usava até o mesmo cabelo de Marilyn, mas que em termos de beleza sequer poderia se comparar a ela. 

A história desse antigo faroeste girava em torno de um grupo de rancheiros e fazendeiros que tinham que lidar com roubos de cavalos e crias que acabavam também fugindo para o campo aberto onde vivia, de forma selvagem, um belo garanhão branco. Um animal realmente maravilhoso que ninguém conseguia capturar. Então é isso. Um bom filme, mas para quem estiver em busca de Marilyn Monroe não a encontrará tão facilmente no meio de um monte de gente dançando. 

Os Prados Verdes (Green Grass of Wyoming, Estados Unidos, 1949) Direção: Louis King / Roteiro: Martin Berkeley, Mary O'Hara / Elenco: Peggy Cummins, Charles Coburn, Robert Arthur, Marilyn Monroe (figurante) / Sinopse: Grupo de rancheios, criadores de cavalos, precisam lidar com os desafios do velho oeste. 

Pablo Aluísio. 

Filmografia Marilyn Monroe

Filmografia Marilyn Monroe:

Sua Alteza, a Secretária

Idade Perigosa

Nasceste para Mim

Torrentes de Ódio

Os Prados Verdes

Mentira Salvadora

Loucos de Amor

O que Pode um Beijo

O Segredo das Joias

Por um Amor

O Faísca

A Malvada

Em cada Lar, um Romance

Sempre Jovem

O Segredo das Viúvas

Joguei Minha Mulher

Só a Mulher Peca

Travessuras de Casados

Almas Desesperadas

Páginas da Vida

O Inventor da Mocidade

Torrentes de Paixão

Os Homens Preferem as Loiras

Como Agarrar um Milionário

O Rio das Almas Perdidas

O Mundo da Fantasia

O Pecado Mora ao Lado

Nunca Fui Santa

O Príncipe Encantado

Quanto Mais Quente Melhor

Adorável Pecadora

Os Desajustados

 

Obs: Em negrito filmes cujos reviews já foram publicados em nosso blog "Cinema Clássico".

Pablo Aluísio. 

O Selvagem

O Selvagem

Se James Dean representava o jovem encucado e confuso em seus filmes, Marlon Brando em "O Selvagem" representou o outro lado da moeda, a do jovem que não se intimidava e junto aos amigos formava uma gangue de motocicletas para aterrorizar as pequenas cidades do meio oeste americano. O personagem dele nesse filme acabou gerando uma repercussão tão grande entre os jovens que espantou não só Brando como os próprios produtores do filme. Embora esse tipo de grupo fosse bastante comum em poucos lugares da Califórnia, após o filme ser exibido as gangues proliferaram por todo o país em um ritmo assombroso. A influência chegou até no Brasil quando também foram formados grupos como o do filme. De repente andar de moto em couro preto virou moda da noite para o dia. Algumas alterações de última hora acabaram irritando o ator, inclusive a inserção de um tedioso aviso advertindo aos jovens dos perigos de se envolver com tais grupos. 

Na realidade os produtores sofreram pressão por grupos conservadores e no meio do clima paranóico que existia na década de 1950 resolveram colocar a advertência fora de propósito. Marlon achou aquilo de uma caretice sem tamanho. Ele adorava motos e desde seus primeiros dias em Nova Iorque adotou o veículo como o seu preferido, conhecia vários motoqueiros e achava o cúmulo da moralidade e estupidez associar motos imediatamente à deliquência juvenil. Isso não adiantou muito. Assim que o filme foi lançado Brando logo foi acusado de incentivador da delinquência juvenil, de servir de mal exemplo para os jovens americanos. Em sua autobiografia o ator dedicou alguns capítulos ao filme. Na realidade ele nem mesmo achou o filme grande coisa, o considerou curto demais, violento e sem muito propósito, mas se confessava totalmente surpreso com toda a repercussão que "O Selvagem" alcançou dentro da cultura pop nos anos seguintes. 

O fato é que sua imagem de "motoqueiro de jaqueta negra" invadiu o inconsciente coletivo e ainda hoje é marca registrada de qualquer jovem "rebelde" que se preze. Até mesmo o jovem aspirante a ator, James Dean, apareceu na frente de Brando completamente vestido de seu personagem nesse filme. Marlon obviamente ficou espantado pois compreendeu que Dean realmente associava o personagem do motoqueiro com o próprio estilo de vida dele, o que era uma grande bobagem pois Marlon nunca fez parte de gangue nenhuma durante toda a sua vida. Dean queria encontrar uma forma de identificação com seu maior ídolo e por isso se vestiu de Johnny, o motoqueiro, ao se encontrar com Marlon. Brando não gostou muito e o dispensou discretamente. Ao longo dos anos Brando se veria perseguido por essa imagem, jamais conseguindo se livrar dela. Ele deveria ter entendido que algumas imagens ganham vida própria e sobrevivem a tudo, até mesmo ao tempo. Brando em sua moto aterrorizando uma cidadezinha qualquer perdida dos EUA é uma dessas imagens que ficaram cravadas para sempre na mente dos cinéfilos. "O Selvagem" é realmente um filme apenas mediano mas como produto pop jamais poderá ser subestimado. É um marco absoluto dos chamados "anos dourados". Simplesmente definitivo.

O Selvagem (The Wild One, Estados Unidos, 1953) Direção. Laslo Benedek / Roteiro: John Paxton, Frank Rooney / Elenco: Marlon Brando, Mary Murphy, Robert Keith / Sinopse: Johnny (Marlon Brando) chega numa pacata cidadezinha com sua gangue de motoqueiros de couro preto. Na localidade conhece a linda Kathie (Mary Murphy) com quem simpatiza ao mesmo tempo em que tem que lidar com um grupo rival de rebeldes motorizados.

Pablo Aluísio.

Hollywood Boulevard - Marlon Brando - Parte 2

Em 1953 Marlon Brando entrou no set de seu novo filme, "The Wild One" que no Brasil seria intitulado "O Selvagem". Brando, já naquela altura considerado o maior rebelde de Hollywood, iria interpretar o papel de um jovem motoqueiro chamado Johnny Strabler. A direção seria do cineasta húngaro Laslo Benedek que havia dirigido a adaptação para o cinema do clássico da literatura "A Morte do Caixeiro Viajante" dois anos antes. Inicialmente Brando não viu grande coisa no roteiro. Para ele seria um filme apenas para cumprir contrato com o produtor Stanley Kramer. Como era um filme pequeno, de curta duração e com enredo simples, não haveria muito trabalho à vista.

Nada que poderia se comparar com os filmes anteriores do ator, verdadeiras obras primas como "Espíritos Indômitos", "Uma Rua Chamada Pecado", "Viva Zapata!" e principalmente "Júlio César" que havia exigido muito dele em termos de atuação. Afinal de contas Brando havia suado a camisa para se sair bem em seus primeiros filmes, em especial o último, uma complicada adaptação para o cinema da famosa peça escrita por William Shakespeare, sob direção do austero Joseph L. Mankiewicz. Assim interpretar Johnny era quase como um passeio no parque. Além do mais Brando adorava motos e o universo que as cercava, então foi mesmo a união de algo que gostava de fazer em sua vida pessoal com a possibilidade de dar um tempo nos filmes mais sérios e desafiadores.

Para sua surpresa porém o filme virou um dos maiores cult movies da história. Inicialmente Brando não gostou da película. Como ele próprio recordou em suas memórias a primeira vez que assistiu a "O Selvagem", logo após sua estreia nos cinemas, não gostou mesmo do que viu. Achou o filme violento e sem conteúdo. Curiosamente a fita acabou virando o estopim de uma série de revoluções comportamentais ocorridas na juventude americana nos anos 1950, desembocando na revolução cultural que iria estourar nos anos 1960. Para Brando foi tudo uma grande surpresa. Ele não tinha consciência na época que havia todo um sentimento reprimido por parte dos jovens e que seu filme seria usado para aprofundar todos esses anseios. Johnny, na visão de Brando, era apenas mais um personagem a interpretar. A juventude da época porém viu de outro modo. Aquele motoqueiro, vestido de couro preto da cabeça aos pés, era a personificação da liberdade. O roteiro dava a ele uma conotação ruim, algo que não poderia ser usado como modelo, mas como um aviso contra a delinquência juvenil. Para reforçar isso o estúdio colocou um texto avisando sobre os males de se seguir o exemplo dos personagens. Brando percebeu que o tiro sairia pela culatra. A juventude em geral ignorou a mensagem moralista quadrada e obsoleta e abraçou o personagem como um ícone, um mito, um exemplo a seguir. Para Brando não poderia ser melhor e ele foi elevado à altura de símbolo máximo entre os jovens da época.

Realmente, do ponto de vista puramente cinematográfico "O Selvagem" não pode ser comparado aos demais clássicos que Brando rodou por essa época em sua carreira. Já do ponto de vista meramente cultural e sociológico é de fato um dos mais marcantes momentos de sua carreira no cinema. Isso porque o filme não pode ser visto apenas sob a ótica do que se vê na tela, e sim muito mais além disso, pois teve enorme influência dentro da sociedade, principalmente entre os jovens, que viram ali um modelo de liberdade incrível. Numa época em que havia grande repressão e os controles morais eram extremos, ver Johnny atravessando a América de moto, sem dar satisfações a ninguém, e vivendo com um grupo de rebeldes como ele, era de fato um impacto para o jovem americano típico dos anos 1950. Depois que Brando surgiu com aquela imagem ícone, nasceu toda uma cultura jovem no país, até porque a juventude de um modo em geral era completamente ignorada dentro da sociedade até então, sendo considerada apenas uma transição entre a infância e a vida adulta. Depois de Brando vieram James Dean - o maior símbolo de juventude que o cinema jamais produziu - o Rock ´n´ Roll, Elvis Presley e toda a iconografia da cultura jovem que conhecemos hoje em dia.

Para Brando o filme passou logo, mas os efeitos dele se tornaram duradouros. Assim que terminou as filmagens da fita ele foi procurado novamente por Elia Kazan. Ele o convidou para participar do filme "On the Waterfront" (no Brasil, "Sindicato de Ladrões"). Assim que leu o roteiro Brando entendeu do que se tratava. Era uma grande metáfora em forma de película, que justificava de certa forma o comportamento do próprio Kazan durante o Macartismo, onde ele havia dedurado vários colegas de profissão. Depois disso a biografia do cineasta havia sido manchada para sempre. Ele tencionava com o filme resgatar parte de seu prestígio dentro da comunidade cinematográfica, ao mesmo tempo em que justificava seu ato e pedia desculpas pelo que fez. No começo Brando relutou em fazer o filme. Desde sempre ele se considerava um liberal e o que Kazan havia feito era realmente algo desprezível. A vontade porém de realizar mais uma obra prima foi maior do que seus escrúpulos pessoais. Assim, ainda vestido de Johnny, ele se encontrou nos corredores da MGM e assinou o contrato com Kazan. Mal sabia que estaria prestes a realizar um dos maiores filmes de toda a sua carreira.

Pablo Aluísio.

Filmografia Marlon Brando

Filmografia Marlon Brando

Década de 1950:

Espíritos Indômitos (1950)

Uma Rua Chamada Pecada (1951)

Viva Zapata! (1952)

Júlio César (1953)

O Selvagem (1953)

Sindicato de Ladrões (1954)

Désirée, O Amor de Napoleão (1954)

Eles e Elas (1955)

Casa de Chá do Luar de Agosto (1956)

Sayonara (1957)

Os Deuses Vencidos (1958)

Obs: Em negrito filmes cujos reviews já foram publicados em nosso blog "Cinema Clássico".

Pablo Aluísio. 

Moscou Contra 007

Moscou Contra 007

Provavelmente seja o melhor filme de James Bond com Sean Connery. Tudo parece se encaixar muito bem em uma trama excelente em ótima adaptação do texto de Ian Fleming. Na estória Bond acaba ficando na incomoda posição de marionete da organização Spectre. Acontece que o grupo criminoso internacional deseja colocar as mãos em uma máquina decifradora de códigos secretos (algo considerado vital no mundo da espionagem durante a guerra fria).

Fazendo-se passar por uma autoridade do serviço secreto russo uma agente da Spectre convence uma espiã russa a roubar o objeto do consulado soviético em Istambul. Ao mesmo tempo engana o serviço secreto inglês que manda Bond numa missão especial na milenar cidade para também colocar as mãos na decodificadora. A agente soviética se faz passar por traidora e promete entregar a cobiçada máquina nas mãos do agente inglês. Só que no final quem planeja mesmo tomar posse dela é a própria Spectre que deseja ainda em uma só tacada eliminar o famoso agente britânico como ato de vingança pela morte do Dr. No. Por essa razão também é recomendável que o espectador assista ao filme anterior, para que todas as peças fiquem bem encaixadas.

Para os fãs de James Bond o filme é um prato cheio. Tem bom roteiro, excelente cenas de ação e uma bondgirl belíssima – a atriz Daniela Bianchi interpretando a agente russa Tatiana Romanova. Sean Connery também está empenhado em trabalhar bem seu papel, sempre concentrado e envolvido, algo que se perderia no passar dos anos pois Connery logo deixaria de ter o interesse em interpretar 007, indo atrás de outros desafios em sua carreira. Durante o filme o espectador ainda é presenteado com ótimas cenas filmadas dentro da famosa Basílica de Santa Sofia em Istambul, monumento erguido pelo imperador romano Justiniano em honra à glória do império Bizantino.

Há ainda belas cenas rodadas em Veneza e no leste europeu. Na trama o escritor Ian Fleming presta também uma singela e pequena homenagem à autora Agatha Christie ao ter parte da trama passada dentro do famoso Expresso do Oriente. Em suma, belo filme da franquia do mais famoso agente inglês do cinema. Um exemplo perfeito de tudo o que não pode faltar em uma película com 007: ação, espionagem, lindas mulheres e cenários de cartão postal. “Moscou contra 007” é de fato um James Bond com pedigree.

Moscou Contra 007 (From Russia with Love, Inglaterra, 1963) Direção: Terence Young / Roteiro: Richard Maibaum, Johanna Harwood, baseados no livro de Ian Fleming / Elenco: Sean Connery, Daniela Bianchi, Lotte Lenya / Sinopse: O espião inglês James Bond (Sean Connery) se vê envolvido numa complicada rede de espionagem envolvendo agentes russos e a Spectre, onde o objetivo final é colocar as mãos em uma cobiçada máquina de decodificação de códigos do serviço secreto soviético.

Pablo Aluísio. 

As Cartas de Grace Kelly - Parte 3

O tio de Grace Kelly, o ator George Kelly, foi o grande incentivador em sua vida para se tornar uma atriz. Ele era o membro excêntrico da aristocrática família Kelly, sempre se tornando o assunto principal nos jantares familiares refinados dos parentes. Era considerado um sonhador com alma de poeta. Os familiares de Grace eram todos grandes profissionais, médicos, advogados, engenheiros de sucesso. Ter um ator no meio de toda aquela gente era realmente uma excentricidade. Todos se perguntavam quem iria herdar a vocação artística de George. Imagine a surpresa dos pais de Grace quando descobriram que a própria filha era a herdeira artística de George Kelly.

Assim que terminou o colegial, Grace decidiu que queria ser atriz. Conversando com seu tio esse lhe aconselhou a ir morar em Nova Iorque onde havia as melhores escolas de teatro, além de um mercado promissor para jovens atores e atrizes. Havia a Broadway, a Off-Broadway e inúmeros teatros independentes espalhados pela cidade. Além disso Grace poderia estudar com os melhores professores de arte dramática do país (e do mundo). Assim, com apenas 19 anos de idade, ela arrumou as malas e foi embora. Seus pais ficaram desconcertados com sua decisão, mas resolveram apoiar na última hora. O tio George deu todos os conselhos para Grace. Ela deveria estudar para ser atriz, mas também deveria procurar por algum trabalho para se sustentar na cidade. Enquanto os papéis não aparecessem, seria bom procurar algo para sobreviver.

Embora fosse filha de uma rica e tradicional família da Pennsylvania, Grace topou o desafio de tentar sobreviver em Nova Iorque com seus próprios esforços. Ela passou a dividir um pequeno apartamento com outras jovens garotas e começou a procurar por trabalho na cidade. Com 1.75m de altura, corpo esbelto, loira e beleza natural, ela começou a visitar agências de modelo. Não demorou muito e seu jeito aristocrático de ser logo chamou a atenção de estilistas que a contrataram. Grace começou a trabalhar como modelo em desfiles e sessões fotográficas. O salário era muito bom e os horários de trabalho eram flexíveis, o que abria margem para ela frequentar o curso de teatro a cinco quadras de seu apartamento.

Anos depois Grace relembraria que em certo momento poderia ter decidido a se tornar apenas modelo em Nova Iorque. Ela conseguia contratos facilmente e ganhava bem. Em algumas sessões para revistas de moda ela chegava a ganhar sete vezes mais do que uma atriz na Broadway. Ser modelo para ela porém era apenas um modo de ganhar a vida. O que ela desejava mesmo era se tornar atriz. Por isso topou o desafio de também fazer inúmeros testes, quase sempre levando um "não" para casa. A sorte mudou quando conseguiu seu primeiro papel em uma peça chamada "O Pai". Ela seria encenada em um dos mais belos e bem frequentados teatros de Nova Iorque. Era um grande passo estar no elenco. Para sua felicidade a peça foi muito bem de crítica e público. Embora bem jovem ainda Grace recebeu uma linha de elogio na crítica que foi publicada no New York Times. Isso poderia fazer toda a diferença do mundo, pois poderia lhe trazer convites para atuar em outras peças teatrais. Dito e feito. Após nove semanas em cartaz Grace começou a ser procurada por produtores. Sua carreira de atriz, pelo jeito, estava começando a decolar.

Pablo Aluísio.