Os Prados Verdes

Os Prados Verdes

Um filme do comecinho da carreira de Marilyn Monroe. Não vai ser fácil localizar a atriz em cena. Naquela época ela era apenas um rostinho bonito que a Fox usava como extra. E ela aparece, muito timidamente, na cena da dança. Apenas uma garota qualquer fazendo figuração nesse western com ecos de drama e romance. Não seria dessa vez que ela teria alguma chance, ainda mais sabendo que a loira estrela do filme era outra, a chatinha Peggy Cummins que usava até o mesmo cabelo de Marilyn, mas que em termos de beleza sequer poderia se comparar a ela. 

A história desse antigo faroeste girava em torno de um grupo de rancheiros e fazendeiros que tinham que lidar com roubos de cavalos e crias que acabavam também fugindo para o campo aberto onde vivia, de forma selvagem, um belo garanhão branco. Um animal realmente maravilhoso que ninguém conseguia capturar. Então é isso. Um bom filme, mas para quem estiver em busca de Marilyn Monroe não a encontrará tão facilmente no meio de um monte de gente dançando. 

Os Prados Verdes (Green Grass of Wyoming, Estados Unidos, 1949) Direção: Louis King / Roteiro: Martin Berkeley, Mary O'Hara / Elenco: Peggy Cummins, Charles Coburn, Robert Arthur, Marilyn Monroe (figurante) / Sinopse: Grupo de rancheios, criadores de cavalos, precisam lidar com os desafios do velho oeste. 

Pablo Aluísio. 

Filmografia Marilyn Monroe

Filmografia Marilyn Monroe:

Sua Alteza, a Secretária

Idade Perigosa

Nasceste para Mim

Torrentes de Ódio

Os Prados Verdes

Mentira Salvadora

Loucos de Amor

O que Pode um Beijo

O Segredo das Joias

Por um Amor

O Faísca

A Malvada

Em cada Lar, um Romance

Sempre Jovem

O Segredo das Viúvas

Joguei Minha Mulher

Só a Mulher Peca

Travessuras de Casados

Almas Desesperadas

Páginas da Vida

O Inventor da Mocidade

Torrentes de Paixão

Os Homens Preferem as Loiras

Como Agarrar um Milionário

O Rio das Almas Perdidas

O Mundo da Fantasia

O Pecado Mora ao Lado

Nunca Fui Santa

O Príncipe Encantado

Quanto Mais Quente Melhor

Adorável Pecadora

Os Desajustados

 

Obs: Em negrito filmes cujos reviews já foram publicados em nosso blog "Cinema Clássico".

Pablo Aluísio. 

O Selvagem

O Selvagem

Se James Dean representava o jovem encucado e confuso em seus filmes, Marlon Brando em "O Selvagem" representou o outro lado da moeda, a do jovem que não se intimidava e junto aos amigos formava uma gangue de motocicletas para aterrorizar as pequenas cidades do meio oeste americano. O personagem dele nesse filme acabou gerando uma repercussão tão grande entre os jovens que espantou não só Brando como os próprios produtores do filme. Embora esse tipo de grupo fosse bastante comum em poucos lugares da Califórnia, após o filme ser exibido as gangues proliferaram por todo o país em um ritmo assombroso. A influência chegou até no Brasil quando também foram formados grupos como o do filme. De repente andar de moto em couro preto virou moda da noite para o dia. Algumas alterações de última hora acabaram irritando o ator, inclusive a inserção de um tedioso aviso advertindo aos jovens dos perigos de se envolver com tais grupos. 

Na realidade os produtores sofreram pressão por grupos conservadores e no meio do clima paranóico que existia na década de 1950 resolveram colocar a advertência fora de propósito. Marlon achou aquilo de uma caretice sem tamanho. Ele adorava motos e desde seus primeiros dias em Nova Iorque adotou o veículo como o seu preferido, conhecia vários motoqueiros e achava o cúmulo da moralidade e estupidez associar motos imediatamente à deliquência juvenil. Isso não adiantou muito. Assim que o filme foi lançado Brando logo foi acusado de incentivador da delinquência juvenil, de servir de mal exemplo para os jovens americanos. Em sua autobiografia o ator dedicou alguns capítulos ao filme. Na realidade ele nem mesmo achou o filme grande coisa, o considerou curto demais, violento e sem muito propósito, mas se confessava totalmente surpreso com toda a repercussão que "O Selvagem" alcançou dentro da cultura pop nos anos seguintes. 

O fato é que sua imagem de "motoqueiro de jaqueta negra" invadiu o inconsciente coletivo e ainda hoje é marca registrada de qualquer jovem "rebelde" que se preze. Até mesmo o jovem aspirante a ator, James Dean, apareceu na frente de Brando completamente vestido de seu personagem nesse filme. Marlon obviamente ficou espantado pois compreendeu que Dean realmente associava o personagem do motoqueiro com o próprio estilo de vida dele, o que era uma grande bobagem pois Marlon nunca fez parte de gangue nenhuma durante toda a sua vida. Dean queria encontrar uma forma de identificação com seu maior ídolo e por isso se vestiu de Johnny, o motoqueiro, ao se encontrar com Marlon. Brando não gostou muito e o dispensou discretamente. Ao longo dos anos Brando se veria perseguido por essa imagem, jamais conseguindo se livrar dela. Ele deveria ter entendido que algumas imagens ganham vida própria e sobrevivem a tudo, até mesmo ao tempo. Brando em sua moto aterrorizando uma cidadezinha qualquer perdida dos EUA é uma dessas imagens que ficaram cravadas para sempre na mente dos cinéfilos. "O Selvagem" é realmente um filme apenas mediano mas como produto pop jamais poderá ser subestimado. É um marco absoluto dos chamados "anos dourados". Simplesmente definitivo.

O Selvagem (The Wild One, Estados Unidos, 1953) Direção. Laslo Benedek / Roteiro: John Paxton, Frank Rooney / Elenco: Marlon Brando, Mary Murphy, Robert Keith / Sinopse: Johnny (Marlon Brando) chega numa pacata cidadezinha com sua gangue de motoqueiros de couro preto. Na localidade conhece a linda Kathie (Mary Murphy) com quem simpatiza ao mesmo tempo em que tem que lidar com um grupo rival de rebeldes motorizados.

Pablo Aluísio.

Hollywood Boulevard - Marlon Brando - Parte 2

Em 1953 Marlon Brando entrou no set de seu novo filme, "The Wild One" que no Brasil seria intitulado "O Selvagem". Brando, já naquela altura considerado o maior rebelde de Hollywood, iria interpretar o papel de um jovem motoqueiro chamado Johnny Strabler. A direção seria do cineasta húngaro Laslo Benedek que havia dirigido a adaptação para o cinema do clássico da literatura "A Morte do Caixeiro Viajante" dois anos antes. Inicialmente Brando não viu grande coisa no roteiro. Para ele seria um filme apenas para cumprir contrato com o produtor Stanley Kramer. Como era um filme pequeno, de curta duração e com enredo simples, não haveria muito trabalho à vista.

Nada que poderia se comparar com os filmes anteriores do ator, verdadeiras obras primas como "Espíritos Indômitos", "Uma Rua Chamada Pecado", "Viva Zapata!" e principalmente "Júlio César" que havia exigido muito dele em termos de atuação. Afinal de contas Brando havia suado a camisa para se sair bem em seus primeiros filmes, em especial o último, uma complicada adaptação para o cinema da famosa peça escrita por William Shakespeare, sob direção do austero Joseph L. Mankiewicz. Assim interpretar Johnny era quase como um passeio no parque. Além do mais Brando adorava motos e o universo que as cercava, então foi mesmo a união de algo que gostava de fazer em sua vida pessoal com a possibilidade de dar um tempo nos filmes mais sérios e desafiadores.

Para sua surpresa porém o filme virou um dos maiores cult movies da história. Inicialmente Brando não gostou da película. Como ele próprio recordou em suas memórias a primeira vez que assistiu a "O Selvagem", logo após sua estreia nos cinemas, não gostou mesmo do que viu. Achou o filme violento e sem conteúdo. Curiosamente a fita acabou virando o estopim de uma série de revoluções comportamentais ocorridas na juventude americana nos anos 1950, desembocando na revolução cultural que iria estourar nos anos 1960. Para Brando foi tudo uma grande surpresa. Ele não tinha consciência na época que havia todo um sentimento reprimido por parte dos jovens e que seu filme seria usado para aprofundar todos esses anseios. Johnny, na visão de Brando, era apenas mais um personagem a interpretar. A juventude da época porém viu de outro modo. Aquele motoqueiro, vestido de couro preto da cabeça aos pés, era a personificação da liberdade. O roteiro dava a ele uma conotação ruim, algo que não poderia ser usado como modelo, mas como um aviso contra a delinquência juvenil. Para reforçar isso o estúdio colocou um texto avisando sobre os males de se seguir o exemplo dos personagens. Brando percebeu que o tiro sairia pela culatra. A juventude em geral ignorou a mensagem moralista quadrada e obsoleta e abraçou o personagem como um ícone, um mito, um exemplo a seguir. Para Brando não poderia ser melhor e ele foi elevado à altura de símbolo máximo entre os jovens da época.

Realmente, do ponto de vista puramente cinematográfico "O Selvagem" não pode ser comparado aos demais clássicos que Brando rodou por essa época em sua carreira. Já do ponto de vista meramente cultural e sociológico é de fato um dos mais marcantes momentos de sua carreira no cinema. Isso porque o filme não pode ser visto apenas sob a ótica do que se vê na tela, e sim muito mais além disso, pois teve enorme influência dentro da sociedade, principalmente entre os jovens, que viram ali um modelo de liberdade incrível. Numa época em que havia grande repressão e os controles morais eram extremos, ver Johnny atravessando a América de moto, sem dar satisfações a ninguém, e vivendo com um grupo de rebeldes como ele, era de fato um impacto para o jovem americano típico dos anos 1950. Depois que Brando surgiu com aquela imagem ícone, nasceu toda uma cultura jovem no país, até porque a juventude de um modo em geral era completamente ignorada dentro da sociedade até então, sendo considerada apenas uma transição entre a infância e a vida adulta. Depois de Brando vieram James Dean - o maior símbolo de juventude que o cinema jamais produziu - o Rock ´n´ Roll, Elvis Presley e toda a iconografia da cultura jovem que conhecemos hoje em dia.

Para Brando o filme passou logo, mas os efeitos dele se tornaram duradouros. Assim que terminou as filmagens da fita ele foi procurado novamente por Elia Kazan. Ele o convidou para participar do filme "On the Waterfront" (no Brasil, "Sindicato de Ladrões"). Assim que leu o roteiro Brando entendeu do que se tratava. Era uma grande metáfora em forma de película, que justificava de certa forma o comportamento do próprio Kazan durante o Macartismo, onde ele havia dedurado vários colegas de profissão. Depois disso a biografia do cineasta havia sido manchada para sempre. Ele tencionava com o filme resgatar parte de seu prestígio dentro da comunidade cinematográfica, ao mesmo tempo em que justificava seu ato e pedia desculpas pelo que fez. No começo Brando relutou em fazer o filme. Desde sempre ele se considerava um liberal e o que Kazan havia feito era realmente algo desprezível. A vontade porém de realizar mais uma obra prima foi maior do que seus escrúpulos pessoais. Assim, ainda vestido de Johnny, ele se encontrou nos corredores da MGM e assinou o contrato com Kazan. Mal sabia que estaria prestes a realizar um dos maiores filmes de toda a sua carreira.

Pablo Aluísio.

Filmografia Marlon Brando

Filmografia Marlon Brando

Década de 1950:

Espíritos Indômitos (1950)

Uma Rua Chamada Pecada (1951)

Viva Zapata! (1952)

Júlio César (1953)

O Selvagem (1953)

Sindicato de Ladrões (1954)

Désirée, O Amor de Napoleão (1954)

Eles e Elas (1955)

Casa de Chá do Luar de Agosto (1956)

Sayonara (1957)

Os Deuses Vencidos (1958)

Obs: Em negrito filmes cujos reviews já foram publicados em nosso blog "Cinema Clássico".

Pablo Aluísio. 

Moscou Contra 007

Moscou Contra 007

Provavelmente seja o melhor filme de James Bond com Sean Connery. Tudo parece se encaixar muito bem em uma trama excelente em ótima adaptação do texto de Ian Fleming. Na estória Bond acaba ficando na incomoda posição de marionete da organização Spectre. Acontece que o grupo criminoso internacional deseja colocar as mãos em uma máquina decifradora de códigos secretos (algo considerado vital no mundo da espionagem durante a guerra fria).

Fazendo-se passar por uma autoridade do serviço secreto russo uma agente da Spectre convence uma espiã russa a roubar o objeto do consulado soviético em Istambul. Ao mesmo tempo engana o serviço secreto inglês que manda Bond numa missão especial na milenar cidade para também colocar as mãos na decodificadora. A agente soviética se faz passar por traidora e promete entregar a cobiçada máquina nas mãos do agente inglês. Só que no final quem planeja mesmo tomar posse dela é a própria Spectre que deseja ainda em uma só tacada eliminar o famoso agente britânico como ato de vingança pela morte do Dr. No. Por essa razão também é recomendável que o espectador assista ao filme anterior, para que todas as peças fiquem bem encaixadas.

Para os fãs de James Bond o filme é um prato cheio. Tem bom roteiro, excelente cenas de ação e uma bondgirl belíssima – a atriz Daniela Bianchi interpretando a agente russa Tatiana Romanova. Sean Connery também está empenhado em trabalhar bem seu papel, sempre concentrado e envolvido, algo que se perderia no passar dos anos pois Connery logo deixaria de ter o interesse em interpretar 007, indo atrás de outros desafios em sua carreira. Durante o filme o espectador ainda é presenteado com ótimas cenas filmadas dentro da famosa Basílica de Santa Sofia em Istambul, monumento erguido pelo imperador romano Justiniano em honra à glória do império Bizantino.

Há ainda belas cenas rodadas em Veneza e no leste europeu. Na trama o escritor Ian Fleming presta também uma singela e pequena homenagem à autora Agatha Christie ao ter parte da trama passada dentro do famoso Expresso do Oriente. Em suma, belo filme da franquia do mais famoso agente inglês do cinema. Um exemplo perfeito de tudo o que não pode faltar em uma película com 007: ação, espionagem, lindas mulheres e cenários de cartão postal. “Moscou contra 007” é de fato um James Bond com pedigree.

Moscou Contra 007 (From Russia with Love, Inglaterra, 1963) Direção: Terence Young / Roteiro: Richard Maibaum, Johanna Harwood, baseados no livro de Ian Fleming / Elenco: Sean Connery, Daniela Bianchi, Lotte Lenya / Sinopse: O espião inglês James Bond (Sean Connery) se vê envolvido numa complicada rede de espionagem envolvendo agentes russos e a Spectre, onde o objetivo final é colocar as mãos em uma cobiçada máquina de decodificação de códigos do serviço secreto soviético.

Pablo Aluísio. 

As Cartas de Grace Kelly - Parte 3

O tio de Grace Kelly, o ator George Kelly, foi o grande incentivador em sua vida para se tornar uma atriz. Ele era o membro excêntrico da aristocrática família Kelly, sempre se tornando o assunto principal nos jantares familiares refinados dos parentes. Era considerado um sonhador com alma de poeta. Os familiares de Grace eram todos grandes profissionais, médicos, advogados, engenheiros de sucesso. Ter um ator no meio de toda aquela gente era realmente uma excentricidade. Todos se perguntavam quem iria herdar a vocação artística de George. Imagine a surpresa dos pais de Grace quando descobriram que a própria filha era a herdeira artística de George Kelly.

Assim que terminou o colegial, Grace decidiu que queria ser atriz. Conversando com seu tio esse lhe aconselhou a ir morar em Nova Iorque onde havia as melhores escolas de teatro, além de um mercado promissor para jovens atores e atrizes. Havia a Broadway, a Off-Broadway e inúmeros teatros independentes espalhados pela cidade. Além disso Grace poderia estudar com os melhores professores de arte dramática do país (e do mundo). Assim, com apenas 19 anos de idade, ela arrumou as malas e foi embora. Seus pais ficaram desconcertados com sua decisão, mas resolveram apoiar na última hora. O tio George deu todos os conselhos para Grace. Ela deveria estudar para ser atriz, mas também deveria procurar por algum trabalho para se sustentar na cidade. Enquanto os papéis não aparecessem, seria bom procurar algo para sobreviver.

Embora fosse filha de uma rica e tradicional família da Pennsylvania, Grace topou o desafio de tentar sobreviver em Nova Iorque com seus próprios esforços. Ela passou a dividir um pequeno apartamento com outras jovens garotas e começou a procurar por trabalho na cidade. Com 1.75m de altura, corpo esbelto, loira e beleza natural, ela começou a visitar agências de modelo. Não demorou muito e seu jeito aristocrático de ser logo chamou a atenção de estilistas que a contrataram. Grace começou a trabalhar como modelo em desfiles e sessões fotográficas. O salário era muito bom e os horários de trabalho eram flexíveis, o que abria margem para ela frequentar o curso de teatro a cinco quadras de seu apartamento.

Anos depois Grace relembraria que em certo momento poderia ter decidido a se tornar apenas modelo em Nova Iorque. Ela conseguia contratos facilmente e ganhava bem. Em algumas sessões para revistas de moda ela chegava a ganhar sete vezes mais do que uma atriz na Broadway. Ser modelo para ela porém era apenas um modo de ganhar a vida. O que ela desejava mesmo era se tornar atriz. Por isso topou o desafio de também fazer inúmeros testes, quase sempre levando um "não" para casa. A sorte mudou quando conseguiu seu primeiro papel em uma peça chamada "O Pai". Ela seria encenada em um dos mais belos e bem frequentados teatros de Nova Iorque. Era um grande passo estar no elenco. Para sua felicidade a peça foi muito bem de crítica e público. Embora bem jovem ainda Grace recebeu uma linha de elogio na crítica que foi publicada no New York Times. Isso poderia fazer toda a diferença do mundo, pois poderia lhe trazer convites para atuar em outras peças teatrais. Dito e feito. Após nove semanas em cartaz Grace começou a ser procurada por produtores. Sua carreira de atriz, pelo jeito, estava começando a decolar.

Pablo Aluísio.

Rock e Marilyn - Um Encontro Impossível

Rock e Marilyn - Um Encontro Impossível

Era 1952, o auge dourado de Hollywood. As colunas sociais viviam de rumores, e cada estrela parecia uma constelação intocável. Rock Hudson, com seu sorriso impecável e porte de galã, era o novo queridinho dos estúdios. Recém-saído de papéis menores, começava a ganhar destaque e já despertava a curiosidade de jornalistas e fãs. Naquele ano, durante uma festa promovida pela Universal, ele conheceu Marilyn Maxwell — loira, charmosa, espirituosa, com uma risada que parecia iluminar o salão inteiro.

Marilyn estava fascinada. Rock era diferente dos homens com quem convivia em Hollywood — havia nele uma elegância discreta, uma gentileza rara. Dançaram juntos, trocaram olhares e conversaram por horas sobre cinema, música e viagens. Ao final da noite, ela confessou a uma amiga que se sentia encantada por aquele “homem de olhos tristes”. Para ela, parecia o início de uma história romântica digna das telas.

Rock, por outro lado, também se sentiu atraído — não por desejo, mas por afinidade. Marilyn o fazia rir, e ele apreciava sua companhia. No entanto, por trás do sorriso, havia uma tensão invisível. Rock vivia um segredo que o consumia. Era gay num tempo em que isso significava o fim de qualquer carreira. A indústria que o aplaudia era a mesma que o destruiria se a verdade viesse à tona.

Nos dias seguintes, Marilyn o convidou para sair várias vezes. Foram vistos em jantares, estreias e eventos. As revistas logo começaram a especular um romance, o que, para o estúdio, era uma bênção. Os publicitários de Rock incentivaram a relação, dizendo que “fazia bem à imagem dele”. E ele, embora desconfortável, cedeu — sorria para as câmeras, abraçava Marilyn em público e fingia estar apaixonado.

Mas havia momentos em que o jogo o machucava. Marilyn, sincera em seus sentimentos, tentava se aproximar mais, entender aquele homem reservado. Rock, educado e doce, desviava com elegância. Dizia estar “focado no trabalho”, ou “com a cabeça cheia”. Ela não compreendia. Às vezes, notava uma melancolia profunda em seus olhos — um silêncio que não combinava com o galã das telas.

Certa noite, depois de um jantar no Beverly Hills Hotel, Marilyn tentou beijá-lo. Rock recuou, disfarçando com um sorriso. Disse algo vago sobre “não querer estragar a amizade”. Ela ficou confusa, ferida. No dia seguinte, contou a uma colega que talvez Rock fosse apenas tímido, ou quem sabe apaixonado por outra mulher. Nunca imaginaria o verdadeiro motivo.

A amizade entre os dois esfriou aos poucos. Rock continuou sua ascensão meteórica, enquanto Marilyn seguiu sua carreira, levando consigo uma ponta de desilusão. Ele, por sua vez, guardou aquele episódio como mais uma lembrança da vida que não podia viver. O preço da fama era a mentira; o disfarce, sua prisão.

Anos depois, em entrevistas, Rock recordaria com carinho daquela época — sem mencionar nomes, sem confessar segredos. Apenas dizia que “a fama o obrigou a representar também fora das telas”. Talvez, em silêncio, lembrasse da mulher que quis amá-lo, e da verdade que nunca pôde dizer. Entre eles ficou o que Hollywood mais sabia produzir: uma bela história impossível.

Pablo Aluísio. 

Gregory Peck - Biografia

Gregory Peck

Biografia
Eldred Gregory Peck nasceu em 5 de abril de 1916, em La Jolla, Califórnia (EUA). Filho de um farmacêutico, estudou na Universidade da Califórnia em Berkeley, onde começou a se interessar pelo teatro. Após se formar, mudou-se para Nova York e estudou na prestigiada Neighborhood Playhouse. Sua postura elegante, voz grave e presença imponente chamaram atenção rapidamente, levando-o a estrear na Broadway antes de conquistar Hollywood.

Estréia no cinema – Primeiros filmes
Gregory Peck estreou no cinema em Dias de Glória (Days of Glory, 1944), interpretando um guerrilheiro russo durante a Segunda Guerra Mundial. No mesmo ano, ganhou destaque em As Chaves do Reino (The Keys of the Kingdom, 1944), papel que lhe rendeu sua primeira indicação ao Oscar e o transformou em uma das grandes promessas do cinema americano.

Auge e sucesso em Hollywood
Durante os anos 1940 e 1950, Gregory Peck consolidou-se como um dos maiores astros de Hollywood. Conhecido por seu talento, integridade e carisma, especializou-se em papéis de homens éticos, corajosos e justos — imagem que refletia também sua personalidade fora das telas. Trabalhou com grandes diretores como Alfred Hitchcock, William Wyler e Henry King, tornando-se um dos atores mais respeitados de sua geração.

Principais filmes da carreira

• As Chaves do Reino (The Keys of the Kingdom, 1944)

• Quando Fala o Coração (Spellbound, 1945)

• O Bom Pastor (The Yearling, 1946)

• O Sol É para Todos (To Kill a Mockingbird, 1962)

• O Segredo das Jóias (Gentleman’s Agreement, 1947)

• O Mar é Nosso Túmulo (Twelve O’Clock High, 1949)

• A Princesa e o Plebeu (Roman Holiday, 1953)

• Os Canhões de Navarone (The Guns of Navarone, 1961)

• O Ouro de Mackenna (Mackenna’s Gold, 1969)

• A Profecia (The Omen, 1976)

Últimos filmes
Nos anos 1970 e 1980, Peck reduziu o ritmo, mas continuou atuando em produções importantes, como A Profecia (The Omen, 1976) e Os Meninos do Brasil (The Boys from Brazil, 1978). Seu último papel no cinema foi em Old Gringo (1989), ao lado de Jane Fonda. Nos anos 1990, fez aparições em minisséries e programas de TV.

Filmes de grande sucesso estrelados por Gregory Peck

• O Sol É para Todos (To Kill a Mockingbird, 1962)

• A Princesa e o Plebeu (Roman Holiday, 1953)

• Os Canhões de Navarone (The Guns of Navarone, 1961)

• O Segredo das Jóias (Gentleman’s Agreement, 1947)

• O Mar é Nosso Túmulo (Twelve O’Clock High, 1949)

• Quando Fala o Coração (Spellbound, 1945)

• O Ouro de Mackenna (Mackenna’s Gold, 1969)

• A Profecia (The Omen, 1976)

• Os Meninos do Brasil (The Boys from Brazil, 1978)

Vida Pessoal
Gregory Peck casou-se duas vezes. Seu primeiro casamento foi com Greta Kukkonen, de 1942 a 1955, com quem teve três filhos. Em 1955, casou-se com a jornalista francesa Véronique Passani, com quem teve mais dois filhos e viveu até o fim da vida.
Peck era conhecido por seu engajamento em causas humanitárias e políticas. Defensor dos direitos civis e da justiça social, apoiou movimentos pela igualdade racial e campanhas humanitárias da ONU. Sua imagem pública de integridade refletia fortemente os valores que representava em seus papéis.

Morte
Gregory Peck faleceu em 12 de junho de 2003, em sua casa em Los Angeles, Califórnia, aos 87 anos, em decorrência de complicações broncopulmonares. Foi sepultado no Cemitério de Cathedral of Our Lady of the Angels. Sua morte foi amplamente noticiada, e o mundo do cinema prestou homenagens a um dos últimos grandes ícones da era clássica de Hollywood.

Prêmios e Reconhecimentos

• Oscar de Melhor Ator por O Sol É para Todos (1962)

• Oscar Honorário (1968) pela contribuição ao cinema e à arte dramática

• Globo de Ouro de Melhor Ator por O Sol É para Todos (1962) e A Profecia (1976)

• Medalha Presidencial da Liberdade (1969), uma das maiores honrarias dos EUA

• AFI Life Achievement Award (1989), prêmio pelo conjunto da carreira

• Estrela na Calçada da Fama de Hollywood

• Várias indicações ao BAFTA e homenagens em festivais internacionais

Legado
Gregory Peck é considerado um dos maiores atores da história do cinema americano. Sua atuação como Atticus Finch em O Sol É para Todos é constantemente eleita uma das mais admiráveis da sétima arte, símbolo de integridade moral e empatia.
Representou o arquétipo do homem honesto e ético — um herói realista e humano. Além disso, foi uma figura importante fora das telas, atuando como ativista político e humanitário.
Sua influência se estende por gerações: atores como Denzel Washington, George Clooney e Tom Hanks citaram Peck como referência. O próprio American Film Institute o colocou entre os 25 maiores astros do cinema de todos os tempos.

...E O Vento Levou

...E O Vento Levou

Depois de quatro horas de filme, a sensação é de puro êxtase. Não há um mortal sequer que consiga ficar indiferente ao filme mais famoso e popular de Hollywood. Baseado no romance homônimo de Margareth Mitchel e vencedor do Prêmio Pulitzer de 1937,  "... E o Vento Levou" (Gone With The Wind - 1939) é daqueles filmes onde tudo funciona, tudo se encaixa perfeitamente e o time de atores, juntamente com os diretores, produtor e roteirista, forma uma espécie de mosaico que beira à perfeição. O longa é ambientado no início da Guerra da Secessão (1861-1865) e conta a vida de Gerald O'Hara um imigrante irlandês que fez fortuna e vive em sua mansão,Tara, na Georgia, sul dos EUA, junto com sua filha adolescente, Scarlett O'Hara (Vivien Leight).

A jovem Scarlett nutre uma paixão crônica e doentia por Ashley Wilkes. Porém o que ela não sabe é que Wilkes está de casamento marcado com a sua própria prima. Em meio a um verdadeiro redemoinho de paixões, mágoas e ressentimentos que coincidem com o início da guerra, surge o indefectível Rhett Buttler (Clark Gable), um espertalhão que diante do conflito, não toma partido para nenhum lado. Na verdade Rhett é um misto de mulherengo, cínico e mau-caráter que mantém sem muito esforço, correndo em suas veias, muito humor, além de doses generosas de testosterona.

O clássico tem cenas inesquecíveis como o grandioso incêndio que torra a cidade de Atlanta, facilitando a invasão dos Ianques do norte e levando os Confederados e escravocratas sulistas ao desespero. Destaque também para a trilha sonora de acordes celestiais assinada por Max Steiner. A música, derrete, como fogo de maçarico, os corações humanos mais duros. Mas a estrela do grande épico é a espevitada Scarlett O'Hara, papel que caiu no colo de  uma inglesinha, nascida na Índia, chamada Vivian Leigh. A excepcional atriz - que doze anos mais tarde brilharia junto com Marlon Brando no clássico "Uma Rua Chamada Pecado" (1951) - disputou de forma incansável a concorrida vaga para o papel de Scarlett O'Hara com gente não menos ilustre como: Katharine Hepburn, Bette Davis e Lana Turner. A disputa foi tão acirrada que Vivien só conseguiu a vaga quando as filmagens já haviam começado. Vivien foi uma escolha pessoal do todo poderoso produtor David Selznick e brilhou intensamente na pele de uma Scarlett O' Hara  histriônica e mimada.

Outro destaque fica por conta de Clark Gable, que aqui vive seu personagem mais famoso (Rhett Butler). Na verdade a primeira escolha para viver Rhett recaiu sobre Errol Flynn que era um desejo pessoal do produtor David O' Selznick. Mas diante da negativa da Warner em liberar Flynn e de um pedido pessoal de Carole Lombard - que era esposa de Gable e amiga pessoal de Selznick - Clark , finalmente foi o escolhido. Reza a lenda que Clark relutou muito em aceitar o famoso papel, já que estava com 38 anos e não queria encarnar nas telas um sujeito malandro e conquistador de uma adolescente. Outra maravilha fica por conta da fotografia em Technicolor da dupla Ernest Haller e Ray Rennahan que além de representar uma revolução para a época, hipnotizou as plateias de todo o mundo. O clássico teve treze indicações ao Oscar, mas levou "apenas" dez. Um filme realmente extraordinário.

... E O Vento Levou (Gone with the Wind, EUA, 1939) Direção: Victor Fleming / Roteiro: Sidney Howard baseado na novela de Margaret Mitchell / Elenco: Clark Gable, Vivien Leigh, Olivia de Havilland, Thomas Mitchell, George Reeves / Sinopse: As paixões, lutas e glórias de uma família americana durante os terríveis anos da Guerra Civil.

Telmo Vilela Jr.